Die Post-Metal/ Hardcore / Blackgaze-Band VAEGTLOS hat nach dem Video-Clip zu “Ingenting kan forhindre, at små struber skælver en forårsnat” mit “Her i vores hjerter bærer vi en ny verden” einen zweiten Song ihres kommenden Albums “Aftryk” veröffentlicht. Es ist das erste Album der Dänen.

“Aftryk”, das von Menschen handelt, die der Band nahe stehen und gestorben sind oder an tödlichen Krankheiten litten, wurde gemeinsam mit Rasmus Glassau Clausen aufgenommen und von Jacob Bredahl gemixt und gemastert. Erscheinen wird das Album, dessen Artwork von Jon Gotlev stammt, am 2. Februar 2024 via Remparts (CD) und neben vielen weiteren Labels via Abekeit Records (LP).

VAEGTLOS sind Gitarrist Frederik Højlund, Bassist Jeppe Nørgaard, Drummer Tobias Aske Heltborg und Sänger Troels H. Sørensen.

VÆGTLØS “Aftryk” Tracklist
1. Ingenting kan forhindre, at små struber skælver en forårsnat (Video bei YouTube)
2. Først da vi bar din kiste gik det op for mig, hvor meget tungt du skulle igennem, før du blev så let
3. Her i vores hjerter bærer vi en ny verden (Audio bei YouTube)
4. Tag dit knuste hjerte og lav det til kunst

Source: Vampster

Am 26. Januar 2024 veröffentlichen Soulseller Records das neue BLOOD RED THRONE-Album “Nonagon”.

Reinhören kann man nun auch in einen Song mit dem Titel “Seeking To Pierce” bei YouTube. 

Als erste Single teilte die Band den Song “Blade Eulogy”, Ende 2023 folgte “Tempest Sculptor” bei YouTube.

“Nonagon” ist das Debüt des neuen Sängers von BLOOD RED THRONE, Sindre Wathne Johnsen gehört seit vergangenem Jahr zur Band.

BLOOD RED THRONE “Nonagon” Tracklist

 Epitaph Inscribed
Ode To The Obscene
Seeking To Pierce (Audio bei YouTube)
Tempest Sculptor (Audio bei YouTube
Every Silent Plea
Nonagon
Split Tongue Sermon
Blade Eulogy (Audio bei YouTube)
Fleshrend

BLOOD RED THRONE Line-up:

Daniel ”Død” Olaisen – Guitar
Ivan ”Meathook” Gujic – Guitar
Freddy “the Shred” Bolsø – Drums
Stian “Clammy Hackett” Gundersen – Bass
Sindre Wathne Johnsen – Vocals

 

 

 

Source: Vampster

 
Ali Jafri has garnered a reputation as a formidable and versatile performer, having worked with the likes of David J. and Pigface. Amid a deluge of personal upheaval, he is continuing in his creative endeavors with the announcement of the debut album from his new outlet, The Shadow Majlis [..]

Source: RE:GEN Mag

  It’s been 24 years since Scheitan last performed onstage at Wave Gotik Treffen, but Pierre Törnkvist is bringing his gothic rock band back from the prolonged silence with the announcement of a new album and live show. “I am very much looking forward to doing this show and getting Scheitan going for real,” Törnkvist […]

Source: EBM.gr

Mit "Unter Menschen" haben die Goth-Rocker Wisborg eine weitere Single vom kommenden neuen Album ausgekoppelt. Es handelt sich dabei um einen Feature-Track mit dBoy von Je T'aime - alle Infos und das Musikvideo hier!

Source: Sonic Seducer

Die Gothic Punk / Heavy Metal-Band LESBIAN BED DEATH hat einen Labeldeal bei Wormholedeath unterschrieben, um über das italienische Label am 1. März 2024 ihr neues Album “Midnight Lust” zu veröffentlichen. Es ist das achte Album der Briten.

LESBIAN BED DEATH “Midnight Lust” Tracklist
01. Maria
02. Roadkill (Video bei YouTube)
03. Satanic Suicide Sex Cult (Video bei YouTube)
04. Your Love Makes Everything Worse
05. The Antichrist (Video bei YouTube)
06. She Loves Lilith
07. The Mummy’s Tomb (Video bei YouTube)
08. Reykjavik Nights
09. Feral Eyes
10. The Woman Who Drinks Tears
11. Rhythm Of The Kill
12. Art Of Terror
13. Horrors of the Crown Hotel (Video bei YouTube)

Source: Vampster

  For 10 years, Xmal Deutschland became one of Germany’s finest post-punk and goth/rock exports, attaining major chart success primaily in the U.K. and their home country. Now, after more than three decades, vocalist Anja Huwe is returning with her solo album debut, titled Codes; the album’s nine tracks examine the effects that extreme circumstances […]

Source: EBM.gr

Die Melodic Death / Power Metal-Band RYUJIN (ehemals GYZE) hat ihr neues, selbstbetiteltes Album “Ryujin” angekündigt. Als Vorgeschmack stellt die Gruppe nun auch die Single “Saigo No Hoshi” mit einem Video bei YouTube vor. Als Gast zu hören ist darüber hinaus Matthew K. Heafy (TRIVIUM).

Bereits im September 2023 teilten RYUJIN die erste Single “Raijin & Fujin”, im November folgte “The Rainbow Song” mit einem Video bei YouTube und im Dezember “Gekokujo” als Clip bei YouTube.

Als Gastmusiker sind auf “Ryujin” Cellist Mukai Wataru sowie Matthew K. Heafy (TRIVIUM, IBARAKI) zu hören.

RYUJIN-Mastermind Ryoji Shinomoto kommentiert:

“Dies ist das erste Album seit der Transformation von Gyze zu RYUJIN! Wir wollen, dass jeder den Samurai Metal aus dem Fernen Osten genießen kann! Produziert von Matthew, öffnet es neue Türen für uns und wir sind geehrt, es auf dem legendären Label Napalm Records zu veröffentlichen!”

Produziert wurde “Ryujin” von Matthew K. Heafy, während Mix und Mastering Mark Lewis übernahm. Das Album erscheint am 12. Januar 2024 via Napalm Records auf CD, Vinyl sowie digital.

RYUJIN “Ryujin” Tracklist
1. Hajimari
2. Gekokujo (Video bei YouTube)
3. Dragon, Fly Free
4. Raijin & Fujin (Video bei YouTube)
5. The Rainbow Song (Video bei YouTube)
6. Kunnecup
7. Scream of the Dragon
8. Gekirin
9. Saigo No Hoshi (Video bei YouTube)
10. Ryujin
11. Guren No Yumiya
12. Saigo No Hoshi (feat. Matthew K. Heafy) (Single Edit)

Source: Vampster

Mit “Blessed in Hell” wird in einigen Tagen das neue Album der Hard Rock-Band EVE´S BITE erscheinen. Es ist nach zwei EPs das erste Album des französischen Quartetts, welches aus Sänger und Gitarrist Olivier Jourget, Gitarrist Anthony Coniglio, Bassist Nick Crash und Drummer Laurent Descours besteht.

“Blessed in Hell” wird am 26. Januar 2024 via M&O Music erscheinen.

EVE´S BITE “Blessed in Hell” Tracklist
1. Fire, Fire, Disaster (Lyric-Video bei YouTube)
2. She’s Got More Balls Than You
3. The Fighter
4. Feel The Heat
5. Tires On Fire
6. Rock Fever
7. You And I
8. Shits On The Radio
9. Locked In My Dreams
10. Inside Your Devil Eyes
11. Die For The Beast (Feat. Paul Eyssette)
12. Waiting For The Night (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Doom / Heavy Metal-Band ECCLESIA hat mit “Ecclesia Militans” ein neues Album angekündigt. Es ist nach “De Ecclesiæ Universalis” (2020) das zweite Album der Franzosen und handelt – wie das Debüt – vom dunklen mittelalterlichen Zeitalter der Heiligen Inquisition beginnend im 12. Jahrhundert.

“Ecclesia Militans” wird am 8. März 2024 via Aural Music erscheinen. Vorab gibt es den Track “If She Floats” zu hören.

ECCLESIA “Ecclesia Militans” Tracklist
1. Vade Retro
2. If She Floats (Audio bei Bandcamp)
3. Et Cum Spiritu Tuo
4. Antecclesia
5. Ecclesia Militans
6. The Exorcism
7. Ereptor Verae Fidei
8. Redden the Iron
9. Harvester of Sinful Souls
10. Quis ut Deus

Source: Vampster

Die Instrumental Post-Rock-Band A BURIAL AT SEA hat nach dem Opener “p​á​irc b​é​al uisce” mit “tor head” einen zweiten Track ihres kommenden Albums “Close To Home” veröffentlicht. Es ist nach “A Burial At Sea” das zweite Album der aus Irland stammenden Band, die sich inzwischen in Liverpool niedergelassen hat.

“Close To Home”, das Inspiration, Einfluss und Einblicke aus dem gälischen Kulturerbe der irischen Heimat etwas der Hauptsongwriter Patrick Blaney und Dara Tohill schöpft, wird am 23. Februar 2024 via Pelagic Records erscheinen.

A BURIAL AT SEA “Close To Home” Tracklist
1. páirc béal uisce (Audio bei YouTube)
2. tor head (Audio bei YouTube)
3. down to the floor
4. Hy-Brasil
5. Gorse Bush On Fire
6. objects of the house
7. New old
8. masterfred
9. everything you are not
10. T.G.G.O.A
11. Dall

Source: Vampster

Die Black Metal-Band BELTEZ, die Black/Death Metal-Band RITUALS OF THE DEAD HAND und Post Black Metal-Crustpunks von RANA haben sich zusammengetan und sind im Februar in Deutschland unterwegs.

Die Stationen der “The Wretched And The Vile”-Mini-Tour:

14. Februar 2024 Aachen – Wild Rover
15. Februar 2024: Wiesbaden, Kreativfabrik
16. Februar 2024: Braunschweig – Nexus
17. Februar 2024: Bielefeld – Stricker

BELTEZ kann man außerdem bei diesen Konzerten live erleben:

2. Februar 2024: Oberhausen – Helvete mit MPAK, TRÄUMEN VON AURORA, TOUGANT
24. Mail 2024: Berlin – Urban Spree mit SUNKEN
25. Mai 2025: Kopenhagen – Hotel Cecil mit LAMENTARI

Source: Vampster

Die Death Metal-Band KAIVS hat einen Labeldeal bei Time To Kill Records unterschrieben. Im Zuge dessen werden die Italiener ihr neues Album “After the Flesh” veröffentlichen. Es ist das erste Album der 2022 in Rom gegründeten Band, die 2023 mit der EP “Horrend” debütierten.

KAIVS sind Sänger Max Foam, Gitarrist Tiziano Mortician, Bassist Jacopo Simonelli und Drummer Leonardo Sastro.

Source: Vampster

(Photo by Dori Hrisztu-Pazonyi) The Hungarian electro-pop noir duo Black Nail Cabaret have released the song “Roadtrip” as the second single from their forthcoming new album, “Chrysanthemum”, which is set for release on 1st March.

Black Nail Cabaret singer Emèse Árvai-Illes states that “I refer to the Hungarian psychologist Dr. Mihály Domján in regard to this song. He held that pain travels in the family tree until it finds someone who is introspectively ready to embrace it fully, to understand it and change it. In recent years I realised how important it is not to lose faith that I can be this person.”

“Roadtrip” is the follow-up to “Autogenic”, which was released in early December 2023. Below is the video.

Related newsBlack Nail Cabaret (and friends) release lyric video 'Sister Sister' taken from the forthcoming new album 'Woodland Memoirs'“Chrysanthemum” is the sixth full-length record by Black Nail Cabaret and will be promoted with a UK tour holding eight shows with Empathy Test.

04.04.23 MANCHESTER Rebellion

05.04.23 GLASGOW Classic Grand

06.04.23 BRISTOL Dareshack

07.04.23 NUNEATON Queens Hall

10.04.23 NOTTINGHAM The Chapel

11.04.23 NEWCASTLE Cluny 2

12.04.23 SHEFFIELD Corporation

13.04.23 LONDON Garage

Source: EBM.gr

Die norwegische Gothic / Industrial-Band GOTHMINISTER hat mit “Pandemonium II: The Battle Of The Underworlds” ein neues Album angekündigt. Der “Pandemonium“-Nachfolger wird am 3. Mai 2024 via AFM Records auf CD, Vinyl sowie digital erscheinen. Vorab gibt es mit “We Come Alive” eine weitere Single in Bild und Ton bei YouTube. Mit dem Stück treten GOTHMINISTER zudem am 13. Januar 2024 bei norwegischen Vorentscheid für den Eurovision Songcontest an.

Mit “Battle Of The Underworlds” ist außerdem eine zweite Single als Musikvideo bei YouTube abrufbar. Auch “I Am The Devil” steht als Video-Clip vorab bereit.

“Pandemonium II: The Battle Of The Underworlds” wurde von Henning Verlage (UNHEILIG) gemixt und von Morten Lund (u.a. für SOLEFALD tätig) gemastert.

GOTHMINISTER “Pandemonium II: “The Battle Of The Underworlds” Tracklist

Battle of the Underworlds (Video bei YouTube)
We Live Another Day
Creepy Shadows
One Dark Happy Nation
I Am the Devil (Video bei YouTube)
The Procession
I Will Drink Your Blood
Aftermath
Tonight
We Are the Heroes
Monostereo Creature
We Come Alive (Video bei YouTube)

Source: Vampster

EXIT EDEN, die Symphonic Metal-Group bestehend aus Clémentine Delauney (Visions of Atlantis), Anna Brunner (League of Distortion) und Marina La Torraca (Phantom Elite), hat ihre neue Single mit dem Titel „Femme Fatale“ veröffentlicht, bevor diesen Freitag, 12. Januar, das zweite Studioalbum der Band, „Femmes Fatales“, über Napalm Records erscheint. „Femmes Fatales“ enthält insgesamt zwölf Tracks – sechs Cover- sowie erstmals auch eigene Songs.

Das neue Studioalbum folgt auf das Debütalbum Rhapsodies in Black (2017, #15 der Deutschen Album Charts) und Millionen von Videoaufrufen (12 Millionen allein für das Cover von Bonnie Tylers „Total Eclipse Of The Heart“). EXIT EDENs im Oktober 2023 erschienene Single „Run!“ (feat. Marko Hietala/ex-Nightwish) zählt bereits jetzt mehr als eine Million Video-Aufrufe.

EXIT EDEN zu „Femme Fatale“:
„Wir waren Fremde als sich unsere Wege vor Jahren zum ersten Mal kreuzten. Aus Fremden wurden Freundinnen, Verbündete, Schwestern…

Mit ‚Femme Fatale‘ haben wir ganz nach unseren eigenen Karten gespielt und neue Regeln aufgestellt. Wir haben uns von Vorurteilen und Beschränkungen befreit, würdigen unser wahres Wesen und unsere Weiblichkeit, und haben unsere Kräfte zurückgewonnen – als moderne Hexen sind wir unverwüstlich und befreit, wir sind die Femmes Fatales.“

 

Source: Amboss-Mag.de

Philadelphia’s Tulipomania, bearing the moniker of those 17th-century Dutch flower traders of the titular bloom, are back with a vengeance on their fifth studio album, Dreaming of Sleep, dropped via Sursumcorda Records.

Throughout their journey, these art-rock virtuosos have been labeled everything from cult synth punks to glam-leaning post-punk icons, and even as purveyors of muscular chamber pop. But with Dreaming of Sleep, they dive headfirst into an electronic odyssey, pushing their sound into new, uncharted territories. The album is a bold step in a direction that blends their signature style with fresh electronic experimentation. Gritty guitars that taste like they’ve been soaking in a marinade of moody introspection? Check. A rhythm section with the brooding charisma of a classic film noir hero? Absolutely. All this serves as a canvas for vocals so rich and immersive, they practically dare you to try cutting through the dense atmosphere they create.

In this latest offering, Tulipomania channels the spirits of legends like Wolfgang Press, Wire, and Pere Ubu, with a nod to the likes of Ultra Vivid Scene, Cabaret Voltaire, and Alan Vega. It’s an eclectic mix, sure, but one that Tulipomania blends into a sound distinctly their own. Dreaming of Sleep is a genre-bending,nhypnotic blend of the past and the present, proving that Tulipomania continues to be a force to be reckoned with.

Dreaming Of Sleep comes at you like an espresso double shot, each synth line jolting your senses awake with an undercurrent of tension – a claustrophobic buzz as intense as a packed elevator in mid-July. Yet, in this band’s hands, dystopia doesn’t spell doom. Instead, it’s laced with a dash of intrigue and a sprinkle of creativity that ignites the imagination.

Their riffs, meanwhile, have a mesmerizing quality, undulating through your consciousness like a soothing deep-sea serenade. The lyrics serve as cryptic puzzles, shrouded in mystery, inviting you to put on your detective hat and plunge into the depths of their haunting, hypnotic world.

“Musically, the album feels like an interpretive dance to me,” says Tom Murray. “A reaction to overwhelming anxiety and frustration – while also mirroring and grappling with this ridiculous anxious age we are living in. Lyrically, consciously, and subconsciously, the themes of loss, frustration and fear are I think clearly on display – with anger, disbelief and a realization of a total lack of control or even influence beyond what we could exert on the instrumentation.”

“The music and the animations that support it explore outrage, powerlessness – and the knowing kind of sorrow that emerges from those states of mind – often in bursts of absurdity,” says Cheryl Gelover, who first her bandmate through experimental film and animation classes. “Being aware of the ridiculous often feels like salvation.”

“We tried to use only the first takes of any performances or musical ideas as much as possible,” says Murray. “Vocals were recorded in one or two takes in almost every case. We wanted to make everything about the groove and the song. We wanted to not be tempted to use instrumentation we are already comfortable with. I think this lack of control and slight on-edge process pairs well with the music and lyrics.”

In the realm of animated music videos, Tulipomania is ripping up the rulebook, crafting visuals that are as mind-bendingly inventive as they are drop-dead gorgeous.  Then and Only Then is a seamless fusion of fresh and vintage footage, meticulously shot frame by laborious frame and layered onto sheets of black paper. This short hit the screens at the CutOut Fest International Festival of Animation and Digital Art: a testament to Tulipomania’s knack for melding throwback techniques with storytelling prowess.

You Had To Be There explores the genre futher, animating torn pieces of paper on black background in a Dadaist extravaganza.

Dreaming of Sleep is available digitally from fine music platforms, including Spotify, Apple Music and Bandcamp, where it can also be obtained on CD and vinyl.

Dreaming of Sleep by Tulipomania

Dreaming Of Sleep, wrapped in the visually striking cover art by Michael Speed of Beggars Group London, marks a significant collaboration with legendary executive producer Howard Thompson. Known for his work with icons like Adam and the Ants, Billy Bragg, MC5, Motörhead, PiL, Psychedelic Furs, Robyn Hitchcock, The Sugarcubes, and Suicide, Thompson brings his rich legacy to the band’s sound.

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The post Listen to Philadelphia Art Rock Duo Tulipomania’s “Dreaming of Sleep” LP appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

  With a full-length debut album on the horizon, London-based electro/hip-hop artist Lynks has revealed the “CPR” single. As the fourth taste of what Abomination has to offer, the song sees Lynks collaborating with PVA’s Josh Baxter to address those who create a sense of vulnerability to appeal to “men with savior complexes,” drawing on […]

Source: EBM.gr

Mit “Dying World” wird in einigen Wochen das neue Album der Thrash Metal-Band FULL ASSAULT erscheinen. Es ist nach “Forgotten Blood Tales” (2012) und “War Blooded” (2017) das dritte Album des Trios aus Schwerin.

“Dying World” wurde mit einem Cover-Artwork von Roberto Toderico ausgestattet und wird am 9. Februar 2024 via Iron Shield Records erscheinen. Vorab gibt es zu “All Hope is Gone” ein Lyric-Video.

FULL ASSAULT “Dying World” Tracklist
01. Final Dawn Of Light
02. Edge Of A Collapse
03. Victory
04. Signs Of The End
05. All Hope Is Gone (Lyric-Video bei YouTube)
06. Planet Grave
07. Never Hesitate…Eradicate
08. Apocalyptic World
09. Piece of Cloth

Source: Vampster

Die norwegischen Gothic und Symphonic Metal Pioniere TRAIL OF TEARs haben beim griechischen Plattenlabel The Circle Music einen vielseitigen Vertrag unterzeichnet. Das Label wird die erste neue Musik der Band seit über einem Jahrzehnt veröffentlichen, beginnend mit der EP „Winds of Disdain“, gefolgt von einem neuen Album in voller Länge.

„Winds of Disdain“ wird am 24. Mai 2024 auf CD, Vinyl und in digitaler Form veröffentlicht. Die Vinylformate umfassen marmoriertes rot-schwarzes Vinyl und marmoriertes blau-schwarzes Vinyl. Vorbestellungen sind ab sofort über The Circle Music möglich: https://bit.ly/TrailofTearsWindsofDisdain

The Circle Music wird außerdem zum ersten Mal alle sieben bisherigen Alben der Band auf Vinyl veröffentlichen, beginnend mit dem kultigen Debüt „Disclosure in Red“ von 1998.

Ronny Thorsen, Gründer und Sänger von Trail of Tears, kommentierte die Vertragsunterzeichnung wie folgt: „Nach einer extrem herausfordernden Zeit mit der Pandemie und verschiedenen Rückschlägen sind wir endlich bereit, die Ergebnisse unserer Arbeit seit der ersten Ankündigung unserer Rückkehr im Jahr 2020 zu teilen.

 

Source: Amboss-Mag.de

Die Melancholic Metal-Band GARDEN OF STONE hat mit “Idol of Flesh” eine zweite Single ihrer kommenden EP “Tides of Decay” veröffentlicht. Es wird der erste Release der Finnen sein und wird – mit einem Artwork von Noora Khouya – am 15. Februar 2024 erscheinen. Als ersten Vorab-Track gibt es auch “Hymn of a Dead Man Pt.1” zu hören.

“Der Text zeichnet ein Porträt, in dem Gleichgültigkeit und aufkeimende Wut inmitten von Langeweile und Verzweiflung zu sehen sind”, erklärt Bandgründer Jere Mäntysalo.

GARDEN OF STONE sind Gitarrist Jere Mäntysalo, Sänger Jesse Salo, Bassist Kalle Hänninen, Gitarrist Ville Penkari und Drummer Matias Rokio (AMONGST THE ASHES, ERASE THIS EARTH, SARGASSUS).

GARDEN OF STONE “Tides of Decay” Tracklist
01. Hymn of a Dead Man Pt.1 (Audio bei YouTube)
02. Idol of Flesh (Lyric-Video bei YouTube)
03. Seeker of Salvation
04. Hymn of a Dead Man Pt.2

Source: Vampster

Die Blackened Death Metal-Band PRIMORDIAL BLACK wird in wenigen Tagen ihre neue EP “Monas Hieroglyphica” veröffentlichen. Es ist der erste Release des tunesischen Quartetts, welches aus Sänger und Gitarrist Mahammedi Bouzina Yasser, Drummer Ben Hadida Mohamed, Gitarrist und Bassist Chaaben Walid sowie Bassist Gharselaouii Dalii besteht.

“Monas Hieroglyphica”, das von Yas Omri im SilverSteel Studio gemixt und gemastert wurde, wird am 12. Januar 2024 via M&O Music erscheinen.

PRIMORDIAL BLACK “Monas Hieroglyphica” Tracklist
01 – “Atrocity Guides”
02 – “The Worm that Gnaws at Night” (Video bei YouTube)
03 – “Only Death is Real” (Lyric-Video bei YouTube)
04 – “Monas Hieroglyphica”

Source: Vampster

NIGHT CROWNED schmeißen mit “Tales” ihr drittes Full Length-Album auf den dunklen Markt des melodiösen Death / Black Metals schwedischer Prägung. Stilistisch sind sich die Göteborger seit der Gründung 2016 treu geblieben und trotz dem G-Reizwort fällt ihre Mucker wesentlich weniger süßlich-melodiös aus als was man von neueren GBG-Melodeath-Truppen gewöhnt sein dürfte. Auch die Produktion fällt rauer aus – abgesehen von den teilweise unsäglich künstlich klingenden Nähmaschinendrums geht sie noch knapp in Ordnung. 

NIGHT CROWNED und der Black Metal-Topf
NIGHT CROWNED schöpfen trotz dieser produktionstechnischen Blösse aus dem Vollen – und am liebsten tüchtig aus dem Black Metal-Topf. In “Old Tales” verirren sie sich nämlich zum Album-Abschluss noch rasch in die Gefilde alter CRADLE OF FILTH-Zeiten, was überrascht, dass sich eigentlich seit 2010 irgendwie nie mehr jemand in Richtung Britenvampire zu verirren scheint (und ja, seien wir ehrlich, die Ära der CRADLE-Kopisten war keine einfache Zeit, egal wie wir sie verdrängen mögen). Wenn NIGHT CROWNED jedoch gezielt und gekonnt zu Clean Vocals-Passagen greifen, dann kommen Erinnerungen an SCAR SYMMETRY oder die genialen SVAVELVINTER auf. Und diese Passagen, ja, die können NIGHT CROWNED, wie etwa das eingängige “Loviatar” beweist. 

Rau und doch poetisch
Über “Tales” hinweg loten NIGHT CROWNED elegant die Grenzen zwischen poetisch und rau aus. Akustische Parts (wie in “Flickan som försvann”) haben in ihrer düsteren Melodic Black / Death Metal-Welt genau so Platz wie schnellere, ruppige Passagen. Alles in allem ist “Tales” ein gutes Album, dem lediglich noch der Überflieger-“Hitsong” fehlt, der es wirklich unverzichtbar machen würde. Diese Inspirationsschatz müssen NIGHT CROWNED noch finden – und es spricht vieles dafür, dass sie dies werden.  

Veröffentlichungsdatum: 10.11.2023

Spieldauer: 42:47

Label: Noble Demon

Website: https://nightcrowned.bandcamp.com

Line Up
P. Eldor Petterson – Bass
H. Liljesand – Gitarren, Keyboards
J. Jaloma – Drums
J. Eskilsson (CIPHER SYSTEM) – Gitarren (Lead), Vocals (Clean)
K. Romlin – Vocals

GastmusikerInnen
Jens Rydén (THYRFING) – Vocals in Track 1
Therése Thomsson – Vocals in Tracks 2 und 7

NIGHT CROWNED “Tales” Tracklist
01. De Namnlösa (feat. Jens Rydén) (Lyric-Video bei YouTube)
02. She Comes At Night (feat. Therése Thomsson)
03. Nattramn
04. Loviatar
05. Flickan Som Försvann (Video bei YouTube)
06. Strandvaskarens Hymn
07. Lupus Luna (feat. Therése Thomsson)
08. Old Tales

Source: Vampster

Ein unschlagbares Angebot: Sonic Seducer abonnieren, Gratisticket für das M'era Luna 2024 sichern und zusätzlich eine CD-Prämie abstauben! Aktuell im Angebot: teils limitierte und signierte Alben von u.a. Diary Of Dreams, Gothminister, Combichrist, Solar Fake, Leaves' Eyes, Then Comes Silence, Joachim Witt, Funker Vogt, Hell Boulevard, Lord Of The Lost, Within Temptation, Lacrimosa, In Strict Confidence, Oomph! und mehr!

Source: Sonic Seducer

Tracy Hurley Martin, die langjährige Ehefrau von Vince Clark, ist tot.

Source: Sonic Seducer

Die Symphonic Metal-Band EXIT EDEN um Clémentine Delauney (VISIONS OF ATLANTIS), Anna Brunner (LEAGUE OF DISTORTION) und Marina La Torraca (PHANTOM ELITE) hat ihr zweites Studioalbum mit dem Titel “Femmes Fatales” angekündigt. Darauf enthalten sind sowohl Eigenkompositionen als auch Cover-Stücke. Mit dem Titelstück “Femme Fatale” gibt es einen weiteren Vorgeschmack als Clip bei YouTube.

Die Neuinterpretation des JOURNEY-Hits “Separate Ways” gibt es ebenfalls in Bild und Ton bei YouTube.

Die erste Single “Run!” steht auch als Video bei YouTube bereit. Als Gastsänger ist außerdem Marko Hietala (ex-NIGHTWISH) zu hören; geschrieben wurde das Stück von Anna Brunner und Hannes Braun (KISSIN’ DYNAMITE). Die Band kommentiert:

“Wir sind zurück und freuen uns sehr, EXIT EDEN noch einmal vorzustellen, beginnend mit der Single ‘Run!’ – unserem allerersten Originalsong überhaupt. Darin ist der legendäre Marko Hietala (ex-Nightwish) zu hören, was für und die größte Ehre ist! Dies ist nur eine der vielen Facetten unseres neuen Albums ‘Femmes Fatales’, und wir können es kaum erwarten, sie alle mit euch zu teilen.”

“Femmes Fatales” wurde von Hannes Braun produziert und erscheint am 12. Januar 2024 via Napalm Records auf CD; Vinyl sowie digital. Das Mastering übernahm Jacob Hansen.

EXIT EDEN “Femmes Fatales” Tracklist

Femme Fatale (Video bei YouTube)
It’s a Sin
Run! (feat. Marko Hietala) (Video bei YouTube)
Separate Ways (Video bei YouTube)
Buried in the Past
Désenchantée
Dying in my Dreams
Poison
Alone
Hold Back Your Fear
Kayleigh
Elysium

EXIT EDEN Line-up 2024
Clémentine Delauney
Anna Brunner
Marina La Torraca

Source: Vampster

Out later this month via Twilight Records is a reissue of the legendary debut album by the Canadian darkwave act Handful Of Snowdrops. The debut from this Québec-based band will be available on CD for the first time in nearly 15 years.

Handful Of Snowdrops were originally active between 1984 and 1993 and released 3 albums, before they dismantled. In 2015 the band re-united in reduced format, and released the album “III”, that was followed by another two albums and a number of singles and Eps.

This reissue contains not only all original album tracks (from the 1988 release out on the short-lived Montreal independent label LiSP Records) in newly re-mastered sound quality, but also 6 additional demo tracks, including 2 never-before-released demos from the very early days (1985) of the band: “Face to Face” and “The Keep”.

Related newsDawn + Dusk Entwined unites 'Fin de siècle' releases on a 19 tracks albumThe tracks on this album find their origins in 1986 when the band (Michel Mercier, Jean-Pierre Mercer, Christian Lefebvre and Michel Plamondon) recorded a four-track demo, containing what would to become their most famous song, “Gabrielle”. These four tracks were the basis for their debut album “Land of the Damned”. Their editor would later take this recording to New York City, where he met with Woodrow Dumas of Louisiana’s C’est La Mort Records (Controlled Bleeding, Area), who offered to re-release “Land of the Damned” in the U.S. two years later.

Watch the video for “Gabrielle” below.

Source: EBM.gr

Mit "Femme Fatale hat die Symphonic-Metal-Supergroup Exit Eden (bestehend aus Mitgliedern von Visions of Atlantis, League of Distortion und Phantom Elite) eine letzte Vorab-Single vom kommenden Album "Femmes Fatale" ausgekoppelt. Mehr Infos und das Video hier!

Source: Sonic Seducer

Distortion Productions has announced the signing of Vermont/NYC goth pop band, Metamorph. The label will release the brand new full length album, “HEX” on March 8th, 2024 with a remix from Grendel.

Label owner, Jim Semonik first recalls meeting Metamorph’s Margot Day at The Unconvention in 2022: “I immediately got a friendly vibe from her and knew there was something special going on. My interest was peaked. Her collaboration with Erik Gustafson makes this a no-brainer. You guys are gonna love this project!”

“HEX” will be available on CD and also on all major digital platforms on March 8th.

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Margot Day, who was an integral part of the 80’s NYC goth scene while fronting The Plague with drummers Nick Ferrell (Spahn Ranch) and Damian (Misfits). She was actually also bandmates with Adam Yauch of the Beastie Boys in her first band, Slow Walk 13 and later with Joey Smur Kryzwonski (Motograter) in her project, Sacred. In Metamorph she is joined by Kurtis Knight and Thaliana.

Source: EBM.gr

Mit “Veneration” wird in einigen Wochen das neue Album der Death Metal-Band VIRCOLAC erscheinen. Es ist nach “Masque” (2019) das zweite Album der Iren aus Dublin.

“Der Titel des Albums stammt von vielen einsamen Wanderungen durch eine uralte Landschaft, bei denen man steinerne Monumente aus einer längst vergessenen Vergangenheit sah, die zur Verehrung der Toten errichtet wurden. Als Nation, in der die Verehrung ein wesentlicher Bestandteil des täglichen Lebens der Menschen ist und die Vergangenheit ein Ort ist, an dem die Toten zu den Lebenden stoßen, wurde die Frage gestellt: Wer wird uns verehren? Was haben wir getan, um eine Verehrung (“Veneration”) zu rechtfertigen?”

“Veneration” wurde gemeinsam mit Shaun Cadogan aufgenommen und gemixt und wird am 23. Februar 2024 via Sepulchral Voice Records erscheinen.

VIRCOLAC sind Gitarrist und Bassist Brendan McConnell, Drummer Colin Purcell (Ex-CRUACHAN) sowie Sänger Darragh O’ Laoghaire. Bei den Aufnahmen war auch noch Jason Keane (COSCRADH, SACRILEGIA) Teil der Band.

VIRCOLAC “Veneration” Tracklist
1. The Lament (I Am Calling You)
2. Veneration
3. Unrepentant
4. Our Burden of Stone on Bone
5. All Comes to Pass, Nothing Shall Remain
6. Reflection
7. She is Calling Me (I. War II. Death III. Redemption)

Source: Vampster

Xmal Deutschland, German post-punk pioneers, exhibited a voracious and unyielding approach throughout the 1980s. Their aesthetic, marked by flamboyant hairstyles and heavy, kohl-rimmed eyes, mirrored the dual nature of their music—imbued with both a relentless energy and a certain finesse. This duality enabled them to transcend the boundaries of the “Neue Deutsche Welle” movement, setting them apart from contemporaries such as DAF and Einstürzende Neubauten. Their emergence was crystallized with the release of the ‘Incubus Succubus’ single in 1982. That very year, a seminal performance in London, opening for the Cocteau Twins, catapulted them into the embrace of an eager, avant-garde audience, typified by torn fishnets and a thirst for the unconventional.

In punk’s audacious departure from traditional mores, Xmal Deutschland found a haven for their anti-establishment inclinations, a world remote from the rigid conventions of bygone eras. Emblematic of punk’s ethos, the band’s members—Caro May, Rita Simon, Manuela Rickers, Fiona Sangster, and Anja Huwe—ventured into music without the trappings of prior experience. Their initial foray into recording, with the single Schwarze Welt, was marked by an unexpected shift: Rita Simon, who was set to take the helm as lead vocalist, was absent on the day of recording. This twist of fate propelled Anja Huwe, originally the bass player, to the forefront as the lead singer, a role she accepted, albeit with reservations.  “The only condition from my side [was that] I will never perform onstage,” she reflects. “Two months later, they made me without ever telling me up front. I had no choice.”

Photo: Jan Riephoff
The characterization of Xmal Deutschland primarily as a female ensemble—a notion later playfully amended with the inclusion of Wolfgang Ellerbrock, who became the group’s lone male counterpart—gained momentum within the circles of media, a fascination propelled as much by their visual appeal as by their musical prowess. “We were like paradise birds,” Huwe wryly remembers. “We as girls, especially being creative in many ways, ignored facts like: be nice, be polite, take good care about your looks. Of course, we wanted to look good but in a different and unconventional way. We were enough for ourselves.”

Following Xmal Deutschland’s distinguished run, marked by four albums released under esteemed labels like 4AD, Anja Huwe shifted her creative focus, leaving the musical stage to delve into the realm of visual arts. However, this transition did not mean an effortless departure from her musical legacy; the echoes of her past endeavors lingered.

“Since the split in the early 1990s, I have been haunted by the ‘Legend of Xmal Deutschland’ and never-ending requests from all over the world, all of which I always turned down,” she says.

Finally, however, the persistent clamour for reissues has met a resonant response. Sacred Bones Records announces with palpable enthusiasm two simultaneous releases: a reissue of Xmal Deutschland’s ‘Early Singles,’ enriched with two bonus tracks, and the inaugural solo album from Anja Huwe, titled ‘Codes.’ These records are slated for a concurrent release on March 8th, 2024,

Early Singles (1981-1982) is a map of their foundational movements, just seconds before takeoff. The band’s pursuit of something greater is palpable with this release, a reflection of a time that introduced accessibility to new means of making music following the onset of punk. This reissue includes two bonus tracks; Kaelbermarsch (originally from the compilation Lieber Zuviel Als Zuwenig) and a gritty live version of Allein (originally from the compilation Nosferatu Festival), which is shared online today along with a video montage of footage from this era of the band’s career.

The Schwarze Welt seven-inch was released on the local punk label, ZickZack, in 1981 and introduced the band as an unsettling swarm of intensity. There’s an urgency in its repetitive dirge, a swirling mania that persists on the b-side with Die Wolken and Großstadtindianer, whose crude synthesiser noises escalate in tension. Most of all, Huwe’s uniquely venomous German vocals quickly became embedded in the unbridled and burgeoning scene of glamorous gloom.

Anja’s debut solo album Codes, a pleasant surprise, emerged following an invitation from her long-standing friend, Mona Mur. Huwe, reevaluating her extended sabbatical from the music scene, decided to collaborate with Mur in her Berlin studio. Over eighteen months, the duo meticulously crafted, performed, and produced the tracks that would culminate in ‘Codes.’ A critical element of the album’s distinctive sound came from the involvement of Manuela Rickers, who infused it with her renowned guitar style. This partnership was marked by a shared artistic vision and mutual understanding.

“Mona and I have a similar artistic background since the 1980s,” says Huwe. “We hung out together, and we sport a similar attitude towards life and art. We don’t have to explain ourselves to one another.”

Mur adds: “Anja’s voice is like a spear, her appearance a torch in the darkness.”

Initially inspired by the diary entries of Moshe Shnitzki, who, at the age of 17, left his home in 1942 to live in the cavernous White Russian forests as a partisan, Codes is about the human experience and what extremes can do to an individual. “The result is a poetic, musical cosmos that encompasses the following themes: forest, fear, pain, loss, violence, and loneliness but also beauty, longing, hope and the will to survive,” Huwe explains.

The thematic extremities cause an erraticism to ‘Codes’—a passing thunderstorm, a cyclonic burst of nature’s force—but one that exudes anticipation amidst the chill. With elegant production by Mur and Huwe and mixing and mastering by Jon Caffery (Joy Division, Gary Numan, Einstürzende Neubauten) epic builds crash and disseminate, the sleek synthesised drones of sound even feel claustrophobic at times.

Along with the announcement today, she shares the frenzied Rabenschwarz, which, with Rickers’ hypnotic apocalyptic guitars, Mur’s agitated and distinctive electronic sounds and beats, forged together with Huwe’s unmistakably energetic and expressive vocals, hits you in the face

Pre-order Early Singles (1981-1982) here. Pre-order Codes here

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Source: Post-Punk.com

Die Doom / Black Metal / Darkwave-Band PONTE DEL DIAVOLO hat mit “Fire Blades From the Tomb” ein neues Album angekündigt. Es ist das erste Album der Italiener aus Turin, die davor drei EPs veröffentlicht haben. Reinhören ist nun mittels der zweiten Single “Covenant” bei YouTube möglich.

“Fire Blades From the Tomb” wurde von Danilo Battocchio (LAST MINUTE TO JAFFNA) produziert und von Dimitrios Douvras (FUNERAL REVOLT) gemixt und gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Bassistin Laura Nardelli. Erscheinen wird das Album am 16. Februar 2024 via Season of Mist. Vorab gibt es mit “Demone” darüber hinaus einen weiteren Video-Clip.

PONTE DEL DIAVOLO sind Sängerin Elena Camusso, die Bassisten Alessio Caruso (LUM, FERALIA) und Laura Nardelli (BOTTOMLESS, ASKESIS), Drummer Stefano Franchina sowie Gitarrist Rocco Scuzzarella.

PONTE DEL DIAVOLO “Fire Blades From the Tomb” Tracklist
1. Demone – 5:00 (Video bei YouTube)
2. Covenant – 6:56 (Video bei YouTube)
3. Red as the sex of She who lives in death – 6:20
4. La razza – 8:02
5. Nocturnal veil – 5:16
6. Zero – 5:25
7. The weeping song – 5:33

Source: Vampster

Die Punk / Hardcore-Band AGONISTA hat mit “Grey and Dry” ein neues Album angekündigt. Es ist das erste Album der internationalen Band aus Mexiko und den USA, deren Lyrics auch in Spanisch und Englisch sind.

“Wir leben in einer Zeit, in der die Mainstream-Nachrichten scheinbar unaufhörlich das Feuer der Fremdenfeindlichkeit schüren. Immer wieder wird die Angst geschürt, dass hungrige Horden von Migranten und Asylbewerbern über die durchlässige Grenze strömen und bereit sind, dich zu vergewaltigen, zu plündern, deine Arbeit zu stehlen und deine Kinder mit Fentanyl vollzupumpen”, erklärt die Band, welche eine Brücke zwischen Tijuana und San Diego schlägt.

“Grey and Dry” wurden gemeinsam mit Patrick Alexander im Cacho Estudio in Tijuana aufgenommen und gemixt und von Brad Boatright gemastert. Erscheinen wird das Album (als LP) am 8. März 2024 via Armageddon Label.

AGONISTA “Grey and Dry” (Stream bei Bandcamp)

AGONISTA “Grey and Dry” Tracklist
1. Larvas
2. Grey And Dry
3. Abuse Diffuse
4. Eyes Of Despair
5. Bazofia
6. MMXXIII
7. Medication
8. In Haste
9. Muertos
10. Wrecked Inside
11. MMXLlII

Source: Vampster

  Death, loss, and survivor’s guilt are sadly not uncommon themes in the electro/industrial music community, often stemming from processing life experiences and searching for meaning in the world. Such is the case with today’s release of Not Enough to Survive by I.X.XI, a symphonic death industrial project helmed by John Freriks. Best known for […]

Source: EBM.gr

Metal to the Core beim D.N.A. Fest Vol.2: Am Samstag, 27. Januar 2024 spielen DECREATE (Modern Death Metal), PROJECT HELIX (Metalcore Thrash) und TEXAS CORNFLAKE MASSACRE (Modern Metal) in Weil der Stadt.

Einlass ist um 18:30, der Eintritt kostet 9 Euro.

Anschrift:

Jugendhaus Kloster
Kapuzinerberg 1
71263 Weil der Stadt

Source: Vampster

Formed in 1970 by Ralf Hütter and the late Florian Schneider, Kraftwerk initially experimented with avant-garde approaches as an art collective. By the mid-1970s, they achieved fame with their innovative electronic style, influencing electro, hip-hop, and techno.

Kraftwerk’s lyrics intricately wove themes of post-war European urban life and technology, encapsulating experiences like car travels on the Autobahn, train journeys, and the use of home computers. Deeply influenced by the modernist Bauhaus aesthetic, they viewed art as fundamentally intertwined with daily life. Their lyrics, often minimalistic, skillfully balanced an innocent appreciation and a subtle caution regarding the modern world. This lyrical approach not only played a key role in the rhythm of their songs but also delved into the paradoxes of modern urban existence.

Kraftwerk’s songs frequently highlighted the simultaneous sense of alienation and the joy that modern technology brings, presenting a complex, multifaceted view of contemporary life. Their use of synthesizers and drum machines, in turn, revolutionized music. In 2019, Kraftwerk were nominated into the Rock and Roll Hall of Fame, and were finally inducted in 2021. Marking half a century of their sublime pioneering electronic soundscapes, the iconic German ensemble are set to electrify Los Angeles with a groundbreaking nine-show residency at the Walt Disney Concert Hall, the esteemed home of the LA Philharmonic. This monumental event at the end of May celebrates 50 years of Kraftwerk’s revolutionary presence.

Each of the first eight nights promises a deep dive into Kraftwerk’s influential discography, showcasing one of their seminal albums – a journey from the groundbreaking rhythms of 1974’s Autobahn to the pulsating beats of 2003’s Tour de France. It’s an unprecedented opportunity for fans to experience the evolution of electronic music, narrated live by its very pioneers.

The residency’s finale, on the ninth night, is poised to be a spectacular ode to Kraftwerk’s enduring legacy. Attendees can expect a curated selection spanning the band’s illustrious career. Complementing the full album performances, each concert will also feature a secondary setlist, offering a broader exploration of Kraftwerk’s rich catalogue.

Tickets go on sale Thursday, January 11 at 10 AM Pacific. Presales start Wednesday at 10 AM Pacific. For all ticket info, visit here.

Here is the full schedule:

Tuesday, May 21, 2024, at 8PM – Autobahn
Wednesday, May 22, 2024, at 8PM – Radio-Activity
Thursday, May 23, 2024, at 8PM – Trans Europe Express
Friday, May 24, 2024, at 8PM – The Man-Machine
Saturday, May 25, 2024, at 8PM – Computer World
Sunday, May 26, 2024, at 7PM – Techno Pop
Tuesday, May 28, 2024, at 8PM – The Mix
Wednesday, May 29, 2024, at 8PM – Tour de France
Thursday, May 30, 2024, at 8PM – Finale with compositions from the entire catalogue

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Source: Post-Punk.com

Mit „Durch die Schatten“ veröffentlichen Vera Lux am 16.02.2024 ihr zweites Studioalbum. 10 Tracks mit deutlich gereiftem Sound und bewegenden Texten helfen den Hörern dabei, schweren Zeiten...

Source: MedienKonverter

Mit "Roadtrip" haben Black Nail Cabaret eine weitere Single vom kommenden Album "Chrysanthemum" ausgekoppelt. Mehr Infos und den Track gibt es hier!

Source: Sonic Seducer

Genre/Influences: Dream-Pop, Shoegaze.

Format: Digital, CD, Vinyl.

Background/Info: Estonian formation Pia Fraus has been active since the late 90s and this year (self)released their seventh full length album.

Related newsPia Fraus – Now You Know, It Still Feels The Same (Album – SekSound Record Label)Content: The band remains driven by the beauty of Dream-Pop and shoegaze music. Wafting, fuzzy, guitar playing and female vocals create a delicious match which has been totally achieved by drums and synths.

+ + + : If you’re into Dream-Pop and Shoegaze you definitely gone like the new Pia Fraus. It sounds evasive while composed with a great delicacy. I prefer the second part of the work but especially “Regret Everything” is a phenomenal piece for the way it progressively evolves. There also is a harder rhythm running through this song.

– – – : A few songs remain a bit too evasive for my taste, becoming a little less soporific after a while.

Conclusion: Pia Fraus remains a great ambassador of Shoegaze/Dream-Pop music which is again illustrated by this new opus.

Best songs: “Regret Everything”, “Another Artichoke”, “Confidential Information”, “Cloud Winterland”.

Rate: 7½.

Artist: http://www.facebook.com/piafrausband    

Label: http://www.seksound.com / http://www.facebook.com/seksound

Source: EBM.gr

Mit “Mutatio” wird am 2. Februar 2024 via Boersma-Records das neue Album der Deutschrock-Band UNBELEHRT erscheinen. Es ist nach “Ohne Gottes Segen” (2015) und “Narben der Zeit” (2017) das dritte Album der Deutschen

UNBELEHRT “Mutatio” Tracklist
01- Mutatio
02- Wir schlagen wieder zu
03- Modern so geht die Welt zu Grunde
04- Schmetterlinge
05- Auf gehts
06- Neustart
07- Leckt uns am Arsch
08- Mein Mensch
09- Mein letzter Brief
10- Komm lass uns fliegen
11- Trinklied
12- Sternenkind

Source: Vampster

Die britische Hard Rock-Band LITTLE VILLAINS hat mit “Café De Stam” ein neues Album angekündigt. Es ist das fünfte Album der einst von Philthy Animal Taylor (Ex-MOTÖRHEAD), der 2015 verstorben ist, und James Alexander Childs (AVON) gegründeten Band. Heute gehören der Band außer Childs noch dessen Neffe Owen Childs und Chris Fielden an.

“Café De Stam” ist nach einem Venue im belgischen Paal benannt, dessen Barinhaber Guy Baptist auch auf dem Album-Cover mitsamt der Band abgebildet ist. Erscheinen wird das Album am 29. März 2024.

LITTLE VILLAINS “Café De Stam” Tracklist
1. Café De Stam (Audio bei Bandcamp)
2. Rocking Horse Shit
3. Piece by Peace
4. Ian Maiden
5. Gattling Gun
6. Gobsmacked (Audio bei Bandcamp)
7. The Man From Du Monte
8. Lidl Villains
9. Run You Through
10. Half Past Dead (Audio bei Bandcamp)

Source: Vampster

Was für ein Jahr! Viele Erlebnisse, interessante Begegnungen und Abenteuer, aber auch Enttäuschungen, Schicksalsschläge im Freundeskreis und das Gefühl, nach Atem ringen zu müssen, ausgebrannt zu sein, um dann doch weiterzumachen. Und wiederkehrende Selbstzweifel: zum Beispiel, ob ich über Musik etwas zu sagen habe, ob hier Fähigkeiten und Verständnis nicht begrenzt sind, ob ich nicht vielleicht sogar mal selbst Musik machen wollte (auch hier ist das Können, nun ja, überschaubar, trotz ständiger Melodien und Ideen im Kopf). Für VAMPSTER habe ich vergleichsweise wenige Rezensionen geschrieben, die meisten, wie immer, viel zu lang (ich bin der Marathonläufer unter den Rezensenten). Auf einige bin ich stolz (FVNERALS, BARONESS), andere halte ich für höchst verzichtbar. Aber der Antrieb bleibt: Wer über Musik schreibt, ist auch Missionar, will mitteilen, dass man das und das Album unbedingt hören sollte – oder eben nicht. Wer über Musik schreibt, ist Besserwisser und Therapeut, ist Vermittler, manchmal ein Idiot (auch aus Sicht der Interpreten), ist dem Leser und der Leserin ein guter oder erbärmlich schlechter Liebhaber. Was auf meiner Bestenliste landet, ist auch geprägt von Stimmungen und Emotionen: Vielleicht erklärt das, weshalb hier überraschend viele ruhige und melancholische Alben zu finden sind, die ich, wie in den letzten Jahresrückblicken auch, sehr ausführlich vorstelle.

Die Jahrgangsbeste: Monika Roscher Bigband: Witchy Activities and the Maple Death

Monika Roscher ist ein Phänomen. Um einen Chuck-Norris-Witz abzuwandeln: Welche Stilrichtung spielt Roscher? Die Antwort: Alle, und zwar gleichzeitig. Seit die Münchner Komponistin, Bandleaderin, Sängerin und Gitarristin 2012 auf der Bildfläche erschien, hat sie einen Sound entwickelt, von dem man ohne Übertreibung sagen kann: „So hat man das noch nicht gehört“. Von Jazz und Krautrock nimmt sie die Improvisation und den musikalischen Wahnwitz, von der Klassik die Präzision und den Formwillen, von der Weltmusik die Buntheit, von Math Rock, Djent und -ja!- auch Metal die Härte. So gestaltet sie schillernde musikalische Panoramen, die so schön wie abenteuerlich sind, von der Form her offen, virtuos und überraschend.

Auf ihrem dritten Output „Witchy Activities and the Maple Death“ zeigt sie all das in fast überlebensgroßer Perfektion. Sieben Jahre hat sie sich seit dem letzten Album Zeit gelassen – und ein Werk geschaffen, das bis ins kleinste Detail liebevoll ausgearbeitet und zuweilen schlicht atemberaubend ist. Ein wilder Ritt auf dem Besen, eine Entdeckungsreise. Selbst FRANK ZAPPA sitzt auf seiner Wolke und staunt. In Roscher findet er eine uneheliche Tochter im Geiste.

Das Geheimnis ihres Sounds: Tatsächlich steht Roscher einer klassischen Big Band vor. Das 18köpfige Ensemble erweitert die Möglichkeiten und schafft Klangräume, die einer Rockband für gewöhnlich verschlossen bleiben: opulente, bombastische Klänge, wilde Rhythmen und widerstrebende Strukturen. Aber auch leise Momente, Melancholie, verführerische Sinnlichkeit. Man höre sich an, wie sie den Opener “8 Prinzessinnen” eröffnet: Bläser und Percussion schaffen einen nervös schreitenden Rhythmus, der an Morsezeichen erinnert, aber auch an Hollywood-Soundtracks, ihre einsetzende Stimme, mehrfach übereinander geblendet, hat etwas Entrücktes und Geheimnisvolles. Für den Text ließ sich Roscher von einer Zeitungsschlagzeile inspirieren, die sie nutzt, um einen eigenen Mythos zu schaffen. Acht Prinzessinnen stehen vor Gericht, sie wollten das nördliche Licht stehlen, aber auch aufbegehren gegen die Vergänglichkeit der Schönheit, den körperlichen Verfall: Am Ende des Songs verglühen sie, werden Teil schwarzer Materie, und haben doch eine ungebändigte Energie freigesetzt: “Entropy has grown“. War ihr Aufbegehren vergeblich? Neun Minuten nimmt sich Roscher Zeit, um diese Geschichte zu erzählen, sie lässt Bläser und Streicher mal schwer und bedrohlich anschwellen, dann wieder majestätisch schreiten, das Piano hämmert hart und monoton, komplexe Rock-Rhythmen wechseln in Klezmer-Tanz. Ihre Musik lebt von wechselnden Stimmungen und Dynamiken, und wer sie als Musikjournalist einfangen will, braucht ein Skalpell statt einer Tastatur.

Das alles klingt absolut zeitgemäß, was man bei dem Begriff “Big Band” dem Klischee nach nicht erwarten darf. Ja, kein Witz: Zerhackte und stakkatoartige Akkorde im MESHUGGAH-Stil lassen sich auch mit Bassklarinette und Trompete erzeugen. „Witches Brew“, dessen Titel nicht zufällig an MILES DAVIS erinnert, ist eine zwölfminütige Suite in sechs Sätzen, die Progrock, orientalische Harmonien, Klezmer und Klassik vereint. Wunderbar das Tenorflöten-Solo von Michael Schreiber. Und wer glaubt, dass bei der Vielzahl der Instrumente und Einflüsse alles auseinander fliegt, der irrt. Roscher ist nicht nur eine hochkompetente Arrangeurin, die ihren Musikern dennoch Raum zur Entfaltung lässt, sie schreibt auch großartige Songs. Eine sehnsuchtsvolle Hymne an die Nacht, wie sie “Starlight Nightcrash” darstellt, könnte auch auf einem Album von LANA DEL REY stehen: wenn das orchestrale Fundament auch mehr Schwere verleiht. Das ist Musik, die groovt, atmet, pulsiert und verführt. Album des Jahres? Na klar.

Beste Coming-of-Age-Platte: KIDS WITH BUNS: Out of Place

Oh mein Gott, wie ausgefeilt kann ein Debütalbum sein? Die beiden jungen Belgierinnen Marie Van Uytvanck und Amber Piddington machen auf ihrem Erstlingswerk „Out of Place“ gitarrendominierten Indie-Pop für einsame Seelen und gebrochene Herzen. Und sie machen so ziemlich alles richtig. Dieses Album bietet mehr bittersüße Momente als jede Zartbitter-Schokolade. Marie singt mit tiefer, androgyner Stimme, und Amber beherrscht auf ihrer Gitarre melodisch hallende Postpunk-Harmonien ebenso wie zurückgelehnte Akustik-Licks. Dass sie ihre Musik als „Bedroom-Pop“ bezeichnen, sollte ebenso wenig abschrecken wie die Tatsache, dass sie in ihren Texten – auch – Probleme des Erwachsenwerdens thematisieren. Der Sound ist warm und dicht, die Texte klug und mit starken Bildern, in denen sich auch ältere Generationen wiederfinden können. “The glass that I broke four weeks ago, it′s still on the floor/ It′s part of the room now I′m never gonna pick it up again“, singt Van Uytvanck in “Clutter”: Momente der Einsamkeit und des Selbstzweifels, wenn sich die eigene Wohnung langsam in eine fremde und unheimliche Umgebung verwandelt. Das Überraschendste an der Platte ist jedoch die Selbstverständlichkeit, mit der die beiden durchweg starke Songs präsentieren: Hier könnte man fast jeden Titel herausnehmen und auf die Playlist der geschmackvolleren Radiosender setzen. Wer auf den Gitarrenpop von AMY MACDONALD schwört, kommt hier ebenso auf seine Kosten wie Fans von Indie-Folk der Marke BOYGENIUS oder von wavigen Rockklängen. Und für alle, die THE ORGANs einzige Platte (2004) immer noch für das beste Album aller Zeiten halten, ist das hier ebenfalls ein sehr willkommenes Trostkissen!

Beste Bauchschmerz-Platte: DANIEL BLUMBERG: Gut

Ein Konzeptalbum über eine Darmerkrankung? Inklusive Furz- und Rülpsgeräuschen? Ich weiß, das klingt zunächst komplett bescheuert. Aber wer hier an Pennäler-Humor der Marke J.B.O. denkt, ist auf einer ganz falschen Fährte. Improvisierter Jazz, Marc Hollis und späte TALK TALK heißen eher die Referenzen. Daniel Blumberg, ein 33jähriger Künstler aus London, ist dafür bekannt, dass er allerlei Instrumente virtuos beherrscht und ein Konzert auch mal komplett improvisiert. Hier verarbeitet er eine schwere Krankheit, die ihn beinahe das Leben gekostet hat – doch es ist vor allem auch ein Album über den menschlichen Körper, seinen Verfall und seine Verletzlichkeit. Blumbergs Stimme ist schön und zerbrechlich, ein hohes und klares Organ von fast überirdischer Schönheit. „Gut“ hat er größtenteils in einem Take am Piano aufgenommen, später kamen Effekte, Schlagzeug und gedoppelte Stimmen hinzu. Er verweigert sich klassischen Songstrukturen, zerhackt die Songs mit wilden Rhythmen, streut kakophonischen Lärm. Ein Album voller Schmerz: Er wiederholt wenige Harmonien als wiederkehrende Litanei, wenige Worte als Sentenzen. Ja: Der Song „Body“, eine Lärmorgie mit Flatulenz, ist unhörbar, denn tatsächlich enthält der Song Rülpse und Furze. Das wurde doch hoffentlich nicht live eingerülpst und eingefurzt? Bei „Knock“ drischt das Schlagzeug so unerwartet in den Song hinein, dass man zur Anlage rennt und leiser stellt, damit einen die Nachbarn nicht wegen Folter verklagen. Ein Album, das man aushalten und vielleicht durchleiden muss. Und doch: Es ist keine Orgie des Schmerzes, die Blumberg uns hier präsentiert, es ist ein tröstendes, ein faszinierendes Album. Eines, das sich körperlich anfühlt, Herz, Hirn und Pulsschlag hat. Und, na ja: eben auch einen furzenden Darm.

Beste Comeback-Platte: WITCH: Zango

Es gibt Comebacks, die sind so unwahrscheinlich wie ein Sechser im Lotto, so unerwartet wie das plötzliche Auftauchen eines Superhelden in einer ausweglosen Situation. Fast 40 Jahre ist es her, dass WITCH (kurz für „We Intent To Cause Havoc“) ihr letztes Album „Lazy Bones“ veröffentlichten. In den 70er Jahren brachte die Band den Rock’n’Roll nach Sambia, ihr Leadsänger Emanyeo Chanda trug den Künstlernamen „Jagari“: eine Aneignung des Namens von Mick Jagger mit regionalem Akzent. Sie zählen zu den Begründern des Genres „Zamrock“, denn sie imitierten nicht einfach ihre Vorbilder, sondern übersetzten den Rock in ihre eigene Sprache. Sie spielten ihn mit afrikanischen Rhythmen und viel Funk im Sound, oft in großer Besetzung, mit wilder Percussion, hypnotisierenden Fuzz-Gitarren und so knallig bunt wie ihre Gewänder.

Dass WITCH nun wieder ein Album veröffentlicht haben, ist nicht allein aufgrund der langen Zeitspanne ohne Lebenszeichen ein kleines Wunder. Fast die komplette Band wurde vom AIDS-Virus hinweggerafft, Chanda zog sich aus dem Musikbusiness zurück und arbeitete erst in einer Edelstein-Mine, dann als Lehrer. Neben ihm ist lediglich Keyboarder Patrick Mwondela noch beteiligt, der aber auf keinem der bisherigen Alben zu hören war. Zwar gab es ausgehend von den 2010er Jahren ein neues Interesse an Zamrock in Europa, es gab eine Doku, Bootlegs wurden gehandelt und die Alben der goldenen Ära wiederveröffentlicht, Chanda spielte auch wieder live auf Festivals. Aber mit neuem Material war wirklich nicht zu rechnen.

Dann plötzlich ist „Zango“ da. WITCH klingen darauf wie keine andere Band im Moment. Sie klingen wild, sie klingen spritzig, sie klingen unglaublich lebendig. Sie ziehen einen hinein in einen Sog infektiöser Melodien, die bestimmte Grundmuster wiederholen, sich gängigen Songstrukturen entziehen und gerade deshalb eine süchtig machende Wirkung entfalten. „Zango“ funkelt wie ein Edelstein aus den Minen Sambias, nur bunter und wärmer. Das ist auch den vier neuen (und deutlich jüngeren) Mitmusikern zu verdanken, die vom europäischen Kontinent hinzustießen: Bassist Jacco Gardner und Schlagzeuger Nico Mauskoviç sind aus der niederländischen Psychedelic-Rock-Szene bekannt, letzterer von ALTIN GÜN. Beide haben das Album auch produziert. Gitarre spielen der Schweizer Stefan Lilov und der Münchner J.J. Whitefield.

Dieses Mehrgenerationenhaus baut eine Rakete. Kommt der Opener „By The Time You Realize“ zunächst noch etwas verhalten und gewöhnungsbedürftig daher, so schickt einen spätestens der zweite Song „Waile“ vollends in den Orbit. Stakkatohafte und entfesselte Rhythmen! Ein virtuos tanzender Bass! Zuckersüße Frauenchöre, in denen sich im Wechselspiel mit Chando das ekstatische Call-and-Reponse des Gospel spiegelt! Pluggernde Licks und harte Gitarrenriffs, die Funk und Afrobeat mit dem Proto-Metal der frühen BLACK SABBATH vermählen! Man müsste den Wortschatz erweitern, um wiederzugeben, was hier alles ineinanderfließt und gleichzeitig stattfindet. Und obwohl dies eine Zeitreise ist, wir uns mit dem DeLorean direkt in die 60er und 70er Jahre begeben, klingt das alles absolut zeitgemäß, zuweilen gar futuristisch.

Bei zwei Songs, dem entspannt groovenden 60s-Disco-Funk von „Unimvwesha Shuga“ und dem dubgetränkten Hammond-Orgel-Reggae von „Malango“, übernehmen mit Theresa Ng’ambi und Hanna Tembo zwei junge Vertreterinnen der sambischen Popkultur den Leadgesang. Das unterstreicht den Gemeinschaftsgedanken, der in der afrikanischen Yoruba-Tradition sehr präsent ist: Musik, die von Generation zu Generation weitergegeben wird. Gemeinsam wird musiziert und getanzt, in den Familien und bei Festen verschwimmen die Grenzen zwischen Interpret und Publikum. Musik gehört hier nicht der Band, sie ist als Gemeingut gedacht, als Einladung zum gemeinsamen Musizieren. Das spiegelt sich in den zahlreichen Kollaborationen auf dem Album, aber auch in den Texten Chandos, der sich mit seinen 71 Jahren als liberaler Geist entpuppt. In „Message from WITCH“ singt er über seine Musik: „Sie eint den Glauben/ besiegt die Fremdenfeindlichkeit/ die Hassrede/ beendet den Sexismus/ die Homophobie/ besiegt den Antisemitismus/ umarmt alle Rassen“.

Beste Selbsthilfe-Platte: TO KILL ACHILLES: Recovery

Metalcore muss aufpassen, nicht das Schicksal anderer jugendlicher Subgenres zu erleiden. Viele Bands drohen ins Formelhafte abzudriften: Breakdowns, harte Strophen und eingängige Refrains, dezente elektronische Spielereien: Die Standards sind bekannt. Die Schotten TO KILL ACHILLES zeigen auf ihrem zweiten Album „Recovery“ einen interessanten Ausweg auf: Sie mischen eine ordentliche Portion Screamo und Verletzlichkeit bei.

Dass Bands dieses Genres persönliche Krisen und soziale Probleme ihres Umfelds thematisieren, ist nicht neu. Doch die Art und Weise, wie Sänger Mark Tindal hier Songs über Alkoholismus und Sucht, gescheiterte Beziehungen, häusliche Gewalt und Perspektivlosigkeit durchleidet, hat eine eigene Qualität. Eine Mischung aus Schreien, heißerem Sprechgesang und rauen Ausbrüchen ist sein Markenzeichen, vorgetragen im Tonfall von Wut und Verzweiflung: oft hektisch und übersteuert, hart an der Schmerzgrenze. Hinzu gesellen sich Gitarren, die nicht nur stumpf vor sich hingrooven, sondern auch mal sehr rockig klingen, Nuancen setzen: oder, wie im berührenden „Blue“, melodisch schlingern und weinen. Die Texte sind sehr direkt und zuweilen schwer auszuhalten, zwischen Selbstanklage, Ohnmachtsgefühlen und eben Verzweiflung: „Ich kann stark sein / Ich kann freundlich sein / Ich kann alles sein, was ich verdammt nochmal sein will“, wütet Tindal im Opener „…and I’m An Addict“, nur um nachzuschieben: „Aber warum falle ich in das zurück, was ich bin / Ein Junkie, ein Süchtiger, ein Mann mit Komplexen, ich will es nicht!“ Es ist ein vertonter Kampf, dem wir hier beiwohnen, ein Kampf mit den eigenen Dämonen und der Zerwürfnissen dieser Welt.

Aber im Gegensatz zum zuweilen niederschmetternden Debüt von 2021 kommt ein neues Element hinzu: Hoffnung. Es ist ein Aufbäumen spürbar, ein inneres Brennen, und sind die Songs auch noch so verzweifelt, so weisen sie einen Ausweg auf. Im düster-klaustrophobischen „Cave“ singt Tindal am Ende: „Es ist nicht egoistisch, an sich selbst zu arbeiten/ Aber ich brauche trotzdem deine Hilfe/ Denn ich bin schon eine Weile hier drin gefangen/ Und ich muss dich immer noch lächeln sehen/ Und ich muss dich immer noch sagen hören, dass alles gut wird/ Und wenn es mehr Zeit braucht/ Dann ist das in Ordnung, denn ich werde es zum Licht schaffen/ Wenn du versprechen kannst, dass du da sein wirst“. Diese Hoffnung spiegelt sich auch in der Musik, die nun weniger harsch klingt, eingängige Hooks bietet – und zuweilen schöne Melodien. Schlagzeuger Kieran Smith steuert Klargesang bei, manch elegische Melodie schillert und funkelt. Sogar ein Saxophon-Solo ist zu hören. Wenn die Wut in der Sehnsucht nach Nähe, Verständnis und Zärtlichkeit mündet, ist das doch eine schöne Pointe – und weit entfernt vom Macho-Gehabe manch anderer Hardcore-Bands.

Beste Coitus-im-Nachtclub-Platte: STARBENDERS: Take Back The Night

Was macht eigentlich der Glam-Rock? Leute, was haben wir Idealisten des guten schlechten Geschmacks, die wir unsere T-REX- und CINDERELLA-Shirts noch immer mit leidlicher Würde tragen, in letzter Zeit ertragen müssen. Da kommen so Bands wie JOHN DIVA daher und downgraden die Musik mit biederer Hartmannskost auf Fernsehgartenniveau. Billige Posen, klischeehafte Texte und Produktionen, die mehr Plastik enthalten als so mancher Hochseefisch. Auch ich hatte manchmal das Bedürfnis, mein Fönfrisuren-Toupet in die Tonne zu werfen, aus dem Ganzkörper-Latexanzug zu schlüpfen und meinem musikalisch gebildeten Freundeskreis zuzurufen: „Ihr Götzen des Kontrapunkts, ab heute bin ich einer von euch!“ Fast hätte ich mir schon so einen Pinguinfrack gekauft, wie man ihn manchmal in Konzertsälen mit Kristalllüstern sieht.

Und dann – swooosh – kommt die Rettung. Sie kommt mit übersteuerten Gitarren, mit breitbeinigen Posen, mit Mitgröhlmomenten, mit Lust, Spielfreude und Sexappeal. Nein, nicht mit Sexismus, sondern ernsthaft mit Sexappeal. STARBENDERS sind eine Band, die 2013 in einem Suburb von Atlanta/Georgia gegründet wurde. Es ist die Stadt, in der die Coca Cola Company ihren Sitz hat, Geburtsstadt von Martin Luther King: und bekannt für ihre große LGBT-Community, Austragungsort der Atlanta Pride Parade. Ein ideales Pflaster für eine Band, die mit androgynen Images spielt, mit knallenger Lederkluft posiert und mit Glitzer: Schlagzeugerin Emily Moon ist auf manchen Bandfotos ebenso oberkörperfrei zu sehen wie Gitarrist Kriss Tokaji, die Brustwarzen nur mit Tape zugeklebt, alle Bandmitglieder tragen wallende Mähnen. Schon die Bandfotos verströmen viel Star-Appeal: und eine schwüle Erotik.

Wer wissen will, wohin es programmatisch geht, dem seien die Titel ihrer bisherigen Alben zitiert. „Heavy Petting“ hieß das Debüt von 2016, „Love Potions“ der Zweitling von 2020: Dass die Band ihre Musik als Aphrodisiakum versteht, liegt auf der Hand. Und auch der Titel des vorliegenden Albums, „Take Back The Night“, ist programmatisch zu verstehen. Es ist Musik für das nächtliche Zwielicht, für verrauchte und verschwitzte Nachtclubs, in denen sich Körper auf abgewetzten Kissen regeln, Küsse und Bisse ausgetauscht werden. Würde im Berliner Kit Kat Club Rockmusik gespielt – was leider nicht der Fall ist – wäre STARBENDERS der ideale Soundtrack.

Doch darf man den Sex der STARBENDERS nicht missverstehen. Frontfrau Kimi Shelter, die auch das Songwriting in der Hand hält, versteht sich als Feministin: Und so ist ihr Sex gemischt mit Wut, Schmerz und Autorität, sammeln sich Blutspritzer auf den samtenen Kissen. Romantischen Beziehungen erteilt sie schon mal eine Abfuhr. „Ich will nicht verliebt sein/ Ich will nur deinen Sex/ Deine Tränen schmecken/ Ich will deinen Namen nicht wissen/ Ich will deine Stöße“ singt sie im zweiten Song „Sex“ drängend und fordernd. Und weiter: „Ich kenne all die Freude, die die Liebe bringt, aber ich habe genug davon“. Der dritte Song „Body Talk“ beschreibt, wie sie nachts auf Jagd geht, „Lost Boys in the Clubs“ sucht: trunken vor Liebe und blutlüstern. „Ich will fühlen, was im Inneren tot ist“. Das „New Future“ des Punk schimmert durch die glitzernde Hülle, befällt Körper, Lust und Gefühle. Mehrfach thematisiert Shelter Sucht und Depressionen, schmerzhafte biographische Erfahrungen und ihren Umgang damit: Selbstermächtigungs-Statements, deren Zwischentöne man überhören könnte.

Auf ihrem neuen Album entkleiden sich die STARBENDERS bis auf die Knochen: Sie mögen es roh, fett und manchmal ungeschliffen. Es ist eine infektiöse Mischung aus Hard Rock und Hair Metal, die zwar die 80er zitiert: „Whohoo“-Chorus im spritzigen Opener „The Game“, aber weiter zurückreicht. Es ist auch der Punk der NEW YORK DOLLS, der sich in ihrem Sound spiegelt, das nervöse Flackern der Protopunks MC5, der rotzige, wie Kaugummi auf die Straße gespuckte Rock ’n’ Roll von JOAN JETT und den RUNAWAYS. Und, wenn auch weniger präsent als auf den Vorgängeralben, die polyphonen Harmonien von FLEETWOOD MAC, die den Songs bisweilen eine sehnsuchtsvolle Melancholie verleihen. Die STARBENDERS bringen einem den Glauben an die Ideale des Glam zurück. Wenn auch nicht frei von Nostalgie, so bieten sie doch simple, aber taufrische Rock-Hymnen für Hedonisten, Strapsträger und Löwenmähnen. Dass sich Frontfrau Kimi Shelter zuweilen anhört wie die nikotinsüchtige Schwester von FLEETWOOD MAC-Sängerin Stevie Nicks, ist da sicher kein Nachteil. Da verzeiht man es auch, dass sich mit der überflüssigen Coverversion von ALICE COOPERs “Poison” ein echter Totalausfall auf der Platte befindet.

Beste urbane Tanztempel-Platte: AUNTY RAYZOR: Viral Wreckage

Ich höre schon die Einwände: „Du hast bisher so wenig Metal auf deiner Jahresbestenliste – warum empfiehlst du nicht gleich ein Rap-Album?“ Und klar: Auf diesen Einwand habe ich nur gewartet, vielen Dank! Das Rap-Album des Jahres kommt in diesem Jahr aus Nigeria: AUNTY RAYZOR mit „Viral Wreckage“. Die Frau mit den feuerroten Rastas rappt auf ihrem Debüt mit Autorität und Charisma über futuristischen Afrobeats, die einerseits minimalistisch und ganz zeitgeistig sind: Trap ist deutlich rauszuhören. Aber auch so komplex verschroben, experimentierfreudig und mit tief in den Eingeweiden pulsierenden Bässen, dass dies hier weit entfernt ist vom üblichen Einheitsbrei. Die am Jazz geschulte Polyrhythmik des 70er-Jahre-Afrobeats mit ihren teils absurden Brüchen wird hier in ein hartes und tanzbares Clubgewand gekleidet, das die Tanztempel der globalen Metropolen in schweißgetränkte Tropfsteinhöhlen verwandeln sollte.

Musik hat die Frau mit dem bürgerlichen Namen Bisola Olungbenga ursprünglich am Piano gelernt. Mit ihrer Mutter übte sie nach der Schule, wie sie in einem Interview erzählt, wenn sie besonders gut war, gab es als Belohnung ein Stück Schokolade. Die Musikalität ist hörbar, denn ihre Flows sind variabel und originell. Und obwohl Rap hier ganz klassisch zelebriert wird: Reime im zuweilen schwindelerregenden Tempo, so rappt sie doch hochmelodisch und wechselt gelegentlich in eine angenehme Singstimme, sodass Reggae und Soul immer mal wieder durchscheinen. Man höre sich ein Statement wie „Stuttrap“ an, ein explosives Stück Musik, das vor Energie berstet: Das Rasiermesser, das Olungbenga in ihrem Künstlernamen trägt, ist mehr als nur eine Behauptung. Ihr aggressives Stakkato trifft auf metallische Percussion und tief rollende Bässe, die der japanische Produzent Scotch Rolex, ein Veteran des Breakcore und Raggamuffin, vor ihr ausbreitet. Ohnehin ist die Auswahl der Produzenten auserlesen und zeugt vom Selbstbewusstsein der Interpretin: Gleich mehrere Tracks hat etwa Debmaster produziert, ein in Berlin lebender Franzose mit einem Studio in Ugandas Hauptstadt Kampala, der sich einen Namen in der Nyege Nyege-Szene gemacht hat. Das sagt einem nichts? Nyege Nyege ist ein Slang-Wort für einen plötzlichen, unkontrollierbaren Impuls zu tanzen. Mehr muss man nicht wissen, um einzuordnen, was hier geschieht. Wilde und funkelnde Exkursionen durch irrwitzig scheppernde Beats (verfremdetes Xylophon und Glocken), nervös fiepende Synthies, Polyrythmik und Bässe, die tiefer sind als der Mariannengraben.

Neben tanzbaren Clubtracks, die auch mal nach Party und Strohhalmgetränk klingen dürfen („Bounce“ macht Spaß, ist aber einer der weniger interessanten Songs), gönnt uns AUNTY auch mal eine Atempause. Die beiden Tracks mit dem ugandischen Sänger und Gitarristen TITI BAKORTA, die mit psychedelischen Gitarrenloops daherkommen, sind am ehesten dem klassischen Afro-Sound der 70er Jahre verpflichtet: “Fall Back” ist eine schöne Nummer mit Gospelchor, das abschließende “Sise” reitet durch fiebrig-nervöse Akkorde. Am besten ist „Viral Wreckage“ aber immer dann, wenn AUNTY Tempo aufnimmt, ihre Zeilen über harte Beats absurd springen lässt, wenn sie als Zeremonienmeisterin ihre Silben spuckt, rollt und frei durch die futuristischen Landschaften treibt. Ein tolles Album – dass sie auf Spotify gerade mal 3.000 Hörerinnen und Hörer im Monat hat, lässt mich mal wieder an der Welt zweifeln.

Beste Flaschenpost-Platte: NOAH GUNDERSEN: If This Is The End

Es gibt Musiker, die ich schätze, weil sie fast immer auf ganz eigenwillige Weise enttäuschen. NOAH GUNDERSEN war ab 2008 einer der ersten dieser – ehemals – blutjungen Musiker, die Americana, Singer/Songwriter und Indie-Folk wieder populär gemacht haben, wenn auch bei weitem nicht mit dem Erfolg der jüngeren PHOEBE BRIDGERS (mit der er das fantastische “Atlantis” aufgenommen hat) oder JULIEN BAKER. Und die, in Nachfolge von Musikern wie NICK DRAKE, einen eigenen Ansatz wählen: Folk als Instrument einer radikalen Innerlichkeit und Selbstbefragung, auch gesellschaftliche Themen werden durch die subjektive Brille gefiltert (Oft hat man in dem Genre ja so einen Welterklärungs-Gestus, den ich ehrlich gesagt nicht abkann).

Nun veröffentlicht er sein mittlerweile siebtes Album, und wieder zeigt er, was ihn schon früher auszeichnete: gnadenlose Nabelschau, vertonte Selbstzweifel, aber auch einen berstenden Lebenshunger – und Hoffnung. Nicht ohne Ironie und Brüche. Seine Texte sind eigentlich eine permanente Selbstbefragung, wie und warum man trotzdem weitermachen soll: mit der Musik, mit der Liebe, mit dem Leben. All das verpackt er in Songs, die manchmal zu viel wollen und nicht immer funktionieren, aber doch meist wunderbar komponiert und getextet sind. Manches ist kitschig, manches wirkt unfertig (“Swim” ist ein schöner Mutmach-Song mit starken Bildern: “Hold my breath underwater/ Til I’m strong enough to swim“, wird aber durch billige Keyboard-Effekte kaputt gemacht), manches pathetisch – und vieles wirklich großartig. Ohnehin haben seine Kompositionen oft etwas skizzenhaftes, was Raum schafft für Fragilität und Offenheit.

Es ist ein Balladenalbum, viele Songs sind sehr zurückgenommen und werden dominiert von seiner Stimme und dem Piano, auch wenn er das Album mit einer kompetenten Band aufnahm: und mit seiner Schwester, die wieder Backgroundgesang und Violine beigesteuert hat. Wer von einem reduzierten Song wie “Terrible Freedom”, der sich zu einem grandiosen Gospel-Finale steigert, nicht angefasst und durchgerüttelt wird, ist zum Eisblock erstarrt. Im Gespräch mit einem Freund thematisiert er gescheiterte Lebensentwürfe und Klischees von Männlichkeit anhand der eigenen Idole: Marlon Brando und Elvis, beide im fortgeschrittenen Alter aufgedunsen und entzaubert. Groß auch die abschließende Ballade “Love is blind”, eine Liebeserklärung an seine Frau, denn GUNDERSEN ist jung verheiratet: Er schmachtet, seufzt und leidet, wie es nur wenige können.

Das Album nahm Gundersen auf, nachdem er sich, desillusioniert vom Musikbusiness, eine Weile zurückgezogen und auf dem Bau gearbeitet hatte: Es ist nicht das erste Mal, dass er der Musik desillusioniert den Rücken gekehrt hat. Aber solche Musiker*innen sind mir lieber als jene, denen sofort und immer alles gelingt: die Suchenden, die Zweifelnden, manchmal am Rand des Scheiterns balancierend. Biografische Gründe nicht ausgeschlossen: Aber oft sind diese Interpreten gerade in ihrer Widersprüchlichkeit auch die interessanteren. Gundersen trägt so schwer an seinem Talent, dass er fast darunter begraben wird. Einige seiner Songs haben achtstellige Zugriffszahlen auf Spotify: Dass er keinen Erfolg hat, kann man nicht behaupten. In Deutschland aber wird er mit schöner Regelmäßigkeit übersehen. Ich fand keine einzige Rezension zu diesem Album in deutscher Sprache.

GUNDERSEN selbst will sein Album als Mutmacher verstanden wissen, das in Zeiten schwerer Lebenskrisen einen Türspalt offen lässt. Im wunderschönen “Haunted House”, gemeinsam gesungen mit seiner Schwester, textet er: “Du hast dich in einen sterbenden Stern verliebt/ In eine versagende Leber und ein gebrochenes Herz/ Aber wenn du mich für all das lieben kannst, was ich nicht bin/ Gebe ich dir den Rest von dem, was ich habe“. Zu seinem Album sagt er: “Hier ist eine weitere Flaschenpost – ich hoffe, sie wurde genau zum richtigen Zeitpunkt an Deine Küste gespült”.

Beste Edelstahl-Platte: ADORNED GRAVES: The Earth Hath Opened Her Mouth

Huch, da fällt mir ein, dass ich bis jetzt noch kein „klassisches“ Metal-Album besprochen habe. Weil es keine guten gab? Quatsch, wir hatten es in diesem Jahr mit einer ganzen Reihe hervorragender Alben zu tun, von SCREAMER über TAILGUNNER bis hin zu GATEKEEPER, SMOULDER, JAG PANZER oder RAVEN, die allesamt erstklassigen Edelstahl abgeliefert haben, aber Geheimtipp: Das könnt ihr auch in den Jahresrückblicken der anderen fleißigen VAMPSTER-Ameisen nachlesen.

Ich habe mich entschlossen, ein anderes Album auf den Stahlthron zu heben. Dafür müssen wir uns an den ehemaligen Königshof nach Kaiserslautern begeben. ADORNED GRAVES schmieden seit Jahren eine so edle Klinge, dass es ein Rätsel bleibt, warum sie nicht längst viel größer sind und mit an der Spitze des europäischen Metals stehen. Als Thrash-Band gestartet, haben sie sich mittlerweile eine ganz eigene Nische im eisernen Thronsaal erspielt, die irgendwo zwischen US-Powermetal der 80er, progressivem Thrash und epischem Bombast anzusiedeln ist. Kaum zu glauben, dass ihr neuestes Werk „The Earth Hath Opened Her Mouth“ (schon der Titel ist mächtig) in Eigenregie entstanden ist. Fast 75 Minuten lang wird hier alles geboten, was das edel verchromte Herz des Kuttenträgers mit gut sortierter Plattensammlung erfreut. Es handelt sich um eine vertonte Pilgerreise, meist in unruhigem Fahrwasser. Eine ganze Reihe von Gastsängern hat sich auf dem Album versammelt, die Liste ist ein Who is Who des Underground Metal (PRAYING MANTIS, WYTCH HAZEL, SEVENTH ANGEL), was der Kompaktheit keinen Abbruch tut.

Das Album beginnt mit „Epitaph I“, einem Song, der an den britischen Folk der 60er Jahre erinnert, getragen von einer stimmungsvollen klassischen Konzertgitarre und mehrstimmigem Satzgesang: Das muss man erst mal hinkriegen. Die Ruhe währt nicht lange, Pilgrim’s Path bricht über einen herein, mit reitenden Thrash-Gitarren und einem Refrain, der an die Matt-Barlow-Phase von ICED EARTH erinnert. Scheidende Riffs und orientalische Harmonien präsentiert uns das folgende “Progenitors”, bei dem Kobi Farhi von ORPHANED LAND einen Gastauftritt hat.

„Valley of Anchor“ ist eine zehnminütige Reise auf einem verwunschenen Geisterschiff, auf dem es gefährliche Strömungen und Strudel zu überwinden gilt, vorbei an Eisbergen und Untiefen, den Gesang der Sirenen im Ohr. Zunächst geht es gemächlich im Midtempo groovend los, bis plötzlich Stürme über einen hereinbrechen, pfeilschnelle Gitarren sogar an Black Metal erinnern: bis das hölzerne Schiff schließlich abdriftet, die Segel zerreißen, die Crew durch bisher unerforschtes Terrain gezerrt wird, durch progressive Wendungen und Soli (ja, ich höre jetzt auf mit den schrecklichen Vergleichen). Das ist großartig und zeigt eine weitere Qualität der Band: eine düstere Atmosphäre, manchmal bleischwer und gespenstisch.

Die Höhepunkte sind zahlreich. „Beyond the Silence“ ist ein majestätischer Doom-Track wie aus den Katakomben der DIO-Phase von BLACK SABBATH. Sänger John Jaycee Cuijpers (PRAYING MANTIS) singt fantastisch, die Melodieführung ist erhaben. Das stimmungsvolle Instrumental „Wind over Glen“ ist fast lieblich, mit keltisch angehauchten Harmonien und verspieltem Grundrhythmus. Wer das alles auf hohem Niveau auf einem Album unterbringt und dabei noch einen unverkennbaren Stil bietet, der gehört eigentlich zu den Großen. Mächtig!

Beste Existenzkrisen-Platte: CAROL HODGE: Vertiginous Drops

Wenn mir der Facebook-Algorithmus neue Musik vorschlägt, verfehlt das meinen Geschmack meist so sehr wie Christoph Kolumbus Indien. THE DARK TENOR oder VANESSA MAI, das sind dann solche Sachen. Aber ich habe bisher davon abgesehen, Facebook wegen Mobbing zu verklagen, denn manchmal sind auch echte Perlen dabei. Wie der eigenwillige Sound der Britin CAROL HODGE, den mir Facebook im Mai in die Timeline spülte. Die Sängerin und Pianistin, die ursprünglich aus der Anarcho-Punk-Szene stammt (sie gehört unter anderem zum späten Line-Up von Steve Ignorants CRASS: ein Anarcho-Kollektiv, das Ende der 70er Jahre dadurch auffiel, dass es sein benötigtes Equipment auch mal zusammenstahl), hat ein Handicap: Ihre linke Hand ist verkrüppelt, was ihrer Musikalität keinen Abbruch tut. Sie selbst bezeichnet sich als siebenfingrige Klavierspielerin und zeigt die Hand offensiv auf dem Albumcover. Außerdem hat HODGE eine kräftige und wandelbare Stimme, die sie gern auch mal theatralisch ausreizt.

“Vertiginous Drops“ ist das mittlerweile vierte Studioalbum der 41-jährigen Musikerin, das sie als Verfechterin des „Do It Yourself“-Gedankens auf ihrem eigenen Label Midnight Stamp Records veröffentlicht hat. Und die Musik darauf ist gar nicht so einfach zu beschreiben. Sie ist klassisch – und doch wieder nicht. Oft getragene Songs, die man als Rockballaden bezeichnen könnte, wenn dieser Begriff nicht ein völlig falsches Bild vermitteln würde. Die ruhige Grundstimmung des Albums wird immer wieder von grittigen, subtil abgründigen Momenten durchbrochen. Auf „Clean The Slate“ hört man die krachende Gitarre von Chris Catalyst, der unter anderem mit den SISTERS OF MERCY und GHOST zusammengearbeitet hat. Das giftige „Oh Amanda“ ist eine Hommage an die BEATLES und den psychedelischen Sound der 60er Jahre. Auch Varieté-Atmosphäre, wie wir sie von den DRESDEN DOLLS und Amanda Palmer kennen, schimmert durch. Das Album kommt mit großen und umarmenden Melodien daher, die Arrangements sind liebevoll und ausgefeilt. Doch davon darf man sich nicht täuschen lassen, denn wenn dich HODGE sanft streichelt, zieht sie dir zugleich den Teppich unter den Füßen weg: „Die Blumen, die ich für dich schickte/ Nun, ich hoffe, sie sind alle vertrocknet oder haben nicht geblüht,/ Denn mein Respekt für dich/ Fällt ab, Blütenblatt für Blütenblatt für Blütenblatt/ Und du hast es nicht einmal gemerkt“.

Das Piano ist das tragende Instrument, aber es gibt auch viel Gitarre und Schlagzeug, es gibt tanzbare Synthie-Pop-Nummern, Streicher und Bläser. Hodge selbst sagt auf die Frage nach ihrem Stil, die Antwort verweigernd, sie schreibe Songs über ihre “andauernde existentielle Krise”. Es geht oft darum, sich in einer unwirtlichen Welt behaupten zu müssen, um Sehnsüchte und Enttäuschungen. Auch das könnte man missverstehen, denn ihr Hang zum Melodramatischen und Melancholischen ist gepaart mit schwarzem britischen Humor. „Never Run Out of Things to Worry About” heißt zum Beispiel ein Song. Vielleicht könnte man die Musik so beschreiben: Wenn „Fleabag“-Regisseurin Phoebe Mary Waller-Bridge „Alice in Wonderland“ als Dramaserie im heutigen Großbritannien ansiedeln würde, dann hätte man in etwa den Sound. Classic-Varieté-Rock, der dich mit einem Giftpfeil kitzelt.

Beste Ende-der-Menschheit-Platte: FVNERALS: Let The Earth Be Silent

Na, endlich mal wieder Lust auf Musik, die sich durch und durch unkomfortabel anfühlt? Musik, die in die Knochen fährt wie ein eisiger Nordwind, während man bei zwölf Grad Minus, nur mit T-Shirt begleitet, vor einer verlassenen Ruine steht, das Gesicht schon bläulich vom beißenden Frost? Die Ruine war einst ein Hotel, aber das Dach ist fortgeweht, in der Lobby gefrorene Leichen, am Empfang wartet der Sensenmann. Und Ihr erkennt: Ihr seid der letzte Mensch auf dieser Erde, alles Leben ist erloschen. Tretet ein, lasst alle Hoffnung fahren. Und herzlich willkommen im Soundkosmos von FVNERALS!

„Dark Ambient Doom“ nennt das Duo Tiffany Ström und Syd Scarlet seine Musik. Seitdem die beiden 2013 auf der Bildfläche erschienen sind, sind sie bekannt für ihre pechschwarzen, abgründigen Klänge. Das neue Album, ihr mittlerweile drittes, steigert aber alles bisher Gewesene. Denn tatsächlich ist „Let The Earth Be Silent“ eine vertonte Auslöschung. Es ist ein Requiem für die Menschheit, ein in Klang gemeißeltes Krematorium. Wie fühlt es sich an, wenn alles Leben ausradiert ist? Entgegen dem Titel muss gesagt werden: nicht wie Stille. Es ist ein Dröhnen, Choral für einen gottlosen Himmel. Beschwörung der Trauer. Es ist, als würde man hinabblicken in ein geöffnetes Massengrab. Die von Menschen geschaffene Hölle.

Der Opener „Ashen Era“ ist noch einer der zugänglicheren. Ein Sirren setzt ein, ein Dröhnen: Soundeffekte wie die Trompeten der Apokalypse. Sie werden lauter, schwellen an, ein dumpfes Schlagen tritt hinzu – und ein betörend schöner, aber von Schwermut zersetzter Soprangesang. Erinnerungen an DEAD CAN DANCE werden wach, die ähnlich betörend in rituelle Gefilde entführt haben. Doch dann die schweren Gitarren und Bässe. Es ist die Ästhetik des Death Doom, denn hier werden keine schneidig groovenden Riffs gefahren. Die Gitarren stellen sich stattdessen in den Dienst der Schwermut, sie dröhnen und hallen und hallen, sie legen sich monolithschwer über die Musik.

Bereits beim zweiten Song „Descent“ wird deutlich, dass Sängerin Ström keineswegs nur auf ihren betörend schönen Gesang setzt. Im Gegenteil: oft überwiegt ein dunkler Sprechgesang, manchmal die Form eines schamanischen Murmelns annehmend, dann wieder sirenenhaft anschwellend. Gelegentlich spitze, schmerzhafte Schreie. Die Stimme ist in den Hintergrund gemischt, die Texte sind mitunter kaum zu verstehen. Oft tönen die cineastischen Klangkulissen wie die Holzbläser eines Orchesters, oft erinnert das Schlagzeug an Pauken. Das trägt zum ernsten Soundbild bei. Unterstützt wird das Duo von Perkussionist Thomas Vaccargiu, der gleichmäßig schreitende, aber variable und geheimnisvolle Rhythmen kreiert.

Auf eine Songstruktur im Sinn von Strophe und Refrain verzichtet die Band vollends. Und doch haben die einzelnen Titel eine Dynamik, die Songs entwickeln sich: mäandern um musikalische Muster und Motive, Schichten überlagern sich und schieben sich übereinander wie tektonische Platten. Ständige Bewegung: Gebirge falten sich auf. Kein Instrument sticht hier hervor, in dem Sinne, dass es die Musik dominieren würde. Stattdessen wird alles dem Sog der Musik untergeordnet, ein meditativer Rausch, sakrale Klänge von berstender Kälte. Zwar ist es kein neues Konzept, mit tief hallenden Lärmwänden den Hörer in einen kathartischen Fiebertraum zu versetzen, Bands wie SWANS oder Sunn O))) verfolgen einen ähnlichen Ansatz. Aber der Abgrund, den die Leipziger Band hier öffnet, funkelt in einem eigenen Schwarz.

Beste perlende Platte: HEATHER WOODS BRODERICK: Labyrinth

HEATHER WOODS BRODERIK ist eine Meisterin der Zwischentöne. Ihre poetischen Miniaturen sind einerseits enorm vielschichtig, andererseits aber so reduziert, dass sie sanft tänzeln wie eine Feder, die von leichtem Wind über einen Fluss getragen wird. Selbst die Melancholie, von der es auf diesem Album reichlich gibt, kommt leicht daher. „Labyrinth“ ist das fünfte Soloalbum der Wahl-Kalifornierin mit den markanten Wangenknochen, die immer etwas unter dem Radar fliegt. Auch, weil sie viel als Session-Musikerin beschäftigt ist: bevorzugt bei Artists, die zwischen Folk, Indie-Rock und Singer-Songwriter angesiedelt sind, SHARON VAN ETTEN, DAMIEN JURADO, LISA HANNIGAN. Wer stilistische Fixpunkte braucht, kann sich daran ungefähr orientieren. Das Problem: BRODERICK ist so außergewöhnlich gut, dass sie den Genannten mindestens ebenbürtig ist.

„Labyrinth“ hat BRODERICK weitgehend in Lockdown-Zeiten allein geschrieben und aufgenommen, unterstützt von nur wenigen Musikern. Es ist ein Album über das Unterwegssein, was bei ihr einen dreifachen Sinn hat: Unterwegssein auch als Lebensreise, Unterwegssein zu sich selbst. Es ist ein Album über das Zwischenmenschliche, über Begegnungen. Sie eröffnet das Album mit einem introartigen Song, „As I Left“ legt ein schlichtes Pianomuster unter ihre leicht angeraute, aber ätherisch schöne Stimme. Dann packt sie ihren Zauberkasten aus: behutsam lässt sie Melodien fließen, die wie warmer Regen auf der Haut perlen, verführt mit sanfter Schwermut, gleitet durch Refrains, die große Melodien auffalten, aber nie aufdringlich sind. Oft baut sie ihre Melodien aus wenigen Tönen, die leicht variiert und angereichert werden, so einen medidativen Sog entfalten. Weit stärker als auf ihren früheren Alben unterlegt sie die Songs mit elektronischen Rhythmen, oft komplexe, trippige Patterns. Auch das Schlagzeug streut ungewöhnliche Rhythmen, ist aber dezent in den Hintergrund produziert. Der Webseite „brooklynvegan.com“ erzählte sie, dass ihre Beats auch von lateinamerikanischer Musik inspiriert wurden, von Cumbia und Tresillo.

Wenn sie ausbricht, dann ohne die Grundstimmung zu zerstören. „Crashing against the Sun“ bewegt sich zwischen Synthie Pop und rockigem Refrain und ist fast schon tanzbar. Ein ständiges Ver- und Ineinanderfließen, das plötzliche Momente der Reflexion und Klarheit offenbart, Überraschungsmomente wie den titelgebenden Zusammenstoß mit der Sonne bereithält – und die sich dann doch wieder entziehen, der Erkenntnis verweigern. „Am Horizont zeichnen sich wechselnde Szenen ab/ Die einst eine klare Linie bildeten/ Es ist eine flüchtige Natur in den gewissen Dingen/ Sie verwässern mit der Zeit/ Ich war auf der Suche nach Reflexionen/ Die auf der Wasseroberfläche flackern/ Wenn Ebbe und Flut sich beruhigen/ Gibt es eine definierte Klarheit/ Die alle bleibenden Ideen offenbart/ Es ist okay, vielleicht beim nächsten Mal“, singt sie. Naturbeobachtung und Introspektion werden oft ineinander geblendet.

Im traumhaft schönen „Admiration“, das mit pluggernden Trip-Hop-Patterns daherkommt, fallen verfremdete Gitarrenklänge wie Regentropfen in den Song hinein. BRODERICK schrieb den Song, als sie in ihre alte Heimat Oregon reiste, dort die Waldbrände beobachtete, eingeschlossen war von Flammen und Rauch. „Ich hatte Angst, vermisste meinen Partner und wusste nicht, ob ich flüchten sollte und auf welcher Straße ich die besten Chancen hätte, rauszukommen. Inmitten meiner Angst und meines Gefühls der Hilflosigkeit erinnerte ich mich auch daran, wofür ich dankbar sein kann – ich versuchte, Angst und Ungewissheit als Mittel zur Hoffnung zu nutzen“, sagt sie in einem Interview. Auch hier nutzt sie Überblendungseffekte, um das Wechselspiel aus Angst und Hoffnung zu gestalten. Der Rhythmus stolpert leicht, eine elektronische Orgel schafft eine feierliche wie bedrohliche Atmosphäre, die Sanfmut wird kontrastiert mit einer leicht zittrigen Stimme.

Nein: Auch wenn dies ein schwebendes, manchmal traumhaft schönes Album ist, ist es keines zum Nebenbeihören, kein Easy Listening. Es ist ein Album für introspektive Momente, das vielleicht sogar einige Durchläufe braucht. Es ist tatsächlich ein Album für das Unterwegssein: für einsame Strandspaziergänge, für verregnete Zugfahrten, für schweißgetränkte Nächte, in denen die Gedanken kreisen. BRODERICK, verliebt in Details, weiß kleine Überraschungsmomente zu gestalten: etwa einen Song wie „Wherever I Go“, in dem der Bass flirrt und fast proggige Patterns zaubert, das Schlagzeug zudem flott voranschreitet. Man schreckt auf, wenn sich ein hallender Beat im letzten Titel „What Does Love Care“ in den Vordergrund drängt. Es ist ein ruhiges Album, das aufwühlen und tief ins Fleisch schneiden kann, um dir dann doch ein glückliches Innehalten zu ermöglichen: “Aber es geht um die Liebe, und was kümmert das die Liebe?/ Sie schämt sich nicht für ihre feurigen, feurigen Fackeln/ Es geht nur um die Liebe, und was braucht die Liebe?/ Etwas Verständnis, etwas Raum zum Atmen“.

Beste Coveralben-Platte (die gar keine ist): CROWN LANDS: Fearless

Einen Innovationspreis gewinnt dieses Album sicher nicht. Im Gegenteil: Auf die Frage „Wie klingt das Album?“ ist die Antwort schnell gegeben: nach RUSH, nach RUSH und noch mehr nach RUSH. Fast schon unverschämt nach RUSH also. Was allein deshalb schon ein Widerspruch ist, weil RUSH ihren Sound permanent weiterentwickelt haben und auf keinem Album identisch klangen. Also genauer: Es klingt nach RUSH im Jahre 1976, zu “2112”-Zeiten. Das als „Progressive Rock“ zu bezeichnen, passt bestenfalls als Genrebegriff, nicht als Idee, denn das Gebotene ist gnadenlos nostalgisch.

Trotzem landen CROWN LANDS auf der Jahresbestenliste? Ja, denn das Gebotene ist auch unverschämt gut. Es ist eine Hommage an die Zeit der 70er, als Progrock noch wild und rau klingen durfte, geboren aus Jam-Sessions. Musik, die sich ohne Kompass und Karte (oder heute Google Maps) auf den Weg macht, verschlungene Pfade erkundet: wenn nicht im Sound, so doch in den Kompositionen. Diese sind ausladend und mit hohem instrumentalen Anteil, und sie scheuen kein Risiko: Hat man sich in ein Riff oder in eine Songidee verliebt, ist die Band schon wieder woanders. Progressive Rock zeichnet sich seit jeher auch dadurch aus, dass die Bands nicht an einer guten Songidee festhalten, sondern gleich die nächste ausloten: Das mag man bedauern, trägt aber dazu bei, dass die besten Alben des Genres wilde Entdeckungsreisen sind. Auch durch weniger angenehmes Terrain: Ja, der hohe Gesang von Frontmann Cody Bowles nervt manchmal, klingt schrill, selbst das leicht Fistelige hat er vom frühen Geddy Lee übernommen. Ja, in den verschlungenen Grooves und quirligen Harmonien steckt auch nerdiges Mackertum.

Trotzdem ist „The Shadow“ auch wegen der Gesangsharmonien ein wunderschöner Song. Trotzdem ist die klassische Konzertgitarre in „Penny“ ganz großes Kino. Und trotzdem gibt es genug eingängige Momente, um sich nicht überfordert zu fühlen: Den Refrain von „Lady of the Lake“ kann man schon nach kurzer Zeit mitgrölen, sofern man die hohen Töne auf ähnlich gekonnte Weise verfehlt. RUSH-Gitarrist Alex Lifeson schaute im Studio vorbei und gab seinen Segen. Jetzt muss die Band noch mehr Eigenständigkeit entdecken, sonst enden sie als die GRETA VAN FLEET des Progressive. Aber auch solche Momente sind angelegt: Die schwelgerische Power-Ballade „Citadel“ etwa klingt nicht nach RUSH. Klingt sie nach CROWN LANDS?

Beste Chanson-Platte: FREDDA: Phosphène

Auf dem Cover sehen wir eine Frau mit nacktem Oberkörper, die muskulösen, mit Blumenranken tätowierten Arme vor der Brust verschränkt, das Gesicht zur Seite gedreht, so dass man es nicht erkennen kann. Aber man sieht: eine markante Nase, einen sinnlichen Mund. Frédérique Dastrevigne, besser bekannt unter ihrem Künstlernamen FREDDA, zählt mittlerweile 53 Lenze und gilt immer noch als Geheimtipp des französischen Chansons. Ihr siebtes Album „Phosphène“ hat sie in den Black Box Studios aufgenommen, einem umgebauten Bauernhof in der französischen Provinz nordwestlich von Paris. Zum ersten Mal mit einer Band, den Begleitmusikern des Indie-Chansonniers Matt Low. Und so mischen sich nun stärker Elemente von Rock, Blues und Americana in ihren Sound, eine Leidenschaft, die schon auf früheren Alben durchschien. Man hört Bläser, Gitarren und Saxophon, man hört ein sehr zurückgelehntes Schlagzeug über dem federnden, rhythmisch akzentuierten Piano: und FREDDAS sinnlich schöne Stimme, butterweich und doch bestimmt.

Traditionell liegt der Schwerpunkt des Chansons stark auf der Strophe, auf den erzählerischen Momenten: Dastrevigne beherrscht das meisterhaft. Ihre reifen Kompositionen atmen und haben eine eigene Dynamik, eine Art schwebende Erdverbundenheit. Ihre Stimme gleitet über die Instrumente mit diesem sinnlich kitzelnden Timbre, das man vielleicht nur im Chanson findet: Wo sonst fühlt sich Musik so körperlich an wie eine warme, innige Umarmung? FREDDA ist eine Croonerin, dehnt die Silben mit sanftem Nachklang, ihr Gesang ist in den tieferen Stimmlagen angenehm angeraut, in den hohen glockenklar.

Doch nicht umsonst hat sie auf dem Cover die Arme verschränkt, sie zeigt sich auch distanziert: Mehrere Songs ihres aktuellen Albums sind starken Frauengestalten aus Mythologie und Geschichte gewidmet, ihren tragischen Schicksalen: Mata Hari, Marilyn Monroe. Die Texte sind poetisch verdichtet und voller starker Bilder. „Driftende Ophelia/ Walfischmädchen in Seidenstrümpfen/ Man hätte mich dort gefunden/ In den arktischen Gewässern/ Im Licht der Kälte/ Driftend zu dir“, singt sie im Opener „Nordique Ophelique“, der den Shakespeare-Stoff in der Kälte des ewigen Eises ansiedelt. Man darf die Sinnlichkeit des Chansons nicht missverstehen. Zwischenmenschliche und gesellschaftliche Konflikte, Gewalt und Tragik sind seit jeher wiederkehrende Themen, aus denen das Genre seine Relevanz und Aktualität bezieht.

Und FREDDA ist eine eigene Stimme im Nouveau Chanson. Die Leichtigkeit paart sich mit Melancholie, die Melodien besitzen eine ernste Feierlichkeit. In „Long“ treibt das Schlagzeug voran, der Bass pulsiert leise im Hintergrund, das Piano klingt fast, leicht nur, nach Italo-Western-Saloon. So badet sie ihren Chanson auch im Schlamm, ganz sanft, ohne dass die Eleganz und Schönheit ihrer Kompositionen in Gefahr geriete. Westerngitarren auch im folgenden „Aube“. Der Song beschreibt die letzten Momente der Tänzerin und Spionin Mata Hari aus personaler Perspektive. Mata Hari blickt auf ihr Leben zurück, erwartet die Schüsse des Hinrichtungskommandos, der Moment wird überblendet von FREDDAs Reflexionen. Als „freie Puritanerin“ und „dornige Königin“ wird Mata Hari besungen, und sie behält die Oberhand in dem Moment, in dem sie mit ihrem Tod zur Legende wird: „Diese Morgenröte ist die ihre“.

FREDDA mischt die sehnsuchtsvolle Sinnlichkeit des Chansons mit der erdigen Bodenständigkeit des Americana. Am ehesten kennen wir einen solchen Sound von Musikern aus dem kanadischen Québec, von MAUDE AUDET oder RICHARD SEGUIN, wo der Chanson ebenfalls auf Spielarten des amerikanischen Folk trifft. Aber man darf das Beschriebene nicht missverstehen: FREDDA trägt keinen Cowboyhut, der Bauernhof ist ein französischer, sie bleibt der Melodramatik und sanften Melodieführung des zeitgenössischen Chansons treu. Im Refrain von „Argent“ klingt ihr Gesang ganz weltentrückt. Die Bläser betten sich sanft in die warmen analogen Klänge. Eines der schönsten Alben des Jahres.

Beste Live-Platte: VILLAGERS OF IOANNINA CITY: Through Space and Time

Am 05. Mai 2021, mitten in Lockdown-Zeiten, streamte eine griechische Band, die in Deutschland bestenfalls Geheimtipp-Status genießt und erst zwei Studioalben zählt, ein Konzert. Live gefilmt und aufgenommen ein Jahr zuvor in Athen: Dort, wo auch schon Aischylos und Sophokles Denkwürdiges auf die Bühne brachten. Und es ereignete sich Folgendes (Ich übertreibe nur ein bisschen): Erwachsene Männer, die das Spektakel an den Bildschirmen verfolgten, lagen sich weinend in den Armen – und waren plötzlich in der Lage Kinder zu gebären. Es herrschte für kurze Zeit Weltfrieden. Nächstenliebe wurden zu einem höheren Kurs gehandelt als Gold und Platin. Auf dem Boden des Woodstock-Festivals bebte die Erde. Sogar Aristoteles stand für einen kurzen Moment von den Toten wieder auf – legte sich aber wieder ins Grab, nachdem er den Zustand der Welt betrachtet hatte. Und ein völlig überwältigter Leipziger namens Mirko Wenig schrieb auf Youtube einen Kommentar in schlechtem Englisch, der innerhalb weniger Stunden fast 500 Likes sammelte (Bitte mit sächsischem Akzent denken): „You have to release this as a live album. Sound, mood, atmosphere: everything here is perfect!“. Man sah tausende euphorisierte Fans, die Bengalos zündeten und textsicher mitsangen – und nicht, wie es das deutsche Publikum so oft fälschlicherweise tut, vor der Bühne unrythmisch mitklatschten. Man sah einen charismatischen Sänger und eine grandiose Lichtshow. Man sah, wie Orient und Okzident ein gemeinsames Kind zeugten. Man sah Liebe und Ekstase. Sogar der Weltgeist tanzte vor der Bühne. Und zum ersten Mal in der Geschichte der Menschheit verstand ein Musikwissenschaftler, warum der Dudelsack erfunden wurde: Nicht um Menschen zu quälen und zu foltern, sondern weil er hier plötzlich Sinn machte. Das war auch der Moment, in dem Roger Waters komplett dem politischen Wahnsinn verfiel – weil er unbewusst merkte, dass er ein solches Spektakel nicht mehr auf die Bühne wird bringen können. Die Band spielte Stoner Rock – Musik, geschaffen aus den Steinen von Stonehenge, aus den Ruinen der Akropolis. Aber sie spielte ihn wild und entfesselt und komplett eigenständig, mit Klarinettensolo und Flöten und Dudelsäcken und beschwörenden Gitarren und einem perfekt ausbalancierten Sound zwischen Schroffheit und ungebändigter Energie. Da wurde sogar Pan treu und heiratete kurz darauf eine katholische Priesterin. Seither gibt es einen gar nicht mal so kleinen Geheimbund namens „Zeugen der VILLAGERS OF IOANNINA CITY“, der alles daran setzt, dass diese Band eines Tages „Rock am Ring“ wird headlinen können – denn diese Band braucht die größte Bühne, die größten Boxen, den größten Background-Chor, die gewaltigste Lichtshow: und ein komplett fanatisches Publikum (Da sehe ich in Deutschland schwarz). Wer diese Band nachmittags als Opener verheizt, vergeht sich an den Göttern des RocknRoll. Das Dokument, auf das die Zeugen der Villagers ihren Eid schwören müssen, wurde schließlich erstmals im Februar 2023 historisch belegt: „Through Space and Time“. Es ist ein Live-Album 🦄.

Beste “Hurra, wir werden groß!”-Platte: MID CITY: Happy Ever After

Zum Glück gibt es sie noch: junge Rockbands, die daran glauben, dass sie groß werden können. Die ohne Gurt und Bremse so euphorisch durch die Wohnzimmer und über die Festivalbühnen krachen, dass einem der Schweiß von der Stirn rinnt. Und Euphorie ist das richtige Wort für die vier Australier von MID CITY. Ihr Indie-Rock kommt mit einer Überdosis Energie und Massenappeal daher. Hymnische Songs, massive Singalongs, treibende Rhythmen, raue und laut abgemischte Gitarren: Hier ist alles verdammt groß gedacht. Der Song „Happy Ever After“: ein Hit. „Compromise“: ein Hit. „Choke Mint“: ein Hit. „Car Wreck“: natürlich auch ein Hit. So könnte ich weitermachen und alle Songs des Albums aufzählen. Nur das ruhige „Someone like you“ fällt etwas ab, denn MID CITY sind immer dann am besten, wenn Sänger Joel Griffith nervös die Silben spuckt und dehnt und die Songs mit zittriger, aber kraftvoller und rotziger Stimme zum Höhepunkt treibt. Wenn die Gitarren machtvoll riffen und auf ihr Recht beharren, eigene Melodien zu den Hooks zu kredenzen. Wenn das Schlagzeug Treffer setzt wie ein Preisboxer-Känguru. Sie selbst sagen, dass sie zweieinhalb Jahre an dem Album geschrieben und gearbeitet haben. Vielleicht das Qualitätsgeheimnis: euphorischer, rasender Perfektionismus. Mit ihrer Euphorie sind MID CITY zum Glück nicht allein. Bands wie CORELLA, CVC und die ohnehin gehypten WET LEG könnten ein kleines (oder großes) Indie-Revival auslösen.

Beste “Wir geben noch nicht auf”-Platte: THE ALARM: Forwards

Seit Jahrzehnten kämpft THE ALARM-Frontmann Mike Peters gegen eine chronische Form von Leukämie, an deren Ausbruch er im September 2022 beinahe gestorben wäre. Auch seine Frau und Keyboarderin Jules Jones Peters war an Brustkrebs erkrankt und ist dem Tod von der Schippe gesprungen. Und was macht dieses musizierende Lazarett? Es nimmt zwischen all den Krankenhaus-Aufenthalten ein durch und durch optimistisches, lebenshungriges und Mut machendes Album auf. „Forwards“ bietet straighten, leidenschaftlichen Stadionrock mit kämpferischer Indie-Attitüde und durchweg starken Songs. Es ist das mittlerweile 21. Studioalbum der in den 80er Jahren gefeierten, später aber oft belächelten Band, deren markantestes Markenzeichen wohl ihre seltsamen Vokuhilas waren. Zugegeben: In seinen besten Zeiten sah Peters dem PUR-Frontmann Hartmut Engler nicht unähnlich. Eine Steilvorlage für hämische Kritiker, die die Band mehr als einmal abschreiben wollten.

THE ALARM galten in ihrer Blütezeit in den 80er Jahren als politische Band. Sie sangen, oft aus der Ich-Perspektive und autobiografisch gefärbt, von der Perspektivlosigkeit der Jugend zu Zeiten Margaret Thatchers, vom Arbeitskampf der Bergarbeiter, von Straßengangs und Armut. All das verpackten sie in energiegeladenen, eingängigen Rock, zunächst rau und punkig auf ihrem Debüt „Declaration“ von 1984, später auf große Stadionbühnen schielend, dem Mainstream-Rock nicht abgeneigt (PS: Dass ihre Stadionrock-Phase Ende der 80er Jahre so manche musikalische Banalität bereithielt, gehört zur Wahrheit). Auf der Habenseite der Waliser stehen sechs Millionen verkaufte Alben und 17 Singles in den britischen Charts. Das brachte ihnen Tourneen im Vorprogramm von U2 ein, mit denen sie persönlich befreundet sind – und mit denen sie oft verglichen werden.

Der Vergleich mit U2 ist nicht ganz fair, denn wo diese viel experimentierten und deutlicher auf das Radio schielten, bieten THE ALARM auf ihren besten Releases mehr Uptempo und Geradlinigkeit, ohne ihre Punkwurzeln zu verleugnen. Ein Kritiker von Allmusic schrieb einmal, dass sie jeden Song mit einer Leidenschaft aufnehmen, als wäre er der Höhepunkt ihres Live-Sets. Das traf auf viele frühere Alben nicht mehr zu. Doch nun ist die Energie wieder da, die Leidenschaft. Zu verständlich wäre es gewesen, wenn Mike Peters, körperlich geschwächt und um sein Überleben kämpfend, diese Momente in traurig-schmerzvolle Balladen übersetzt oder zumindest bittere, zynische Rocknummern geschrieben hätte. Aber nichts dergleichen. Der Texter und Hauptsongwriter zeigt, wie man mit den Themen Tod und Krankheit noch umgehen kann. Auch wenn Melancholie mitschwingt, auch wenn er mal nachdenklich wird, überwiegt auf „Forwards“ eine optimistische Grundstimmung. Und auch wenn er gelegentlich Bilanz zieht, etwa in „Love and Forgiveness“ um Vergebung bittet und sich für die ihm entgegengebrachte Liebe bedankt, ist das Album doch in die Zukunft gerichtet. In seinen dunkelsten Momenten feiert Peters das Wunder des Lebens.

Schon der titelgebende Opener „Forwards“ ist ein Song, der in den 80er Jahren auf großen Festivalbühnen funktioniert hätte, mit hallenden, atmosphärischen U2-Gitarren, wirbelnden Drums und einer feierlichen Stimmung. Ähnlich geht es mit „The Returning“ weiter. Ein marschierendes Schlagzeug, Peters fordernde Stimme: „Dream out loud if you want to stay alive/ May the spirits be your guide in the afterlife“. Dass mit dem treibenden „Another Way“ eine Absage an den Fatalismus folgt, passt gut ins Bild. „Hast Du die Nachricht erhalten, dass alles vorbei ist?/ Hast Du sie reden hören, dass es von hier aus keinen Ausweg gibt?“ Nicht mit Peters. „Das glaube ich nicht, es gibt immer einen anderen Weg. Ich bin bereit für das, was kommt!“, singt er. Und wer diesen Sound als altmodisch abtun will, als Relikt der 80er Jahre, der hat nicht zugehört, wie viele hochgelobte Nachwuchsbands in Großbritannien heute klingen: Sie klingen ähnlich. Die Produktion ist rau und kernig, gelegentlich wagt die Band Ausflüge in Americana, epische Balladen oder ins Psychedelische. Das ist eine gute, eine dringliche Indie-Rock-Platte altgedienter Veteranen.

Source: Vampster

Die Death Metal / Grindcore-Band CORPSEVORE hat einen Labeldeal bei Horror Pain Gore Death Productions unterschrieben. Im Zuge dessen wird die französische Band mit “Feed The Plague” eine neue EP veröffentlichen. Die Scheibe folgt dem 2022er-Demo “Sadistic Flesh Ritual Torment” und wird am 2. Februar 2024 erscheinen. Vorab gibt es den Track “Science Without Conscience” zu hören

CORPSEVORE “Feed The Plague” Tracklist
1. If Slaughterhouses Had Glass Walls…
2. Feed The Plague
3. Cognitive Dissonance
4. Fur Bitch
5. Horn Impaled
6. Meat Is Murder, Milk Is Rape
7. Greedhouse Effect
8. A.H.A.B. (All Hunters Are Bastards)
9. Just Another Stun Gun Failure
10. Science Without Conscience (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

For close to twenty years now, SPECTRES have been the spirited stalwarts of the post-punk revival, charmingly blamed for their part in sparking a renaissance in the genre. In the year 2005, a time when DIY punk was more than a quaint notion, vocalist Brian Gustavson, the band’s architect, decided to stir the pot, blending in an ample amount of anarcho-punk’s independent spirit mixed with the detached, chilly cadences of 1980s post-punk and deathrock.

As time marched on, the band’s musical palette expanded to include the eclectic elements of new-wave, synth, and dream pop, yet they’ve clung tenaciously to their anarcho-punk roots like a stubborn barnacle. SPECTRES shape-shifts from airy, pop-infused dance numbers to a clarion call of ‘Wake up and smell the dystopia.’  As they ponder the existential malaise of our era, AM Gold flirts with a flicker of hope in a world that seems to be growing more unnerving by the day.

Now SPECTRES are back, and they’re cranking up the anticipation for their next album with a fresh single that’s pure ear candy. AM Gold lands with a bounce and a touch of nostalgia, making it the ideal antidote to post-holiday blues. Fans of Chameleons, The Damned, and Play Dead, take note: this track is a direct line to your sonic sweet spot. With a chorus that’s as grand as it is infectious, AM Gold showcases SPECTRES’ genius for songwriting. This single promises great things for the upcoming album, but also reaffirms the band’s place in the pantheon of post-punk power.

Listen to AM Gold and pre-order Presence here. This tune is a must-add to your playlists.

Presence by SPECTRES

After working with several different DIY labels over their first 12 years as a band, Spectres signed with Toronto’s Artoffact records in the summer of 2018 and is looking forward to releasing another album with the label. Presence is set for worldwide release on March 15th, 2024, marking the band’s first release since 2021’s ‘Hindsight‘.

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Source: Post-Punk.com

Die Black Metal-Band MERRIMACK hat nach dem Video-Clip zu “Sulphurean Synods” mit “Dead and Distant Clamors” eine zweite Single ihres kommenden Albums “Of Grace and Gravity” veröffentlicht. Es ist das sechste Album der Franzosen aus Paris und wird am 8. März 2024 via Season of Mist erscheinen.

“Of Grace and Gravity” wurde von Francis Caste (u.a. für SVART CROWN tätig) im Studio Sainte-Marthe in Paris produziert.

MERRIMACK “Of Grace and Gravity” Tracklist
1. Sulphurean Synods (6:42) (Video bei YouTube)
2. Sublunar Despondency (7:07)
3. Dead and Distant Clamors (5:35) (Audio bei YouTube)
4. Wounds that Heal (6:44)
5. Starving Crowns (8:05)
6. Under the Aimless Spheres (7:01)
7. Embalmer’s Wine (6:59)

Source: Vampster

Die Noise / Post-Hardcore / Sludge-Band BARATRO hat nach dem Video zu “Fight The Parking Meter” mit dem Video zu “The Bad, The Bad And The Ugly” eine zweite Single ihres kommenden Albums “The Sweet Smell of Unrest” veröffentlicht. Es ist nach der EP “Terms and Conditions” das erste Album des Trios aus Mailand, welches aus Bassist und Sänger Dave Curran (UNSANE), Gitarrist und Sänger Federico Bonuccelli sowie Drummer Luca Antonozzi besteht.

“The Sweet Smell of Unrest” wird am 2. Februar 2024 via Improved Sequence Records erscheinen.

BARATRO “The Sweet Smell of Unrest” Tracklist
1. Fight The Parking Meter (Video bei YouTube)
2. Pay Dirt
3. The Bad, The Bad And The Ugly (Video bei YouTube)
4. Don’t Look At Me, I’m Hideous
5. Adherence
6. It’s All Your Fault Timmy
7. Pope Of Dope
8. Nervous Wreck
9. Grotesque
10. Simp
11. Glutton

Source: Vampster

Die Alternative Rock-Band DEAD POET SOCIETY hat mit “My Condition” eine weitere Single ihres kommenden Albums “Fission” veröffentlicht.

Zuvor sind mit “I hope you hate me.” und “How Could I Love You?” zwei Singles auf einen Schlag erschienen. Beide Songs handeln von den manchmal bittersüßen, oft aber auch einfach nur bitteren Folgen einer turbulenten Beziehung.

Schon im September hat die Band mit “Running In Circles” und “HURT” eine Doppel-Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht.

“”Running in Circles” erforscht die paranoiden Stimmen in unseren Köpfen”, teilt die Band mit. “Es geht um den Kampf, sich selbst treu zu bleiben und das ‘Fake’ zu vermeiden.”

Zu “HURT” erklärt die Band: “Es gibt nicht viel im Leben, das frustrierender ist, als jahrelang verzweifelt zu versuchen, eine Karriere aufzubauen und wenig vorzuweisen zu haben. Man lebt auf dem Fußboden, auf der Couch von Freunden oder im Auto, arbeitet einen Job nach dem anderen, um gerade so über die Runden zu kommen, geht auf Tour und kommt mit weniger Geld zurück als vorher. Wir haben diesen Song als Symbol für diese nagenden Zweifel und Unsicherheiten geschrieben. Der Zweifel, der dich verzehrt und der durch Menschen oder Ereignisse in deinem Leben ausgelöst werden kann, aber meistens ist es wieder die Stimme in deinem Kopf.”

“Fission” ist nach dem Debütalbum “-!-“. das zweite Album der US-Amerikaner, die 2024 durch Europa touren werden, und wird am 26. Januar 2024 via Spinefarm erscheinen.

DEAD POET SOCIETY “Fission” Tracklist
“5:29:45”
“Running In Circles” (Video bei YouTube)
“HURT” (Video bei YouTube)
“How Could I Love You?” (Audio bei YouTube)
“I hope you hate me.” (Video bei YouTube)
“UTO”
“Tipping Point”
“LA Queen”
“Hard To Be God”
“81 Tonnes”
“My Condition” (Audio bei YouTube)
“KOET”
“Black and Gold”

DEAD POET SOCIETY Tourdaten 2024
16 February 2024 Portugal Lisbon LAV Room 2
17 February 2024 Spain Madrid Sala Sol
18 February 2024 Spain Barcelona Razzmatazz 3
20 February 2024 Italy Milan Legend
21 February 2024 Switzerland Baden Werkk Baden
22 February 2024 Germany Munich Feierwerk
24 February 2024 Austria Vienna Chelsea
25 February 2024 Hungary Budapest Akvarium Klub Small Hall
26 February 2024 Czech Republic Prague Futurum
28 February 2024 Germany Berlin Hole 44
02 March 2024 Sweden Stockholm Nalen Klubb
03 March 2024 Norway Oslo Parkteatret
04 March 2024 Denmark Copenhagen Pumpehuset
06 March 2024 Germany Hamburg Logo
07 March 2024 Netherlands Amsterdam Melkweg OZ
08 March 2024 Belgium Antwerp Trix Club
10 March 2024 Germany Cologne Luxor
11 March 2024 France Paris La Maroquinerie
13 March 2024 UK Bristol Thekla
14 March 2024 UK Birmingham O2 Institute 2
16 March 2024 UK Leeds Brudenell Social Club
17 March 2024 UK Glasgow King Tuts
19 March 2024 UK Manchester Rebellion
20 March 2024 UK London Scala
22 March 2024 UK Belfast Limelight 2
23 March 2024 IRE Dublin Whelans

Source: Vampster

Nach Lord Of The Lost versuchen nun Gothminister ihr Glück: Die Band tritt mit "We Come Alive" beim norwegischen Vorentscheid für den Eurovision Song Contest 2024 an.

Source: Sonic Seducer

WOLVES IN THE THRONE ROOM kündigen ihre “Crypt of Ancestral Knowledge” EU Tour 2024 mit Special Guest GAEREA und Opener MORTIFERUM im Mai und Juni 2024 an.

WOLVES IN THE THRONE ROOM schreiben: “WOLVES OF EUROPE! Die Crypt of Ancestral Knowledge Europatour wird im Mai starten. Wir werden sowohl Material von unserer aktuellen EP als auch ältere Songs spielen, die wir seit Jahren nicht mehr gespielt haben. Kommt und entzündet die Beltane-Feuer mit uns.”

GAEREA erklärt: “Die nächste Generation für die Vortex Society startet im Mai mit einer europäischen Jagd an der Seite von WOLVES IN THE THRONE ROOM und MORTIFERUM. Neue Musik. Eine neue Tour. Eine neue Ära. Brace Yourselves.”

Tickets sind ab Freitag, 12. Januar um 10:00 Uhr auf WITTR.com erhältlich.

WOLVES IN THE THRONE ROOM Tourdaten 2024

11.05.2024 – Bornstedt (DE) – Dark Troll Fest
16.05.2024 – Copenhagen (DK) – A Colossal Weekend
17.05.2024 – Leipzig (DE) – Wave Gothic Festival
18.05.2024 – Warsaw (PL) – Proxima
19.05.2024 – Cracow (PL) – Kamienna12
20.05.2024 – Budapest (HU) – Analog
21.05.2024 – Wien (AT) – Arena
22.05.2024 – München (DE) – Feierwerk
23.05.2024 – Parma (IT) – Campus
24.05.2024 – Luzern (CH) – Schuur
25.05.2024 – Hollandveen (NL) – Graveland Festival
26.05.2024 – Brugge (BE) – Cactus
28.05.2024 – Limerick (IRE) – Dolans Warehouse
29.05.2024 – Dublin (IRE) – Opium
30.05.2024 – Bristol (UK) – The Fleece31.05.2024 – London (UK) – Earth
01.06.2024 – Glasgow (UK) – The Garage
02.06.2024 – Scarborough (UK) – Fortress Festival
04.06.2024 – Bochum (DE) – Zeche
05.06.2024 – Frankfurt (DE) – Zoom
06.06.2024 – Hamburg (DE) – Grunspan
07.06.2024 – Berlin (DE) – Columbia Theater

Source: Vampster

JUDAS PRIEST haben nun auch zum Song “Panic Attack” einen Videoclip veröffentlicht, der Track stammt vom kommenden Studioalbum “Invincible Shield”, das am 8. März 2024 erscheint.

“Panic Attack” könnte dem ein oder anderen bereits bekannt vorkommen: Die Band teilte den Track schon im Oktober 2023 als erste Single und veröffentlichte dazu auch ein Lyrics-Video.

Auch zu “Trial By Fire”, dem zweiten Vorab-Song der neuen Platte, gibt es zwei Clips:  “Trial By Fire”-Video bei YouTube und Lyrics-Video zu “Trial By Fire”

Das 19. Album der britischen Heavy Metal-Band erscheint über Columbia Records.

JUDAS PRIEST Konzerte in Deutschland 2024
Im kommenden Jahr sind JUDAS PRIEST auch wieder auf Tour, die Tour beginnt am 11. März 2024 in Glasgow und führt die Band im März und im Juli nach Deutschland. Karten gibt’s im Vorverkauf.

24.03.2024 Frankfurt – Festhalle
25.03.2024 München – Olympiahalle
27.03.2024 Dortmund – Westfalenhalle

01.07.2024 Hamburg – Barclays Arena
02.07.2024 Berlin – Max-Schmeling-Halle
04.07.2024 Nürnberg – ARENA NÜRNBERGER Versicherung
08.07.2024 Mannheim – SAP Arena
10.07.2024 Dresden –  Messehalle

JUDAS PRIEST “Invincible Shield” Tracklist
1. “Panic Attack” 5:25 (Official Video) (Lyrics-Video)
2. “The Serpent and the King” 4:19
3. “Invincible Shield” 6:21
4. “Devil in Disguise” 4:44
5. “Gates of Hell” 4:37
6. “Crown of Horns” 5:45
7. “As God Is My Witness” 4:35
8. “Trial by Fire” 4:21 (Lyrics-Video) (Official Video)
9. “Escape from Reality” 4:24
10. “Sons of Thunder” 2:58
11. “Giants in the Sky” 5:03

Deluxe edition bonus tracks
12. “Fight of Your Life” 4:15
13. “Vicious Circle” 3:00
14. “The Lodger” 3:46

 

Source: Vampster