Parisian post-punk and new wave trio JE T’AIME has revealed a new music video for “Tales of Despair,” the latest single from the band’s 2022 Aggressive album. Directed by Quentin Caffier, the video presents the rise and fall of a love affair, depicted by way of interpretive dance; “the use of an LED screen […]

Source: EBM.gr

A few months ago, Helalyn Flowers‘ Noemi Aurora revealed the first song from her solo project, the upbeat pop-wave tune “Shining“.

It was the first teaser for the release of the solo-album “Kintsugi” from this Italian solo-project expected soon on the Belgian post-punk label Spleen+. “Shining” is also included in her new single “Blood As Lipstick”.

The new 3-track single “Blood As Lipstick” mixes the dark wave of the 80’s with cinematic electronic industrial. Included in this single is also her cover of The Cure’s classic “Friday I’m In Love”.

Related newsHelalyn Flowers frontwoman Noemi Aurora inks deal with Spleen+ label and debuts first solo single 'Shining' as free downloadYou can download the single right now from Bandcamp.

Blood As Lipstick by Noemi Aurora

Noemi Aurora describes her new work as “an ouroboros of musical influences that started from my listenings when I was a teenager, while I wandered around the country with my inseparable cassette walkman, without any fear of being judged as the ‘strange’ gothic girl, wearing my headphones and listening to my 80s/90s mixtapes which contained from the most underground darkwave bands, to rock/alternative, non-commercial electronica, up to even extreme metal. My project was born from there, from the roots, and branches out until today…”.

Source: EBM.gr

Out November 10 via the Swedish label Progress Productions is the all new Johan Baeckström single, “Here”. The 4-track single is also available as a digipak CD in a limited edition of 500 copies.

This is the first material in 5 years from Johan Baeckström (also known from the Swedish electropop duo Daily Planet and the electronic pop act White Door) since the album “Utopia”. On this limited edition EP you’ll find “Always here” and the first digital single “Forever in here” plus a cover of the Covenant classic “Happy Man”. As a bonus you get a remix of the track “Always here” by the Swedish electronica producer and musician Moist.

Check out the videoclip for “Forever in here” below.

Source: EBM.gr

  It has been four years since we’ve heard from dark electro-pop and gothic synthpop act Everpresent, but the band has broken the silence in time for Halloween with today’s release of a new single, “Seduce Me.” Co-produced by Matthew Cahoon with Kris Towne, the song’s roots reach back to before Everpresent began, written by […]

Source: EBM.gr

Die Doom Metal-Band THE OBSESSED hat mit “It’s Not OK” (verfügbar als Live-Video bei YouTube) einen ersten Track ihres kommenden Albums “Gilded Sorrow” veröffentlicht. Es ist das fünfte Studioalbum der US-Amerikaner aus Maryland und wird am 16. Februar 2024 via Ripple Music erscheinen.

“Gilded Sorrow”, das von Frank Marchand produziert wurde, ist das erste Album mit dem Bassisten Chris Angleberger und dem Gitarristen Jason Taylor (Ex-SIERRA).

“Jason Taylor als zweiten Gitarristen hinzuzufügen war eine der besten Entscheidungen, die ich getroffen habe, denn er ist ein virtuoser Gitarrist und ich muss sagen, dass er ziemlich viel Gutes zu dieser Platte beigetragen hat”, lobt Bandgründer Scott “Wino” Weinrich (WINO, Ex-SAINT VITUS).

THE OBSESSED “Gilded Sorrow” Tracklist
1. Daughter of an Echo
2. It’s Not OK (Live-Video bei YouTube)
3. Realize a Dream
4. Gilded Sorrow
5. Stoned Back to the Bomb Age
6. Wellspring – Dark Sunshine
7. Jailine
8. Yen Sleep
9. Lucky Free Nice Machine

Source: Vampster

#image_title

Genre/Influences: Dark-Ambient, Cinematic, Drone.

Format: Digital, CD.

Background/Info: Italian solo-project Nihil Impvlse is driven by Francesco di Stasio. “Anabasis” is his fourth full length opus and the second released by Eight Tower Records. “Anabasis” has been introduced as ‘the drone industrial soundtrack of the constant strife for the pursuit of progress.’

Related newsNihil Impvlse – Stasis (Album – Eighth Tower Records)Content: “Anabasis” sounds like the entrance to a dark and unknown sound cave. Somewhere in between obscure Cinematic, Dark-Ambient and Drone the tracks are resonating throughout the speakers with low vibrations. I noticed passages with vocals’ exclamations empowering the freaky sound experience.

+ + + : The tracks have been meticulously built up featuring elaborated sound treatments and impressive sound effects. It all leads towards a poignant, tormented, visual strength which mainly comes through at the beginning of the work. “Anabasis” sounds in the line of previous work although it became darker and tortured. I salute the efforts and accomplishments of the artist who seems to have reached a next step and higher, qualitative, level in his artistic exposure.

– – – : I regret that the album only features 6 cuts. I also got the feeling Nihil Impvlse still has more potential than what came out.

Conclusion: This is a fully accomplished piece of dark music; a thorough sonic nightmare which will give you cold sweat.

Best songs: “Fog Of War”, “Blood On Our Hands”, “Drifting Ground Zeroes”.

Rate: 8.

Label: http://www.facebook.com/eighthtower

Source: EBM.gr

Out November 10 via the Swedish label Progress Productions is the all new Johan Baeckström...

Source: Side Line

Since the band’s foundation in 2005, Kaos Krew has undergone changes in style and lineup. With the forthcoming sixth album, titled Blackout, the Finnish industrial/metal band is once again in the hands of founder and multi-instrumentalist Ulf Skog, with “Wake-Up” marking the album’s second single. [..]

Source: RE:GEN Mag

Die Industrial Metal-Band KAOS KREW hat mit “Retribution” eine dritte Single ihres kommenden Albums “Blackout” veröffentlicht. Zuvor ist mit “Wake-Up” die zweite Single des kommenden Albums erschienen. Vor einigen Wochen ist mit “Electric Masquerade” die erste Single des Albums erschienen.

“Der Song handelt von der Welt der sozialen Medien und der Tatsache, dass fast jeder von uns ständig mit dem Gesicht in irgendeinem Bildschirm steckt. Jeder kann dort in den sozialen Medien jeder sein”, sagt Bandgründer Ulf Skog, der die Band wieder als Solo-Projekt führt.

“Blackout” ist das sechste Album der Band und wird am 15. Dezember 2023 erscheinen.

KAOS KREW “Blackout” Tracklist
1. At The Core
2. Retribution (Visualizer bei YouTube)
3. Know Thyself
4. Wake-up (Video bei YouTube)
5. Electro Magnetic Machine
6. Raceway
7. Strangers Gate
8. Dark Circus
9. Bounce
10. Flame On
11. Electric Masquerade (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

  At the start of this month, it was reported that Annihilvs Power Electronix would be releasing a new Theologian album and a new NUSP EP; today, Halloween sees the arrival of these releases, each also accompanied by a corresponding music video, making their premieres here on ReGen Magazine. Following up on the מִלחָמָה (WAR) […]

Source: EBM.gr

In acht klangmalerischen Stücken vollzieht Zanias eine wahre Metamorphose, wie der Titel „Chrysalis“ es vermuten lässt. 2014 begann Alison Lewis ihr elektronisches Soloprojekt Zanias. Das dritte Album wurde in Berlin und dem australischen Queensland zum Leben erweckt. Wir sprechen mit der Künstlerin in unserer Winterausgabe. Sieh Dir hier den Clip zu „Simulation“ an: Zanias kannst […]

Source: Orkus

Mit “Chiaroscuro” wird in wenigen Tagen das neue Album der Grindcore / Powerviolence Band CLOSET WITCH erscheinen. Es ist das zweite Album der 2014 gegründeten Band aus Iowa.

“Chiaroscuro” wurde von Luke Tweedy in den Flat Black Studios aufgenommen und von Brad Boatright gemastert. Erscheinen wird das Album am 3. November 2023 via Moment Of Collapse Records. Vorab gibt es nach “My Words Are Sacred” (mit Dylan Walker (FULL OF HELL) als Gast) mit “We met on the Park Boundary Trail” nun einen weiteren Video-Clip.

CLOSET WITCH sind Drummer Royce Kurth, Gitarrist Alex Crist, der auch das Cover-Artwork gestaltet hat, Bassist Cory Peak und Sängerin Mollie Piatetsky.

CLOSET WITCH “Chiaroscuro” Tracklist
01. Intro
02. Constantly Problematic
03. Haunting
04. And Releasing (Feat. Frankie Furillo of The Central)
05. My Words Are Scared (Feat. Dylan Walker of Full of Hell) (Video bei YouTube)
06. Infinite Imbalance (Feat. Stu Cline formerly of Ice Hockey)
07. You, Me & My Venus in Decay (Feat. Dan Lee of Wanderer)
08. Arlington Cemetery
09. Well Fed Machine
10. We Met On The Park Boundary Trail (Video bei YouTube)
11. Funeral Flowers
12. To The Cauldron (Feat. Stu Cline formerly of Ice Hockey)

Source: Vampster

The annual synthpop and EBM fest electriXmas will be held at Inkonst in Malmö on December 9, 2023. The line-up is now complete, with Sierra, Karin Park, Promenade Cinema, CapitalX and Softwave. We stumbled upon this comment from Empathy Test: - What a great lineup! Respect for representing the women of our scene.

Source: Release Music Magazine

Hi, Morg! Zehn Jahre ist der Vorgänger „Lebensweisen“ (2013) mittlerweile her. Ich nehme an, der Release von „ephemer“ fühlt sich dadurch sicherlich wie das Ziel einer langen Reise an. Auf welchen Aspekt des finalen Werks bist du am meisten stolz?

Morg: Auf alles zusammen, würde ich sagen. Also einfach auf die Tatsache, dass nun nach all diesen Jahren alles ineinandergreift und von den einzelnen Bestandteilen letztendlich nichts nicht geklappt hat. Tatsächlich gibt es vom Cover über die Fotos und den Sound bis hin zu den Songs einfach nichts, an dem ich jetzt noch irgendetwas anders machen wollen würde. Das kenne ich so nicht, weil das nach den letzten Alben eigentlich nie so war.

Dementsprechend glaube ich, dass das auch das zentrale Kriterium ist, welches das Album auszeichnet: Vom Konzept, über die Texte bis hin zur Musik ist schlussendlich alles genauso geworden, wie es sein soll. Das ist dann auch, was das Album meiner Ansicht nach so stark macht und worauf ich am Ende sehr stolz bin – es ist sozusagen ein stimmiges Gesamtkonstrukt.

Ich könnte natürlich jeden einzelnen Aspekt noch herausheben und sagen, warum ich genau diesen besonders gut finde, aber schlussendlich ist es das Gesamtwerk, das schlicht funktioniert.

Also eigentlich genau so, wie man es sich wünscht.

Ja, aber das ist nicht selbstverständlich! Oft ist es einfach so, dass man am Ende irgendwelche Kompromisse eingehen muss. Dann ist man gezwungen, aus Zeit-, Geld- oder sonstigen Gründen etwas wegzulassen; oder man kann eine Sache nicht wie geplant umsetzen und lässt es dann sein.
Im Nachhinein wurmen solche Dinge einen dann auf ewig, weil man es sich ursprünglich anders vorgestellt hatte. Diesmal ist das nicht so, weil wir schlussendlich so viel Zeit hatten, dass wir eben auch jedes kleine Detail nochmal angehen und anpassen konnten.

War dann die Entstehung des Albums auch ein Prozess, der schon vor zehn Jahren angefangen hat? Wann waren die Songs fertig?

Es hat tatsächlich schon vor mehr als zehn Jahren angefangen. Auch bei „Lebensweisen“ (2013) war viel schiefgelaufen und die Platte kam deutlich später raus, als wir geplant hatten. Wir fingen deshalb bereits an, neue Songs und Texte zu schreiben, bevor das Album veröffentlicht wurde.

Ich glaube, ein bis zwei Stücke waren zumindest im Proberaum mehr oder weniger fertig, als „Lebensweisen“ dann erschienen ist. Die Songs sind von da an über all diese Zeit gewachsen und es ist tatsächlich so, dass wir diese zehn Jahre mehr oder minder komplett genutzt haben. Natürlich arbeitet man nicht zehn Jahre lang jeden Tag an den Songs und der Prozess war auch ein wenig zäher als geplant.

Aber manche Stücke sind eben doch schon so alt und im Endeffekt haben wir auch bis kurz vor knapp noch an ihnen gearbeitet: Die letzte Gastgesangsspur ist tatsächlich am letzten Tag noch eingetrudelt, als wir eigentlich nur noch für das Mastering im Studio waren. Wir haben dann in letzter Minute unseren Platzhalter-Gesang ausgetauscht. Dementsprechend ging der Prozess mit Lücken, die sich eben ergeben, wirklich über diese zehn Jahre.

“Bläser in der Pandemie einzuspielen war nicht unbedingt etwas, wozu dir geraten wurde.”
NEBELKRÄHE-Gitarrist Morg.
Wäre „ephemer“ denn auch früher erschienen, wäre die Pandemie nicht gewesen? Also hat euch das nochmal zurückgeworfen?

Ja, das war definitiv ebenfalls ein großer Faktor, wenn auch nicht der einzige. Als wir beispielsweise mit den Songs angefangen hatten, ging zunächst nichts so richtig zusammen und die Stimmung innerhalb der Band erstmal nach unten. Schlussendlich verlor unser Gitarrist [Euphorion – Anm. d. Verf.] ein bisschen die Lust, woraufhin wir wiederum zu spät schalteten.

Grundsätzlich muss man dazu sagen, dass es kein Problem ist, wenn jemand den Drive dafür nicht mehr hat. Aber wenn es sich dann über so lange Zeit hinzieht und den Zug rausnimmt, kostet es auch die ganze Band Zeit, schließlich muss man dann erst jemanden finden, der musikalisch und menschlich genau reinpasst. Das war also ein weiterer Faktor.

Als das erledigt war und die Songs fertig waren, gingen wir ins Studio, um die Schlagzeugaufnahmen zu machen – ich glaube, das war dann sogar in der letzten Woche, bevor alles zugemacht wurde. Wir hatten also die Schlagzeugspuren, aber der gesamte restliche Plan für die Albumaufnahmen war dahin, weil einfach nichts mehr ging: Unser Proberaum war zu, weil er in einem großen Komplex gelegen war, in den niemand mehr hineingehen durfte. Gemeinsame Aufnahmen waren nicht mehr möglich, weil man sich nicht mehr treffen konnte und sich noch dazu alle Regularien ständig geändert haben.

Die Gastgesänge und Gastinstrumente aufzunehmen war natürlich auch super schwierig: Bläser in der Pandemie einzuspielen war nicht unbedingt etwas, wozu dir geraten wurde. Noch dazu hatten die beteiligten Musiker:innen teilweise selbst kein Recording-Equipment oder Erfahrung damit, ihre Spuren selbst aufzunehmen. Dementsprechend lief während der Pandemie alles ganz anders als geplant, weil wir uns plötzlich selbst mit dem Thema ‚Home Recording‘ auseinandersetzen mussten. Außerdem ging es darum, die Zeiten effektiv zu nutzen, wenn es Bestimmungen und Fallzahlen gerade zuließen.

Schlussendlich waren wir nach der Pandemie zwar mit den Aufnahmen „fertig“, aber das Studio, in das wir eigentlich für Mix und Master gehen wollten, hatte in der Zwischenzeit zugemacht. Wir standen also erstmal ratlos da, weil wir das selbst erst sehr spät erfahren haben. Am Ende entschieden wir uns für ein Upgrade, indem wir zu Victor Bullock (DARK FORTRESS, TRIPTYKON) ins Woodshed Studio gehen. Aber so jemand hat natürlich nicht gleich morgen Zeit, sondern eine Vorlaufzeit von rund einem Jahr. Wir warteten also nochmal zwölf Monate und betrieben in dieser Zeit viel Feinarbeit.

Anschließend kam noch die Labelsuche und dann kostete es nochmal Zeit, bis die physischen Produkte fertig waren. Es ist also schon immer etwas passiert, aber es wäre definitiv ohne die Pandemie schneller gewesen. Vielleicht nicht besser, aber auf jeden Fall schneller. (lacht)

Gelohnt hat es sich ja glücklicherweise: Das Resultat klingt trotz der Rückschläge richtig gut und so gar nicht nach billigem DIY-Garagensound. Inwiefern konnte denn Victor Bullock durch seinen Mix und das Mastering der Musik noch den einen oder anderen Impuls entlocken?

Was Noten angeht, hatte er natürlich keinen Einfluss mehr, da die Spuren zu dem Zeitpunkt bereits fertig waren. Aber trotzdem war es bei ihm im Studio eine wahnsinnig lehrreiche und produktive Zeit, weil er einfach ein extremes Gespür für diese Art von Musik hat.

Es war wirklich faszinierend: Er wollte unsere Pre-Mixe, die wir für einen ungefähren Eindruck angefertigt haben, gar nicht hören, sondern fing stattdessen mit den komplett nackten DI-Spuren an und erarbeitete sich die Songs quasi selbst. Anstatt ihm zu erklären, wie die Songs klingen sollten, „baute“ er sich die Stücke nach seinen Vorstellungen erstmal selbst zusammen, was am Ende enorm gut zu dem gepasst hat, was wir selbst im Kopf hatten.

Beeindruckend war, mit wie viel Gefühl er an die Sache heranging und welche Ideen er hatte, um gewisse Dinge soundmäßig zu lösen. Das hob das Album sicher nochmal auf ein ganz anderes Level und ich würde es auf jeden Fall wieder machen.

Er hat schon großen Anteil daran, wie „ephemer“ letzten Endes klingt und dass jede einzelne Idee so gut herauskommt. Denn ich denke, dass das bei uns schon ein wenig schwieriger ist als bei der gemeinen 08/15-Black-Metal-Band, wo du nur die Standardbesetzung hast. Wenn man aber zusätzlich noch mit einem sechsköpfigen Bläsersatz oder einer Mundharmonika arbeitet, muss man diese im Sound auch sinnvoll und organisch unterbringen, so dass es am Ende in sich stimmig ist. Dafür hat Victor ein wahnsinniges Gespür und ich größten Respekt für seine Arbeit.

“Ich fand diese Erkenntnis faszinierend, dass eine solche Grenze plötzlich da sein kann oder eben auch nicht, wenn sie niemand proklamiert.”

Genau dieses Gespür hilft letzten Endes auch, die Texte von „ephemer“ in Szene zu setzen. Die zweite Single „Nielandsmann“ zeichnet etwa Bilder eines recht erbarmungslosen Schlachtfelds, auf dem es keine Gewinner gibt. Besonders spannend, finde ich, wie sich die Auffassung des Heimatbegriffs im Verlauf wandelt: Was erst als Grund für den Kampf herangezogen wird („Weh dem, der keine Heimat hat), wird zu Sorge („Weh dem, der jetzt noch Heimat hat“) und schließlich einer fast schon zynischen Haltung („Wohl dem, der keine Heimat hat“). Spricht hier nur die Frustration über Krieg an sich oder steckt da noch mehr dahinter?

„Nielandsmann“ ist ganz klar als Anti-Kriegs-Song zu werten und in keiner Weise als Kriegsverherrlichung zu verstehen – das möchte ich zunächst vorwegnehmen. Wir wollen mit der Thematik über den Ersten Weltkrieg auch nicht auf einer Trend-Welle mitschwimmen. Tatsächlich ist „Nielandsmann“ einer der ersten Songs, die für „ephemer“ entstanden sind: Den Text habe ich ca. 2015 im Zuge der Flüchtlingskrise geschrieben.

Dementsprechend siehst du das ganz richtig, dass es vielmehr darum geht, diesen Heimat- bzw. Grenzbegriff aufzulösen und sich Gedanken zu machen, was er eigentlich bedeutet. Das Kriegsgeschehen an sich ist eher als die Rahmenhandlung zu verstehen, an der das Ganze aufgehängt ist.

Ich wohnte damals an der deutschen Grenze zu Österreich und arbeitete auch dort. Als ich gerade drüben war, wurden die Übergänge geschlossen, wodurch ich ungefähr zweieinhalb Stunden nach Hause laufen musste, weil die Züge nicht mehr fuhren. Für mich war das ein extrem beeindruckendes Erlebnis, weil wir alle damit groß geworden waren, dass Europa immer mehr zusammenwächst und Grenzen irrelevant werden.

Aber in diesem Moment war auf einmal eine solche Grenze da, die vorher niemand auf dem Schirm hatte. Bis dahin fuhr der Zug über die Brücke und das war’s – und plötzlich eben nicht mehr. Ich fand diese Erkenntnis faszinierend, dass eine solche Grenze plötzlich da sein kann oder eben auch nicht, wenn sie niemand proklamiert: An sich existiert sie ja erstmal nicht, sondern irgendjemand muss die Grenze ausrufen.

Das ist, was auch in diesem Text passiert: Vorher ist ihm [das lyrische Ich – Anm. d. Verf.] völlig klar, zu welcher Seite er gehört und dass er für sie kämpft. Aber dann verirrt er sich in diesem Niemandsland zwischen den Fronten und realisiert, dass es diese Grenze eigentlich nur in den Köpfen gibt. Er stellt sich schließlich die Frage nach dem Sinn seiner gegenwärtigen Situation.

„Nielandsmann“ ist deshalb ganz klar ein antipatriotischer Song, der zwar nicht aus der Frustration über irgendwelche Kriege geprägt ist, weil das damals ein weniger aktuelles Thema war als heute. Aber allein die Tatsache, dass er für mich heute aktueller denn je ist, spricht sehr dafür, dass diese Thematik auch nicht alt wird. Ich hätte mir eigentlich gewünscht, dass der Song bei Erscheinen weniger aktuell ist als damals und jetzt ist es genau umgekehrt – auf einem noch viel zynischeren Level. Aber man kann es sich ja nicht aussuchen. Ich bin trotzdem froh, dass es den Song gibt und dass er zu alldem, was gerade passiert, ein Statement ist.

Klar, das kann ich verstehen. Du hast erwähnt, dass „Nielandsmann“ auch ein Versuch ist, den Heimatbegriff aufzubrechen. Was macht denn für dich persönlich Heimat aus?

Wahnsinnig wenig von dem, was man allgemein darunter versteht. Ich empfinde „Heimat“ ohnehin als schwierigen Begriff, weil er eben mit so viel aufgeladen ist, womit ich gar nichts anfangen kann.

Stimmt, vor allem in Deutschland.

Ja, aber nicht nur hier, sondern überall. Ich will das auch gar nicht verteufeln: Es ist ja schön, wenn man sich irgendwo zuhause fühlt. „Zuhause“ ist überhaupt ein sehr schönes Wort, weil da eine gewisse Wohligkeit mitschwingt.

Aber bei „Heimat“ gibt es für mich persönlich diesen Subtext, dass meine Heimat nicht gleich deine Heimat ist. Zuhause können dagegen alle Menschen sein – am gleichen Ort oder anderswo. Es ist für mich viel wichtiger, dass man sich irgendwo wohlfühlt. Ein Zuhause kann ja auch selbstgewählt sein, während man unter Heimat immer die Herkunft, also wo man geboren ist, versteht. Damit kann ich gar nichts anfangen.

Ich finde, dass du das sehr schön auf den Punkt gebracht hast, gerade den Punkt mit „zuhause sein“ kann ich sehr gut nachvollziehen. Das spiegelt sich meiner Meinung nach auch in den letzten Zeilen „gleiche Erde – falscher Graben“ wider.

Auf jeden Fall! Schlussendlich hat nicht der Wald den Unterschied gemacht, sondern derjenige, der den Graben ausgehoben hat. Eigentlich müsste das alles nicht sein.

“[…] Dinge aus der Hand zu geben und dann damit leben zu müssen, [ist] für mich als Kontrollfreak und Perfektionist enorm schwierig.”
NEBELKRÄHE-Sänger umbrA
„Nielandsmann“ hat mit Noise (KANONENFIEBER) auch ein Feature. Es ist nicht der einzige Song mit Gastgesang: In „Dornbusch (Im Norden kein Westen)“ ist sG (ex-SECRETS OF THE MOON) zu hören. Was verleitet euch konkret dazu zu sagen, dass einem Song ein Gastauftritt guttun würde? Pures Bauchgefühl oder geht man schon mit Hintergedanken ans Songwriting?

Beim Songwriting ist das vielleicht weniger der Fall als beim Texteschreiben. In beiden Fällen ist es eher durchs Storytelling bedingt und natürlich, dass es in atmosphärischer Hinsicht funktioniert. Wie vorher schon angedeutet, gab es von beiden Songs eine „Backup-Version“, bei der unser Sänger Umbra alles alleine gesungen hat. Diese Versionen waren beileibe nicht schlecht und hätten wir durchaus verwenden können!

Aber ich mag das Konzept von Gastbeiträgen auch in kreativer Hinsicht, um zu sehen, was jemand aus dem Material macht, der selbst überhaupt nicht in den Entstehungsprozess involviert war. Dazu gehört auch, Dinge aus der Hand zu geben und dann damit leben zu müssen, was für mich als Kontrollfreak und Perfektionist enorm schwierig ist. Man kann ja dann auch nicht solchen Gästen, die sich dafür bereiterklärt haben, am Ende sagen, dass es zwar ganz nett sei, sie es aber komplett anders machen sollen.

Dementsprechend ist es also auch ein kleines Wagnis, die Kontrolle teilweise abzugeben. Dafür kommt im Gegenzug etwas Cooles heraus, wie etwa im Fall von Noise, der den geflüsterten Part über den Clean-Teil beigesteuert hat. Das war eigentlich nicht vorgesehen, aber er schickte uns die Spuren mit dem Vermerk, dass er auf einer der Dateien noch etwas ausprobiert habe. Ich hatte beim Anhören dann richtig Gänsehaut, weil das eine Lücke gefüllt hat, von der ich vorher nicht einmal wusste, dass sie existiert.

Derlei Dinge ergeben sich eben nur, wenn du mit Menschen zusammenarbeitest. Das ist das Schöne daran, genau wie beim dritten „prominenten“ Gastbeitrag von Markus Stock (EMPYRIUM), der das Hackbrett in „Kranichträume“ spielt. Ursprünglich hatten wir für das Stück ein Vibraphon als Begleitung geplant, aber dann niemanden gefunden, der dieses Instrument beherrscht.

Wir mussten also umdisponieren. Ich hatte dann das großartige Album von GRÀB [„Zeitlang“ – Anm. d. Verf.] im Hinterkopf, wo er eben auch schon das Hackbrett gespielt hatte. Ich fragte ihn also und am Ende machte er sogar viel mehr, als ich gedacht hatte. Er baute zusätzlich noch eine komplette Melodie mit ein, was dem Song eine schöne weitere Ebene gibt und die ich selbst so nie im Kopf hatte. Das Resultat ist ganz anders als gedacht, aber es funktioniert. Daran wächst dann auch ein Album.

Denke ich auch und es ist ja zudem so, dass gerade die für den Black Metal eher untypischen Instrumente bei euch eine wichtige Rolle spielen. Das Hackbrett und die Blechbläser hast du schon erwähnt, auch Cello und Mundharmonika sind zu hören. Wie entscheidet ihr, welcher Song ein zusätzliches Instrument braucht und vor allem welches? Ist vorwiegend die Atmosphäre entscheidend?

Dafür gibt es kein allgemeingültiges Rezept, nach dem wir vorgehen. Manchmal entsteht der Gedanke schon beim initialen Songwriting: Man hat etwa eine coole Melodie, die aber nicht für jedes Instrument geeignet ist. Gerade, da wir auf dem letzten Album schon mit Cello gearbeitet hatten, hatten wir das für entsprechende Passagen ohnehin ein wenig im Hinterkopf. Auch das Klavier denken wir sowieso immer als Option mit, weil unser Sänger es spielt.

Manchmal ergibt es sich aber auch spontan wie im Fall des Hackbretts oder wenn im Verlauf der Songentwicklung der Text in eine Richtung geht, in der es sich atmosphärisch anbietet. Bei „Dornbusch“ mit seinem maritimen Thema beispielsweise bot sich die Ziehharmonika an, welche die Atmosphäre weiter untermauert.

Ich finde aber wichtig, dass man so etwas von Anfang an mitdenkt und nicht etwa erst ein Album schreibt und dann auf irgendwelche Sounddatenbanken zurückgreift, weil man im Nachhinein noch den Entschluss fasst, es solle orchestral klingen. Auf „ephemer“ sind alle Instrumente tatsächlich von Menschen eingespielt. Mir ist es wichtig, dass solche Instrumente am Ende auch echt sind.

Es war also noch nicht der Fall, dass man direkt vom Instrument her denkt? Also beispielsweise die Mundharmonika als Ausgangspunkt nimmt, weil man die Klangfarbe gerne auf dem Album hätte.

(überlegt) Ich denke gerade darüber nach, aber ich denke nicht. Es wäre auch schwierig, weil man dann den ganzen Song so schreiben müsste, dass in diesem Fall eine Mundharmonika genau reinpasst. Vielleicht würde sich dann sogar ergeben, dass ein anderes Instrument an der Stelle viel geiler wäre, man sich aber vorab zu sehr auf die Mundharmonika eingeschossen hat.

Ich glaube, man darf sich nicht zu früh und nicht zu starr festlegen, sondern muss die Atmosphäre im Kopf behalten und sich überlegen, wo der Song hingehen soll. Was will man am Ende damit ausdrücken? Von da an ist es ein Herantasten, mit welchem Instrument man das am besten einfangen kann.

Zusätzlich ist es immer auch eine Frage, was man realisieren kann: Ob man jemanden auftreiben kann, der dieses Instrument spielt. Es war beispielsweise auch nicht so ganz einfach, die Bläser für „ephemer“ zusammenzubekommen. Es kostete mich tatsächlich sogar das eine oder andere graue Haar. Wir arbeiteten nämlich erst mit anderen Musiker:innen aus einer Art Orchester, aber sie konnten unsere Vision einfach nicht umsetzen. Das waren beileibe keine schlechten Musiker, verstanden aber einfach das Konzept nicht. Ich war sogar zwischenzeitlich kurz davor alles hinzuschmeißen.

Schlussendlich kamen wir durch Glück und Kontakte an die jetzigen Jungs, die völlig bereit waren, sich auf den Song einzulassen, obwohl sie eigentlich in anderen Genres unterwegs sind. Sie verstanden, dass man die Musik trotzdem ernstnehmen muss, um sie umsetzen zu können. Das war dann arbeiten auf einem ganz anderen Level.

“[…] die Texte [sind] bei uns weit mehr als bloße Grundlage dafür, dass jemand schreien kann.”
Ex-NEBELKRÄHE-Bassist Kar steuerte auch Texte für “ephemer” bei.
Das Ergebnis spricht dann auch für sich. Du hast „Kranichträume“ bereits erwähnt. Beim Lesen des Textes habe ich mir gedacht, dass er auch alleine für sich als Gedicht stehen könnte. Ist es bei euch auch mal so, dass der Text sogar vor der Musik kommt?

(überlegt) Auch da muss ich kurz nachdenken, weil es zum Teil schon so lange zurückliegt und ich dir keinen Quatsch erzählen will. Ich würde sagen ja und nein. Einige Texte sind von mir und die anderen von unserem ehemaligen Bassisten [Kar – Anm. d. Verf.].

Oft sind die Texte schon für sich genommen entstanden. Man hat zunächst ein Thema, über das man schreibt, bis zu einem gewissen Zeitpunkt dann die Musik dazukommt. Das kann auch ganz früh sein, wenn man beispielsweise nur ein paar Riffs hat. Manchmal ist auch beides individuell entstanden: Man hat einen fertigen Text und einen eigentlich fertig geschriebenen Song. Um das unter einen Hut zu kriegen, muss man dann natürlich beides nochmal angehen. Teilweise sind natürlich auch Texte auf die Musik geschrieben.

Schlussendlich haben wir auch hier kein festgelegtes Konzept. Jeder Ansatz hat seinen Reiz. Du hast ja schon festgestellt, dass die Texte bei uns weit mehr sind als bloße Grundlage dafür, dass jemand schreien kann. Deshalb darf man sich meiner Meinung nach nicht allzu sehr limitieren: Wenn der Text noch eine Strophe braucht, muss man überlegen, ob der Song nicht noch länger werden kann.
Es muss nicht immer nur ein starres Songkonzept sein, in das der Text gezwängt wird.

Dementsprechend haben wir alles davon ausprobiert und gemacht. Die Vorgehensweise hängt immer vom jeweiligen Thema, Text und was du musikalisch aussagen willst ab.

Ich finde es interessant, dass ihr da recht offen an die Sache herangeht, weil es ja auch einige Bands gibt, wo die Musik immer zuerst steht und der Text erst im Anschluss geschrieben wird.

Ja, das ist sicherlich der „Standard“. Du schreibst deine Songs und dann bekommt sie der Sänger, der irgendetwas darauf texten soll. Wenn du das wirklich so – ich möchte fast sagen – plump machst, verschenkst du die Möglichkeit, dass du musikalisch auf den Text eingehst. Du kannst dann immer nur in eine Richtung denken: Jetzt kommt ein ruhiger Part, also muss die Stimmung im Text dazu passen. Aber manchmal hast du eine viel bessere Dramaturgie im Text selbst, wo du dann weißt, dass es eigentlich rabiat werden müsste. Also warum nicht den Song so schreiben, dass an dieser Stelle der Einsatz knallt?

Das steht bei uns immer ganz oben, egal in welcher Reihenfolge wir etwas schreiben: Der Song muss an jeder Stelle die Atmosphäre vermitteln, die der Text zu diesem Zeitpunkt hat. Wenn der Text gerade aggressiv ist, muss der Song auch ballern. Wenn er aber getragen, pathetisch oder traurig ist, muss sich das auch in der Musik wiederfinden. Alles andere ist Unsinn. In welcher Reihenfolge man das beim Songschreiben erreicht, ist schlussendlich egal. Ich denke aber, dass es einfacher ist, wenn man in beide Richtungen offen ist.

Das kann man meiner Meinung nach auf „ephemer“ auch deutlich hören. Zu „Kranichträume“ habt ihr auf den Färöer-Inseln auch ein Video gedreht (Link zu YouTube), was zumindest mir auch ein paar nostalgische Erinnerungen entlocken konnte, da ich dort auch schon im Urlaub war. War es eher eine spontane Entscheidung, dort ein bisschen Filmmaterial für ein potenzielles Musikvideo zu drehen oder war das von vornherein das Ziel?

Natürlich nimmt man das Bühnenoutfit nicht spontan in den Urlaub mit. Wir hatten die Idee schon im Hinterkopf, aber es war letztendlich ziemlich ungerichtet. Wenn man schon mal dort ist und einen Song hat, wozu die Bilder passen würden, dann überlegt man schon, was man daraus machen kann. Aber es ist weit weg von jeder Professionalität und ein ganz anderes Level als das Video zur zweiten Single „Nielandsmann“ (Link zu YouTube). Ich denke aber, dass es nichtsdestoweniger die Stimmung des Songs gut einfängt.

Grundsätzlich geht es in dem Video mehr um die Atmosphäre als um Storytelling. Es ist nicht mit dem allergrößten Aufwand und zudem mit wenig Erfahrung gedreht, was man sicherlich auch sieht.

Ich finde gar nicht, dass man sich dafür rechtfertigen muss! Es ist ein schöner, atmosphärischer Clip, der zum Song passt. Die Färöer eignen sich dafür auch perfekt.

Ja, auf jeden Fall!

Hast du denn auch irgendwelche Tipps, was man dort unbedingt gesehen oder gemacht haben muss?

Einfach mit offenen Augen herumfahren, weil es dort eigentlich immer in irgendeiner Weise spektakulär und schön ist – nicht nur bei den Touri-Spots. Wobei die kleine Insel Mykines mit der Papageientaucherkolonie ein ganz besonderes Erlebnis war. Das kann ich jedem nur empfehlen, der sich ein wenig für Natur…oder Seevögel interessiert. (beide lachen)

“Dieses Foto riss mich atmosphärisch […] so mit, dass mir sofort klar war, dass es das perfekte Cover für ‘ephemer’ sein würde.”
“ephemer”-Cover – Fotografie von Josef Beyer.
Da kann ich nur zustimmen, ein sehr schöner Fleck! Wir haben es vorher schon gehört: Gerade die Ästhetik scheint überhaupt eine wichtige Rolle für die Band zu spielen. Dezent gehaltenes Corpsepaint, überlegte Outfits, die zwischen Nostalgie und Tradition sitzen, und nicht zuletzt die immer wiederkehrenden Seifenblasen als Sinnbild für „ephemer“. Wie wichtig ist das richtige Auftreten für NEBELKRÄHE?

Im Endeffekt hast du es schon selbst beantwortet: Es ist definitiv extrem wichtig und meiner Meinung nach nicht nur für uns. Eigentlich verschenkt jede Band Potenzial, wenn sie das nicht tut.
Ich meine damit nicht, dass man das immer auf einem Showlevel betreiben muss oder perfekt bis ins letzte Detail ausstaffiert sein muss – obwohl das auch schön sein kann. Ich finde, man sollte aber immer über das große Ganze nachdenken, zumindest wenn man atmosphärische Musik macht.
Klar, als Thrash oder Death Metal-Band gehst du in Jeans und dem Bandshirt, das du gerade trägst, auf die Bühne und rockst. Das ist auch cool und vollkommen okay! Trotzdem gibt es meiner Meinung nach auch in dem Bereich Bands, wo es mit dem entsprechenden Auftreten noch einmal einen Zacken cooler wäre – gerade, wenn die Formation ein gewisses Konzept hat, das man auf diese Weise auch optisch zum Ausdruck bringen könnte.

Gerade im Black Metal kommt es häufig vor, dass sich Bands Gedanken darüber machen. Das kann man dann teils übertrieben finden oder genau richtig – wie weit das gehen soll, ist immer eine persönliche Entscheidung. Dass sich eine Band überhaupt sichtbar Gedanken darüber gemacht hat, finde ich aber enorm wichtig.

Im Kontext dieses Albums war mir wichtig, dass alles zusammenpasst. Dass eben die Seifenblasen, die du schon angesprochen hast, nicht nur im Cover vorkommen, wo die Idee tatsächlich herkommt. Das Foto war quasi die Inspiration. Wir wollten das Motiv dann auch auf den Bandfotos und im Layout inklusive Vinylfarbe wiederfinden. Nur auf diese Weise bekommt man ein allumfassendes Konzept auf allen Ebenen ausgedrückt.

Dann hat euch also die Fotografie zur Idee mit den Seifenblasen geführt. Ich habe mich schon gefragt, was zuerst da war: die Seifenblasen als Sinnbild oder eben das Foto.

Die Fotografie war ein „Zufallsfund“ sozusagen. Der Fotograf ist ein guter Freund von mir und dieses Bild tauchte eines Tages in meiner Facebook-Timeline auf. Ich weiß gar nicht mehr, ob es eine oder zwei Minuten dauerte, bis ich ihn anschrieb und ihn fragte, ob er mir dieses Foto reservieren kann. (lacht)

Das ist auch schon viele, viele Jahre her und er stellte das Ganze trotzdem nie in Frage. Das hat mich sehr gefreut, weil die beiden Fotos – auf der Rückseite ist ein weiteres zu sehen – sicherlich auch anderweitig hätten Verwendung finden können. Dieses Foto riss mich atmosphärisch in dieser Sekunde so mit, dass mir sofort klar war, dass es das perfekte Cover für „ephemer“ sein würde. Dabei existierte das Album zu diesem Zeitpunkt noch gar nicht in vollem Umfang.

Darüber hinaus hat uns die Aufnahme auch wahnsinnig inspiriert: Der Text des Titelstücks dreht sich um dieses Bild und drückt ein Szenario aus, das dieses Motiv für mich abbilden könnte. Es ist bestimmt nicht das, was wirklich passiert ist – das war sicherlich ein lustiger Nachmittag in Portugal. Aber wenn man ein wenig an den Farben spielt, kann es auch ganz andere Gefühle wecken. Man sieht dort diese Vergänglichkeit des Moments. Die Grenzen, welche Emotionen das Bild transportiert, sind hier fließend. Das fand ich wahnsinnig faszinierend.

Darüber hat dann alles andere zueinandergefunden. Die exakte Reihenfolge, in der alles an seinen Platz fiel, kann ich zwar nicht mehr rekonstruieren, aber als das Bild da war, merkten wir, dass die Texte ebenfalls alle in eine ähnliche Richtung gingen. Durch ein Brainstorming kamen wir dann zum Albumtitel, es folgte der Text zum Titelstück und auf diese Weise hat sich im Entstehungsprozess alles miteinander verzahnt.

Für mich ist das spannend zu hören, wie sich dann doch alles Stück für Stück ineinanderfügt. Es zeigt auch, wie viele Gedanken ihr euch darüber macht. Du hast vorhin auch erwähnt, dass du in mancher Hinsicht ein „Kontrollfreak“ und „Perfektionist“ bist. Wie viel Zeit geht denn für die letzten zehn Prozent drauf, damit ihr zufrieden seid?

(lacht) Das geht ja schon vor den letzten zehn Prozent los! (beide lachen) Es gibt ja Menschen, die in zwei Wochen ein Album schreiben und dann zufrieden sind – oder eben im festen Zwei-Jahres-Rhythmus. Ich würde das nervlich gar nicht durchstehen, weil ich teilweise über Tage oder Wochen an einzelnen Takten hänge und massiv frustriert bin, weil etwa der Übergang nicht funktioniert oder die Atmosphäre noch nicht dem entspricht, was ich mir vorgestellt habe.

Für mich ist Songwriting teilweise ein extrem zehrender Trial-and-Error-Prozess, bei dem ich lange dasitze und Noten durch die Gegend schiebe – sei es mit Gitarre in der Hand oder am Rechner. Das geht dann so lange, bis das Ergebnis exakt passt – nur weiß ich oft vorher nicht, was am Ende genau dastehen soll. Es endet dann oft in einem munteren Ratespiel und Rumprobieren. Songwriting ist nichts, was ich mal eben nebenher mache oder was schnell gehen muss. Dementsprechend sind bereits die ersten 90% enorm viel Arbeit.

Und dann kommen erst diese berüchtigten letzten Prozent, die im Verhältnis natürlich nochmal mehr ausmachen. Das gilt für alles, nicht nur fürs Songwriting: Im Homerecording ohne Supervisor aufzunehmen bedeutet auch, dass du selbst entscheiden musst, wann ein Song fertig ist. Das ist eine Herausforderung, wenn du so akribisch arbeitest, wie ich es tue (lacht). Meine Frau ist zwischendrin fast verrückt geworden, weil ich an manchen Parts Abende lang gesessen bin und teilweise einzelne Tönen feinjustiert habe.

Den Punkt zu finden, an dem man es gut sein lässt, ist also gar nicht so einfach, gerade wenn du niemanden in der Rolle hast, der dir dann einen Riegel vorschiebt. Dann kommen noch die ganzen Zusatzspielereien, die man möglicherweise noch dazu packen könnte. Im Studio beim Sound ist es dann das Gleiche. Die zehn Jahre Entstehungszeit kommen schon auch nicht von ungefähr. (beide lachen)

Es steckt definitiv in allem viel Arbeit. Was glaubst du, wie oft bei den Texten einzelne Wörter herumgeschoben wurden, nur um am nächsten Tag wieder alles rückgängig zu machen?

Ich glaube aber, das Resultat ist es dann auch wert. Manchmal denke ich mir, wenn mehr Bands auf diese Weise arbeiten würden, hätten wir vielleicht insgesamt weniger, aber dafür bessere Musik. Ohne natürlich irgendwem etwas unterstellen zu wollen, kommt es mir so vor, als ob manche professionelle Band oft aus finanziellen Zwängen einfach regelmäßig ein Album veröffentlicht, obwohl es das vielleicht gar nicht gebraucht hätte.

“Ich würde dieses Album wirklich sehr gerne live präsentieren […]”
NEBELKRÄHE live: Gitarrist Morg und Sänger umbrA (v.r.n.l.) – Foto: Afra Gethöffer-Grütz
Oder eben einfach nur aus Gründen der geistigen Gesundheit, was ich gerade so höre (beide lachen). Aber jetzt wo alles fertig ist, fühlt es sich ja sicher befreiend an und das neue Material will natürlich auch live gespielt werden. Ihr habt am 29. Dezember 2023 im Backstage in München ein Release-Konzert geplant. Darf man etwas Besonderes erwarten? Wird man bei dem Anlass beispielsweise auch das eine oder andere zusätzliche Instrument live hören können? DISILLUSION machen das ja beispielsweise manchmal mit Cello und Horn.

Allein, dass es unsere erste Show seit sechs Jahren ist, dürfte spannend genug sein (lacht). Genau aus diesem Grund halten wir es basal. Wir haben ein über einstündiges Set einstudiert und mit zusätzlichen Gästen wäre das schlicht zu aufwändig und komplex.

In der Vergangenheit haben wir tatsächlich schon mal live mit Cello oder zusätzlichem weiblichen Gesang gearbeitet, aber diese „unbekannte Komponente“ bedeutet zugleich immer noch ein zusätzliches Stresslevel. Ehrlich gesagt will ich im Rahmen dieser Show auch niemanden auf der Bühne haben, der nicht zur Band gehört.

Schlussendlich sind alle Songs so geschrieben, dass sie auch ohne diese Elemente funktionieren. Einzig bei „Nielandsmann“ werden wir aller Voraussicht nach mit einem Backing Track arbeiten, weil die Bläser für den Song wichtig sind. Im Großen und Ganzen finde ich es aber total dämlich, wenn du jeden Song nur mit Click spielen kannst, weil irgendwo noch eine Fanfare kommt, die genau an dieser einen Stelle sein muss. Dementsprechend achten wir beim Songwriting bereits darauf, dass man die Stücke zu fünft live umsetzen kann.

Alles andere ist die Spielerei fürs Album und hat live nicht notwendigerweise etwas verloren. Weder durch zusätzliche Instrumentierung auf der Bühne, weil das oft nicht so cool wird, wie man es sich im Kopf ausgemalt hat, noch mit überflüssig vielen Backing Tracks. Das hat dann mit Metal auch nicht mehr viel zu tun.

…und am Ende kannst du nicht auftreten, weil der Laptop nicht funktioniert.

Genau sowas, ja! Oder die Pausen zwischen den Songs sind fest durchgetaktet, weil du einen einzigen Track laufen lässt – das habe ich auch neulich gesehen.

Aber du hast schon Recht: Warum sich nicht erstmal langsam wieder reintasten. Sind denn für 2024 noch mehr Konzerte in Aussicht?

Ich wünschte, es wäre so. (lacht) Ich weiß nicht, ob es mir nur so vorkommt, aber gefühlt ist es wahnsinnig viel schwieriger geworden, an Konzerte zu kommen. Seit der Pandemie ist, wie wir wissen, alles teurer geworden: Produktionskosten, Hallenmieten usw.

Viele Shows selbst veranstalten kommt auf unserem Level somit aktuell nicht in Frage, da wir nicht jeden Abend das Risiko eingehen können, vierstellige Beträge zu investieren und dann auf Zuschauer:innen zu hoffen. Du siehst nach wie vor bei Underground- und mittelgroßen Bands, dass Shows aufgrund schwacher Vorverkaufszahlen abgesagt werden. Solange man sich nicht auf vernünftige Zahlen im Vorverkauf verlassen kann, kann man solche Dinge einfach nicht durchziehen.
Alles, was über Selbstveranstalten hinausgeht, ist – so blöd es klingt – ein großer „Konkurrenzkampf“, weil das Angebot nicht da ist. Gefühlt sind gerade diese kleineren Events am Abend weggebrochen. Es gibt nach wie vor die großen Festivals und die mehrtägigen Indoor-Festivals, aber dafür braucht man einen gewissen Bekanntheitsgrad. Nach zehn Jahren seit dem letzten Album fangen wir aber wieder bei null an – da brauchen wir gar nicht diskutieren.

Was verschwunden ist, sind die Leute, die einfach aus persönlichem Antrieb oder Lust an der Sache Shows veranstalten, indem sie drei bis vier Bands buchen, die sie selbst gut finden. Viele unserer Konzerte in der Vergangenheit basierten auf diesem Konzept und scheinbar gibt es das aktuell nicht mehr. Ob das an den Clubs selbst liegt oder dass diese Leute ihrerseits das finanzielle Risko nicht mehr eingehen können, kann ich nicht sagen. Es ist jedenfalls wahnsinnig schwierig geworden.

Deshalb haben wir außer dieser einen Show aktuell nichts in Aussicht. Wer uns live sehen will, muss also entweder im Dezember nach München kommen oder jemanden dazu bewegen, uns zu buchen. Wir sind für alles zu haben! (lacht) Ich würde dieses Album wirklich sehr gerne live präsentieren, auch weil man die Leute auf diese Weise direkt erreicht und mit ihnen sprechen kann. Ich schätze das auch sehr! Ich selbst bin aber leider einfach keine Booking Agentur und habe nicht die Zeit, mich um all die Organisation selbst zu kümmern. Das ist traurig, aber wahr.

“Hinter dem Ganzen steckt auch im Underground und gerade für kleine Bands enorm viel Kohle.”
NEBELKRÄHE live: Gitarrist Morg – Foto: Afra Gethöffer-Grütz
…und auch absolut verständlich! Drücken wir mal die Daumen, dass sich mit dem Album-Release auch in der Hinsicht was tut. Wir haben es fast geschafft, es gibt nur eine Frage, die ich noch stellen muss, damit mir die Redaktion nicht den Kopf abreißt: Was ist dein Lieblingsdinosaurier?

(lacht) Als Vertreter von NEBELKRÄHE muss ich da ja eigentlich schon den Archaeopteryx nennen: Einfach mal Federn erfinden, wie cool ist das denn?

(lacht) Also selbst hier bleibst du dem Bandkonzept treu! Morg, vielen Dank für deine Zeit und die ausführlichen Antworten. Wie immer gehören die letzten Worte natürlich dir!

Ich habe das schon mehrfach so gehandhabt und werde auch diesmal wieder einen flammenden Appell für den Underground halten. Es ist ungemein wichtig, dass die Leute auch auf kleine Shows gehen oder ab und zu mal eine CD, Vinyl oder ein Shirt kaufen. Selbst wenn man sonst nur streamt: Macht das bei IRON MAIDEN oder METALLICA, aber wenn man weiter kleine Bands sehen will, muss man ihnen auch Geld zukommen lassen.

Hinter dem Ganzen steckt auch im Underground und gerade für kleine Bands enorm viel Kohle. Wenn aber gar nichts zurückkommt, überlegt man es sich am Ende doch zweimal. Das ist jetzt nicht rein auf uns bezogen, sondern es wäre generell schade, wenn wir zu einem Punkt kämen, an dem nur noch irgendwelche rich kids mit reichen Eltern Metal machen könnten, indem sie sich in Shows einkaufen und mit teuren Produzenten zusammenarbeiten.

Es geht gar nicht darum, jede Menge Kohle zu verdienen, sondern zumindest einen Bruchteil der Investition zurückzubekommen, um sie in das nächste Projekt zu stecken. Über Streaming kommt eben nichts bei den Künstlern an.

So sehr ich es eigentlich hasse, am Ende über Geld zu reden, ist es mir einfach ein Anliegen, dass die Leute darüber nachdenken. Alles kostet viel Geld: In Vinyl, CDs und auch der Musik an sich stecken tausende Euro. Wenn wir wollen, dass es irgendwann auch weiterhin große Bands gibt, müssen wir auch die kleinen supporten, weil die Großen auch alle mal klein waren. Das klingt total platt, ist aber einfach so.

Wenn am Ende kein Geld zurückfließt, wird ganz viel wegbrechen, da alles teurer wird: die Proberäume, das Equipment, die Produktion, Gigs. Es wäre extrem schade, wenn das alles nicht mehr existieren würde. Und dann wäre es zu spät.

Source: Vampster

Interview with Kurten Keys (guitar), Lvx Noire (keyboards), Miriam (vocals), Jack (drums) and Ira (bass) from Noktva NOKTVA is a Gothic Rock / Post-Punk / Darkwave band based in Italy. They are a truly unique project, standing out both musically and visually. During their concerts, they transcend artistic and emotional boundaries, delivering intense and emotionally charged sonic spectacles. Let’s delve into their concerts, inspirations, art, and their upcoming new songs.

Source: Reflections of Darkness

Mit ihrem neuen Album „R.O.T.T. (inmyskin)“ legt das Darkwave-Duo Bestial Mouths sein neues Album vor. Bestial Mouths um Sängerin und Performancekünstlerin Lynette Cerezo nutzen Darkwave als Basis, um ihn mit Zitaten aus EBM, Techno und Metal zu verzieren. Lynette klingelt für unsere Winterausgabe aus dem sonnigen Kalifornien durch. Bestial Mouths in Amerika live erleben:02. November […]

Source: Orkus

Vor drei Jahren veröffentlichte Myrkur „Folkesange“, auf dem sich die zierliche Dänin ganz der traditionellen skandinavischen Musik verschrieb. Mit „Spine“ kehrt Amalie Bruun nun ein Stück weit zu ihren harten Wurzeln zurück, integriert aber auch neuartige Facetten in ihren Sound. Mehr erfährst Du in unserer Winterausgabe, die am 17. November erscheint. Myrkur kannst Du 2024 […]

Source: Orkus

Die Symphonic Death Metal-Band GODS OF GAIA hat mit “Bow to Me” ein Lyric-Video von ihrem Album “As Daylight Dies” veröffentlicht. Ursprünglich im Juni 2023 erschienen, hat das Debütalbum der internationalen und anonymen Band am 13. Oktober 2023 via Wormholedeath einen Re-release erfahren.

GODS OF GAIA “As Daylight Dies” Tracklist
01 Intro
02 Bow to me (Lyric-Video bei YouTube)
03 I want out
04 As daylight dies (Video bei YouTube)
05 Interlude
06 The Redeemer
07 Concerto
08 Downfall
09 Conscience
10 Schicksal (Opera)
11 Our Time (Bonus)

Source: Vampster

Die Blackened Drone / Industrial-Band GNAW THEIR TONGUES hat nach “Salvation Body ” mit “Departure of Light” einen zweiten Track ihres kommenden Albums “The Cessation of Suffering” veröffentlicht. Es ist das zehnte Album dieses Solo-Porjekts von Maurice de Jong (u.a. THE SOMBRE).

“The Cessation of Suffering” wird am 24. November 2023 via Consouling Sounds erscheinen.

GNAW THEIR TONGUES “The Cessation of Suffering” Tracklist
1. Dreamless
2. The Veneer
3. Salvation Body (Audio bei Bandcamp)
4. The Cessation of Suffering
5. Mensenlucht
6. Vengeful Spit
7. Met Huid en Haar
8. Throatrot
9. The Departure of Light (Audio bei Veil of Sound)
10. Messen

Source: Vampster

Having recently unveiled the band’s latest single, the electro goth/rock duo of Weird Wolves will be hitting the road for a series of European live dates this November. First, the band will be performing at the Glass Danse Festival in Berlin [..]

Source: RE:GEN Mag

The Miami, Florida-based electro act Deep Red is back with an all new single, “The...

Source: Side Line

In their 1982 gothic rock masterpiece, Pornography’s “A Short Term Effect,” The Cure takes listeners on a lyrical expedition through transient despair and melancholy. The opening lines, rife with the imagery of loss, set the stage for a narrative that navigates the fleeting nature of existence. The song’s imagery, stark yet beautifully evocative, paints a surreal, nightmarish tableau that reflects a psyche teetering on the edge of reality.

As All Hallows Eve casts its long, ghostly shadows, Chicago’s Dark-Wave ensemble, <a href="https://www.instagram.com/killscenes/">KILL" rel="noopener nofollow noreferrer" target="_blank">https://www.instagram.com/killscenes/">KILL SCENES</a>, unfurl their eerie rendition of The  “A Short Term Effect” alongside a bone-chilling video. Their cover preserves the original’s ghostly atmospherics, yet embroiders new textures that delve deeper into the song’s desolate ambiance, infused with a fresh dynamism in the strings and percussions. Producer and axeman Sean Whittaker crafts a thick tapestry of harmonics that encase the familiar heartbeat of the song’s rhythm, whilst songstress Meghan Lamb unleashes a riveting vocal performance, wielding the dark lyricism as if it were an extension of her soul. Her voice resonates with a chill-inducing fervor, reminiscent of a haunting chant echoing over cliffside waves crashing into the abyss below. If “A Short Term Effect” was a cry into the void, Lamb’s rendition is the somber echo reverberating back from the depths.

The video, envisioned by Whittaker, situates the band in a void—a liminal realm birthed from a catatonic dreamer’s thoughts, tethered to an old, broken radio. Glitched, degraded images leap into view, akin to memories hallucinated in real-time by a mind teetering on the edge.

Dive into the haunting visuals below:



KILL SCENES’ reimagining of “A Short Term Effect” also comes with a b-side, “The Chrysalis (Doomring Remix),” a re-envisioned track from their 2022 album, Masque, by artist/producer Tom Whittaker (aka Doomring).

<a href="https://killscenes.bandcamp.com/album/a-short-term-effect">A Short Term Effect by Kill Scenes</a>

Connect with KILL SCENES:

<a href="https://www.instagram.com/killscenes/" target="_new" rel="noopener">Instagram</a>
<a href="https://www.facebook.com/killscenes/" target="_new" rel="noopener">Facebook</a>
<a href="https://www.youtube.com/@killscenes" target="_new" rel="noopener">YouTube</a>
<a href="https://open.spotify.com/artist/6CCDQUzcm32mcz5mHiGNmB" target="_new" rel="noopener">Spotify</a>
<a href="http://killscenes.bandcamp.com/" target="_new" rel="noopener">Bandcamp</a>

The post <a href="https://post-punk.com/chicago-darkwave-ensemble-kill-scenes-release-cover-of-the-cures-a-short-term-effect/">Chicago Darkwave Ensemble Kill Scenes Release Cover of The Cure’s “A Short Term Effect”</a> appeared first on <a href="https://post-punk.com">Post-Punk.com</a>.

Source: Post-Punk.com

Emerging from the eerie shadows of Italy’s underground music scene, the enigmatic darkwave unit <a href="https://www.facebook.com/AskTDust/">Ask The Dust</a> rekindles the spirit of the witching season with their latest audiovisual offering, “Child of the Sunflowers.”

Unveiling a countryside terror tale, the video narrative unfolds through a melancholic lens, initially spotlighting a collection of familial photographs, with a discreet pentagram adorning one. A woman, in the delicate phase of pregnancy, tenderly clings to a photo, as a haunting message – “Make him come back to us,” lies nearby. The scene escalates as she etches her palm with a blade, offering her blood to the poignant plea etched on paper.

Subsequently, we traverse along with her on a rustic trail adorned by sunflowers, as she pedals on. The somber guitars and bass notes unravel the impending narrative, setting an ominous stage for the gothic rock vocal embrace that follows. Amidst the sunflower fields, an eerie ritual unfolds as she chants to a scarecrow, clutching a pentangle and a dark crystal, eventually handing over the blood-stained note. As the scarecrow clasps it, a white-robed demon materializes, spiraling her into a sudden awakening beside her partner. The morning calm shatters as the ominous red mist infiltrates her dwelling, with demonic gazes haunting from the window. This eerie tale culminates as a stark warning against dalliances with the demonic, for the devil’s bargain is never what it seems.

Dive into the eerie realms of “Child Of The Sunflowers” here:



From their humble inception, crafting the cover of “Dark Entries” by Bauhaus within the quaint setting of an apartment, Ask The Dust is a band that reflects profound growth. The collaborative spirit thrives as they intertwine with myriad musical talents from their homeland, expanding their creative horizons both in picturesque locales and professional production gear for their videos, all while retaining the self-produced ethos.

Their music, a dark resonance echoing the 80s goth and new wave atmospheres, manifests visually, too – through aesthetic decisions, locales, and the ornate attire in their videos.

The quartet, comprising Darko, Massimo Zompicchiatti, Roberta Cussigh, and Massimo Passon, is on a fervent mission to rekindle the flames of the music that once ignited their youthful spirits.

Indulge in the aural spell of “Child of the Sunflowers” on Spotify <a href="https://open.spotify.com/artist/6MeYwe4T4sGqH3MsxZLvEA">here</a>.

Engage with Ask The Dust:

<a href="https://www.facebook.com/AskTDust/">Facebook</a>
<a href="https://open.spotify.com/artist/6MeYwe4T4sGqH3MsxZLvEA">Spotify</a>

The post <a href="https://post-punk.com/be-careful-bargaining-with-demons-italian-darkwave-outfit-ask-the-dust-weave-a-rural-horror-story-in-their-video-for-child-of-the-sunflowers/">Be Careful Bargaining With Demons — Italian Darkwave Outfit Ask The Dust Weaves a Rural Horror Story in Their Video for “Child of the Sunflowers”</a> appeared first on <a href="https://post-punk.com">Post-Punk.com</a>.

Source: Post-Punk.com

In the shrouded world where legend and reality often intertwine, the enigmatic substance of Adrenochrome finds itself at the center of myriad speculative narratives. Its mythical stature, largely attributed to the iconic Hunter S. Thompson, has nurtured urban legends, casting a long and enigmatic shadow over its actual biochemical identity. Though science soberly defines it as an oxidative metabolite of adrenaline, lore interlaces it with the covert rituals of the elite, proposing a nefarious path to vitality and transcendence. Much like the iconic goth rock ensemble Sisters of Mercy, who once delved into the mystic aura of Adrenochrome through their artistic lens, a new voice emerges from the ether to explore the enigmatic narrative spun around this substance.

Enter <a href="http://instagram.com/the_gunboy" target="_new" rel="noopener">Gun Boy</a>, a dark synth venture originating from Providence, Rhode Island, conceived by Taylor Warf in 2013. With an aesthetic reminiscent of the melancholic yet invigorating tunes of Depeche Mode, Clan of Xymox, and Soft Cell, Gun Boy invites listeners into a somber domain where the enigma of the night unfolds. Their new single, “Adrenochrome,” is a venture into the eerie and captivating facets of the titular substance, blurring the fine line between morality and mortality.

“Adrenochrome” is a haunting melody veiled in a brooding atmosphere. It captivates with an eerie, iridescent synth melody partnered with a slow, throbbing bassline, all carried by rich baritone ’80s gothic rock vocals. The song embodies an urge to unravel the arcane mysteries of the mind, akin to the psychedelic unveiling in Huxley’s “Doors of Perception.” It’s an aural narrative that, much like its biochemical muse, stands at the crossroads of the arcane and the known, pulling listeners into a narrative that is as haunting as it is beautiful.

Listen to “Adrenochrome” below:

Follow Gun Boy:

<a href="http://instagram.com/the_gunboy">Instagram</a>
<a href="https://open.spotify.com/track/7KPehnd1hMk5eFhPtg8iEm?si=65369fa6cbcb4a41">Spotify</a>

The post <a href="https://post-punk.com/dark-synth-project-gun-boy-explores-the-mythos-of-an-alchemical-substance-in-latest-single/">Dark Synth Project Gun Boy Explores the Mythos of an Alchemical Substance in Latest Single</a> appeared first on <a href="https://post-punk.com">Post-Punk.com</a>.

Source: Post-Punk.com

  Montreal synthpop and darkwave quartet Mindreader is celebrating the Halloween season with the release of a new music video for “Parasite,” the band’s latest single The song marks the second release from the group, with the accompanying music video directed and edited by Alexandre Favre presenting a melange of band performance and an obscure […]

Source: EBM.gr

  Skum Love is no stranger to sin as the industrial/metal act reveals its latest single, titled “EGO.” Delving into the roots of sin, the song’s themes deal with the nature of religious zealotry and cultlike worship, “leading sheep to the slaughter with the promise of forever.” Originally written in the late ’90s to the […]

Source: EBM.gr

Die Heavy / Power Metal-Band FATAL FIRE hat einen Labeldeal bei MDD Records unterschrieben. Im Zuge dessen werden die Deutschen aus Frankfurt ihr erstes Album veröffentlichen, welches im Frühjahr 2024 erwartet werden darf.

FATAL FIRE sind die Gitarristen Tim Kremer (HATEFUL AGONY, Ex-ELVENPATH) und Valentyn Subotovic, Bassist Dennis Nerding, Drummer Till Felden (FALLEN TEMPLE, Ex-ARVEN) sowie Sängerin Svenja Rohmann.

FATAL FIRE bei YouTube

Source: Vampster

Jetzt bestellen und sparen: Sonic Seducer Mega-Pack 02/2023 mit den Ausgaben 04/23 + 05/23 inkl. 2 CDs mit 34 Songs! Außerdem umfangreiche Storys zu Powerwolf, Blutengel, Depeche Mode und vielen mehr!

Source: Sonic Seducer

Auf den Punkt bringt es Luci van Org mit ihrer Band Lucina Soteira auf der neuen Single „Amor Vincit Omnia“. „Liebe besiegt alles“. Warum war es Luci wichtig, trotz den tiefsinnigen und ernsten Themen des am 10. November 2023 erwarteten Debütalbums „Tempel“ positiv zu bleiben? „Weil ich glaube, dass wir keine Wahl haben. Resignation führt […]

Source: Orkus

Das neue Buch „When Monsters Roar And Angels Sing“ von Hartmut Rosa nimmt sich des Phänomens Heavy Metal an. Mehr zum ersten Teil der neuen Kohlhammer-"Metalbooks"-Reihe hier!

Source: Sonic Seducer

Die Death / Black Metal-Band SORT SIND hat nach “Tomhed” mit “Dysterhed” einen zweiten Track ihres kommenden Albums “I Skyggen af Livet” veröffentlicht. Es ist das erste Album des dänischen Duos und wird am 24. November 2023 via Nuclear Winter Records erscheinen.

SORT SIND “I Skyggen af Livet” Tracklist
1. Morke
2. Fortærer
3. Foragt
4. Hævntorst
5. Tomhed (Audio bei Bandcamp)
6. Skygge
7. Sortsyn
8. Dysterhed (Audio bei MetalBite)

Source: Vampster

Based between NYC and Raleigh, postpunk outfit The Veldt present the single “Angel Heart”, previewing...

Source: Side Line

The Phoenix-based duo Snailmate has released their new album “Stress Sandwich”. The album holds a humorous take on existential anxiety, serving up funky, poppy synth-laced alternative raps. Snailmate is lyricist-vocalist and synth wizard Kalen Lander and drummer-backup vocalist Bentley Monet.

Snailmate also present the video for “The Laziest Man in the World”, which Lander says, “is my attempt to glorify and glamorize my extreme lack of motivation. Even though the approach was to be as lazy as possible, the song nevertheless features dexterous lyricism and quick, intricate rhyme schemes. Sometimes, sitting around and doing nothing is important for your mental health. Hopefully this song can make someone feel a little better the next time they take a day off.”

Here’s the full album to check out on Bandcamp.

Stress Sandwich by Snailmate

Source: EBM.gr

SUBWAY TO SALLY haben einen neuen Song veröffentlicht: “Eisheilige Nacht” steht als Video bei YouTube bereit und ist als eine Art Soundtrack zur alljährlichen Winter-Tour zu verstehen.

Auch 2023 spielt die Folk-Metal- / Gothic-Band wieder eine Reihe von Shows unter dem Motto der “Eisheiligen Nächte”. Im Vorprogramm mit dabei sind in diesem Jahr FIDDLER’S GREEN, LETZTE INSTANZ sowie MANNTRA.

SUBWAY TO SALLY, FIDDLER’S GREEN, LETZTE INSTANZ, MANNTRA Tourdaten 2023

14.12.23 CH – Pratteln / Z7
15.12.23 DE – Stuttgart / Im Wizemann
16.12.23 DE – Gießen / Hessenhallen
22.12.23 DE – Dortmund / Plwm
23.12.23 DE – Dresden / Alter Schlachthof
26.12.23 DE – Braunschweig / Millenium Event Center
27.12.23 DE – Würzburg / Posthalle
28.12.23 DE – Bielefeld / Lokschuppen
29.12.23 DE – Bremen / Pier 2
30.12.23 DE – Potsdam / Waschhaus

SUBWAY TO SALLY Line-up 2023
Eric Fish – Vocals, Flutes, BagpipeAlly Storch – ViolinBodenski – Hurdy Gurdy, Acoustic Guitar, VocalsSimon – Acoustic Guitars, Trumsheit, VocalsIngo Hampf – Guitar, LuteSimon Michael – Drums, PercussionSugar Ray – Bass

Fotogalerie: SUBWAY TO SALLY – Schlosshof-Festival, Höchstadt a. d. Aisch – 12.08.2023

Source: Vampster

Kann es an einem nasskalten Herbstabend etwas Schöneres geben, als die Seele mit einem Konzertabend von Haevn zu erwärmen? Wohl kaum. In den Niederlanden...

Source: monkeypress.de

“Final Call” is the 3rd video single of the upcoming X Marks The Pedwalk album “Superstition”. “Superstition” will be out on November 10 on CD and as download and streaming, for instance here on Bandcamp.

“Superstition” is the band’s 12th album since their formation 35 years ago. Sevren Ni-Arb and Estefania describe “Superstition” as “an immersive exploration of deepest desires and feelings and does not shy away from the somber reality of despair and mortality.” The album holds 11 dark synth-electro-pop tracks.

Here’ sthe new single, “Final Call”.

About X Marks The Pedwalk

Related newsX Marks The Pedwalk returns with 'Superstition' album on meshwork music in NovemberX Marks The Pedwalk was founded by Sevren Ni-Arb in 1988. The project became one of the most influential and visionary bands from the so called EBM scene in the 90s thanks to hits like “Abattoir” and albums like “Freaks” (1992) and “Human Desolation” (1993).

The controversial single “Facer” and the follow-up album “Meshwork” in 1994 laid the foundation for a complete sub-genre in electronic music called Future-Pop. In 1996 the project went on a hiatus after the album “Drawback”.

15 yearslater the band returned with the albums “Inner Zone Journey” (2010) and “The Sun, The Cold and My Underwater Fear” (2012). In 2015 the album “The House of Rain” followed. In march 2017 Sevren Ni-Arb and Estefanía released “Secrets” and “Transformation” (2020) on meshwork music. 2022 also marked the release of “New / End”. Our own reviewer then wrote that “X Marks The Pedwalk remains a warrant for creative and exciting Electro-Pop music”.

Source: EBM.gr

Amidst the eerie gloom of endless twilight, the cursed beings of the undead realm wrestle with a romantic dilemma as ageless as time. Their love, a silent opera, unfolds against mortality’s relentless march that threatens to snatch away their mortal true love. Each heartbeat of their cherished ones echoes a sweet, mournful melody, gradually sinking into death’s silence. Faced with a cruel choice – to save their loved ones from mortality’s clasp by damning their soul to the cold night, or watch them crumble into the arms of death. Oscar Wilde’s words, “The mystery of love is greater than the mystery of death,” echo the profound enigma that entangles the hearts of the undead in a destiny laced with tender caress and icy despair. This melancholy waltz between love strong enough to challenge life and death, yet forever shackled by fate, resonates through the bleak, starless nights.

This poignant concept finds a voice in <a href="https://www.instagram.com/thesweetkill">The Sweet Kill’s</a> latest darkwave single, “Undead,” where musician Pete Mills channels classic gothic rock and post-punk vibes reminiscent of The Cure, Joy Division, and Bauhaus, weaving a compelling narrative of undying love.

Mills recounts his exploration into the dark world of the occult across California’s haunting landscapes, unveiling the narrative of “Undead” – a tale of an immortal in love with his ailing mortal beloved, faced with the dire choice of saving her by transforming her into one of his kind. The single encapsulates 80’s cold wave synths, post-punk instrumentation mingled with a full string section, escorting the listener into a gothic cinematic narrative. It’s an invitation into a realm where the fear of the unknown and the allure of magic transcend into a fourth-dimensional spiritual journey, urging one to, “…Take my hand on an icy peak, the wind chills this reckoning, where Gods and Monsters breed, their darkest secret…. into the Undead, the Undead, slip into the mystery…..”

Witness the ethereal tale unfold through candlelight, misty forests, and cemeteries in the video for “Undead” below:



THE SWEET KILL, a singular post-punk, dark & gothic harbinger of existential angst, crafts a darkwave masterpiece led by cold synths, atmospheric guitars, and melodic bass. With a velvety baritone, Pete Mills echoes the sorrowful romanticism of The Cure and Joy Division.

At his Shadow Zone Sound studio, Mills records and produces all THE SWEET KILL material. “UNDEAD” heralds the early 2024 release, NOWHERE, set to be released on Young & Cold Records (Germany) and Shadow Zone Records (USA), marking a cinematic sophomore debut. “I love the fear of the unknown and the fantasy of magic, when these elements mix, the door to the fourth-dimensional occult occurs,” Mills reflects.

Pre-order the Vinyl and CD <a href="https://thesweetkill.bandcamp.com/releases">here</a>.

<a href="https://thesweetkill.bandcamp.com/releases"><a href="https://thesweetkill.bandcamp.com/track/undead">Undead by The Sweet Kill</a></a>

Follow The Sweet Kill:

<a href="https://www.youtube.com/thesweetkill">YouTube</a>
<a href="https://www.instagram.com/thesweetkill">Instagram</a>
<a href="https://www.facebook.com/thesweetkill">Facebook</a>
<a href="https://www.soundcloud.com/thesweetkill">Soundcloud</a>
<a href="https://thesweetkill.bandcamp.com/album/darkness">Bandcamp</a>
<a href="https://www.twitter.com/thesweetkill">Twitter</a>
<a href="https://www.thesweetkill.com">Website</a>

The post <a href="https://post-punk.com/love-never-dies-los-angeles-darkwave-project-the-sweet-kill-debuts-haunting-video-for-undead/">Love Never Dies — Los Angeles Darkwave Project The Sweet Kill Debuts Haunting Video for “Undead”</a> appeared first on <a href="https://post-punk.com">Post-Punk.com</a>.

Source: Post-Punk.com

Die Death Metal-Band INFECTED CHAOS hat einen Labeldeal bei Wormholedeath unterschrieben. Im Zuge dessen wird die österreichisch-bayrische Band ihre neue EP “Conjuration Overture, Vanity is Dawning” veröffentlichen. Die Scheibe folgt auf das 2021er-Album “Dead Aesthetics“, dem dritten Album der Band.

“Conjuration Overture, Vanity is Dawning” wurde von Gitarrist Matt Mayr gemixt und wird am 24. November 2023 erscheinen. Mit “Tehom” gibt es nun ein Lyric-Video.

INFECTED CHAOS sind Sänger Chris Fischer, die Gitarristen Matt Mayr (BITCHFORK, Ex-CHAOSREIGN) und Martin Hartmann (BITCHFORK, Ex-CHAOSREIGN), Bassist Ronny Lechleitner sowie Drummer Matze Wilhelm.

INFECTED CHAOS “Conjuration Overture, Vanity is Dawning” Tracklist
1. Come Eventide, Come Evenfall
2. Vanity is Dawning
3. Tehom (Lyric-Video bei YouTube) 
4. People of Ash

Source: Vampster

Die Modern Death Metal-Band LIVEKILL hat nach “Vengeance” und “The Crown” mit “New Plague” eine weitere neue Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht. Der Song wird Teil des neuen Albums “Evil Ecstasy” sein, welches Anfang 2024 via SWOL Records zu erwarten sein soll. Zuvor hat die US-amerikanische Band aus Florida mit “Turned to Grey” (2018) eine EP veröffentlicht.

LIVEKILL “Vengeance” (Video bei YouTube)

LIVEKILL “The Crown” (Video bei YouTube)

LIVEKILL “New Plague” (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Metalcore Thrash Metal Band PROJECT HELIX hat den neuen Song “Digital Slaves” inklusive Video bei YouTube, der Track ist außerdem auf allen Streamingplattformen verfügbar.

Das Besondere daran: Bei dem Video zum finster stampfenden Nackenbrecher „Digital Slaves“ handelt es um einen komplett in 3D-Optik animierten, professionellen Kurzfilm von Stefan Nacke (Videoheadz), der den Inhalt der Lyrics – der negative Einfluss digitaler Medien – in düsterer Computerspieloptik eindringlich verdeutlicht. Im Video folgt man dem namenlosen Protagonisten auf einer Reise durch eine dunkle, dystopische Stadtlandschaft voller Anspielungen auf die großen Gefahren im Netz wie etwa Handysucht, Vereinsamung, Hatespeech, Trolle, Verschwörungstheorien oder die Vernachlässigung realer Beziehungen.

“Digital Slaves” wurde von Johannes Rupp (DEATH BY DISSONANCE) produziert.

„Digital Slaves“ ist der dritte von vier Songs, die PROJECT HELIX 2023 veröffentlichen, im April teilte die Band einen Clip zu “Sulfur Skies”, im August folgte ein Lyrics-Video zu “The Bitter End”. 

In den kommenden Wochen gibt es außerdem einige Gelegenheiten, PROJECT HELIX live zu erleben.

Konzerttermine PROJECT HELIX

2.12. 2023 Ditzingen, Jugendhaus, D.N.A. FEST Vol. 1: PROJECT HELIX, MARATONGA, ARCHETYPE, INSANE PERCEPTION
27.1.2024 Weil der Stadt, Jugendhaus Kloster,D.N.A. FEST Vol. 2: PROJECT HELIX, DECREATE, TEXAS CORNFLAKE MASSACRE

Source: Vampster

Mit “Polaris” wird in einigen Tagen das neue Album der Gothic / Doom Metal-Band LODESTAR erscheinen. Es ist nach “Lodestar” (2021) und “Event Horizon” (2022) das dritte Album des kanadischen Duos, welches aus Kate Glock und Jensen Rodolfo besteht.

“Polaris” wurde von Riccardo Pasini (VOID OF SLEEP) im Studio 73 gemixt und gemastert und wird am 10. November 2023 erscheinen.

LODESTAR “Polaris” Tracklist
1. Shooting Star (Lyric-Video bei YouTube)
2. Never Die
3. Save Me From Fate
4. In This Life
5. In Your Shadow (Visualizer bei YouTube)
6. Distance To Your Light
7. War Of The Mind
8. Light Of My Life
9. World Of Change
10. Polaris (Lyric-Video bei YouTube)

Source: Vampster

“Final Call” is the 3rd video single of the upcoming X Marks The Pedwalk album...

Source: Side Line

Heute wurden die Support-Bands der Depeche Mode-"Memento Mori"-Tour angekündigt. Nadine Shah, Humanist, Suzie Stapleton und Deeper begleiten Dave Gahan und Martin in Europa - seht hier, wer in Deutschland dabei ist!

Source: Sonic Seducer

The Finland-based electro-industrial act The Fair Attempts release their latest EP “Beyond the Edge of...

Source: Side Line

Based between NYC and Raleigh, postpunk outfit The Veldt present the single “Angel Heart”, previewing their Robin Guthrie (Cocteau Twins) produced album “Illuminated 1989”.

The recording was supposed to be their debut record before Capitol Records shelved it in favour of what ultimately became their debut Lincoln Fong produced “Marigolds” album in 1993. Here released for the first time, “Angel Heart” was recorded during the 1989 sessions and not re-recorded for the 1993 album.

Here’s the new single video.

Related newsThe Veldt ‘Aurora Borealis’ single previews long-lost album, produced by Cocteau Twins’ Robin GuthrieFormed in the 1980s during the first-wave of shoegaze bands, The Veldt surrounds identical twins Daniel and Danny Chavis, whose music is influenced by Cocteau Twins, Marvin Gaye, Sun Ra and Pharaoh Sanders, referencing post-punk while embracing modern hip-hop.

The Veldt initially signed with Mammoth Records. This led to tours across Europe and the U.S., sharing stages with notable bands. After relocating to New York, they briefly performed as Apollo Heights before reverting to The Veldt. The band later welcomed bassist-programmer Hayato Nakao.

The Veldt Tour Dates

Fri 10/27 Dallas, TX – TBA

Sat 10/28 Austin, TX – The Far Out Lounge (Levitation Festival)

Mon 11/27 Atlanta, GA – 529

Tue 11/28 Birmingham, AL – TBA

Wed 11/29 New Orleans, LA – Gasa Gasa

Thu 11/30 Houston, TX – 1810 Ojeman

Fri 12/1 Austin, TX – Hotel Vegas

Sat 12/2 Silver City, NM – Whiskey Creek Zocalo w/ Tremours

Sun 12/3 Phoenix, AZ – Linger Longer Lounge w/ Tremours

Mon 12/4 San Diego, CA – Soda Bar w/ Tremours

Tue 12/5 Los Angeles, CA – Gold Diggers w/ Tremours

Wed 12/6 San Francisco, CA – Kilowatt w/ Tremours

Thu 12/7 Portland, OR – Show Bar w/ Tremours

Fri 12/8 Seattle, WA – The Central Saloon (TremoloFest) w/ Tremours

Sat 12/9 Vancouver, BC – TBA

Sun 12/10 Bellingham, WA – The Shakedown w/ Tremours

Mon 12/11 Eugene, OR – Old Nick’s w/ Tremours

Tue 12/12 Olympia, WA – Le Voyeur w/ Tremours

Wed 12/13 Tacoma, WA – TBA

Thu 12/14 Seattle, WA – KEXP

Source: EBM.gr

Die Melodic Death Metal-Band INNER BLAST hat mit “Master of Suffering” einen Video-Clip ihrer neuen EP “Memories Uploaded” veröffentlicht. Die EP, welche zwei neue Songs und drei Live-Aufnahmen beinhaltet, ist am 31. Oktober 2023 erschienen. Zuvor haben die Portugiesen zwei Alben veröffentlicht.

INNER BLAST sind Sängerin Liliana Silva, Gitarrist Aquiles Dias, Bassist Luís Silva und Drummer Nuno Sabu.

INNER BLAST “Memories Uploaded” Tracklist
Scourge and Fire
Master of Suffering (Video bei YouTube)
There’s no Pride (Live)
Darkest Hour (Live)
No Strings (Live)

Source: Vampster

Mit “Awaken The Ancients” wird in einigen Wochen das neue Album der Brutal / Technical Death Metal-Band HATRED REIGNS erscheinen. Es ist das erste Album der Kanadier aus Ottawa.

Das Album folgt einem Protagonisten, der mit bedrückenden Kräften zu kämpfen hat, was zu einer Beschwörung der Alten führt, die sich erheben, um die Gepeinigten von ihrem langwierigen Leiden zu befreien.

“Awaken The Ancients” wurde mit einem Cover-Artwork von Pedro “Lordigan” Sena (u.a. für ZORNHEYM tätig) ausgestattet und wird am 1. Dezember 2023 erscheinen. Nach “Departing Acheron” gibt es nun auch den Titeltrack als Video-Clip.

HATRED REIGNS sind Sänger Mitchi Dimitriadis, der das Album auch gemixt und gemastert hat, Gitarrist Jeff Calder (Ex-DICHOTIC, Ex-DEFORMATORY), Drummer Neil Grandy (DEFORMATORY, Ex-DICHOTIC) sowie Bassist und Sänger Adam Semler (HARMONIAQ).

HATRED REIGNS “Awaken The Ancients” Tracklist
1. Awaken The Ancients (5:20) (Video bei NoCleanSinging)
2. Pain Leads To Nothingness (3:16)
3. To Depths Unknown (2:40)
4. Obsolarium (2:36)
5. Ushered By Charon (5:23)
6. Planes Divide (3:47)
7. Absentia (4:58)
8. Departing Acheron (3:43) (Video bei YouTube)

Source: Vampster

The Finland-based electro-industrial act The Fair Attempts release their latest EP “Beyond the Edge of Nowhere” this Friday. The electro-industrial project is known for their hard-hitting sound and the story that connects to their art via their book series ‘Machine Dreaming’.

“We’re going back to square one with this EP,” says Friendly Timo, heading The Fair Attempts. “I wanted to touch the feelings and atmosphere of the world before its fall, and in the process, I ended up questioning my own sanity as I became more and more convinced (or disillusioned) that we are actually on the edge of it already. The EP is our heaviest and most aggressive yet. It’s not just industrial rock. This is also very metal.”

You can pre-order the 6-track EP right now from Bandcamp.

Beyond the Edge of Nowhere by The Fair Attempts

Source: EBM.gr

Die Black Metal-Band TAAKE geht im März 2024 auf Europatour und spielt dabei auch Shows in Wien (A), Erfurt und Leipzig. Außerdem macht das Tourpaket in München auf dem DARK EASTER METAL MEETING halt.

Im Vorprogramm mit dabei sind NORDJEVEL sowie THEOTOXIN.

TAAKE, NORDJEVEL, THEOTOXIN Tourdaten 2023

15/03/24 Kamienna, 12 Krakow PL
16/03/24 Proxima, Warsaw PL
17/03/24 Viper Room, Wien AT
18/03/24 Orto Bar, Ljubljana SI
19/03/24 Boogaloo, Zagreb HR
20/03/24 Dom Omladine, BelgradeRS
21/03/24 A38, Budapest HU
22/03/24 From Hell, Erfurt
23/03/24 Hellraiser, Leipzig 
24/03/24 Effenaar, Eindhoven
25/03/24 Wilde Westen, Kortrijk
26/03/24 Le Grillen, Colmar
29/03/24 Musigburg, Aarburg
30/03/24 Dark Easter Metal Meeting, München DE

Source: Vampster

#image_title

Genre/Influences: Cinematic, Experimental.

Format: Digital, CD.

Background/Info: Like The Snow is the solo-project of Italian musician Luca Mazzariol (previously involved with The Sunset Boulevard). This opus features ten songs.

Content: The debut cuts reveal the Cinematic side of the project. We’re entering a dreamy sound universe which is progressively evolving towards a more elaborated production. A few tracks from the second part of the album are driven by Eastern sound influences. You will also notice passages with rhythmic, spoken vocals and sampling. Giuseppe Verticchio (Nimh) contributed to one song by playing guitar.

+ + + : The work sounds to me an imaginary Soundtrack. I like the progression and diversity in the tracklist; it all starts with reverie and progressively moves into more elaborated cuts. “Lux Interni” is my favorite one for the guitar play mixed with buzzing sound waves, percussion parts and some chants. It’s a beautiful song with a true elevating effect. “The Astral Path” is another noticeable piece for the vocals/chants as well. I’ll also mention “Arabian Whirlwind” for its Arabic sound countenance.

– – – : The debut part sounds as easy listening music but without that touch of creativity I discovered later on in the tracklist.

Conclusion: A dreamy and peaceful sound experience with a touch of magic on top.

Best songs: “Lux Interni”, “The Astral Path”, “Arabian Whirlwind”.

Rate: 7.

Artist: http://www.facebook.com/profile.php?id=100064615013798

Label: http://store.silentes.it

Source: EBM.gr