Da gibt es diese Tage, die fühlen sich an wie ein schlecht programmiertes Computerspiel: Der Fahrstuhl hängt im dritten Stock, der Drucker schreit nach Toner, und in...

Source: MedienKonverter

Stella Nomine 2025 – The Blackest OneAugust 14-16, 2025, Entenfang Torgau In 2025, Stella Nomine once again presented itself as a special kind of festival: small, informal, distinctive. Those who travel to the Entenfang in Torgau are not looking for the biggest line-up or the loudest headliners, but the special mix of music, closeness and […]

Source: Orkus

The Polish band Mazut already has several albums to its name. After six years, Paweł...

Source: Side Line

  With his Life Inside the Feeder Mind album soon to arrive, British vocalist/guitarist Dave Pen has unveiled the de facto title track as its latest single. Pen explains the album’s songs to originate from “a dark and often confused state of mind,” with “Feedermind” touching on the slow drip of the unknown [..]

Source: RE:GEN Mag

Gegründet 2013 in Österreich von Ashley Dayour und David Pfister, ist 'The Devil & The Universe' eine dieser Bands, die man nicht einfach in eine Schublade stecken...

Source: MedienKonverter

In den USA sorgt man sich gerade darum, ob der Präsident wirklich ernst macht mit seiner Drohung, Fernsehsendern kurzerhand die Lizenz zu entziehen – eine politische Posse,...

Source: MedienKonverter

In our July/August issue, we spoke to mastermind Oliver Satyr about the song “Lament” – the first single from the new album “Hex”. We delve deeper into the conversation in our September/October issue and chat about witches, magic, songs with a mind of their own and consider the possibility of turning into a rabbit. FAUN […]

Source: Orkus

With “Between Despair And Disbelief”, Jesus On Extasy open a new chapter – one that unmistakably shows where the path leads. No adaptation, no looking back, but an uncompromising blueprint between industrial rock, melancholic force and apocalyptic sharpness. The album is not an invitation to escapism, but a spotlight on the dark sides of our […]

Source: Orkus

SPONSORED POST In Covert mix elements of death rock with industrial metal and post-punk on their debut album “Bleak Machinery”. The formation, consisting of Wes Lopez (guitar, synth), Kris Balocca (vocals), Oscar Ruvalcaba (drums) and Victor Guitierrez (bass) from Los Angeles, found inspiration in The Cure, X-Files and Godflesh – which is reflected in the […]

Source: Orkus

Die kanadische Alternative / Gothic Metal-Band THE FIXER hat mit „It Will End Tonight“ eine neue Single veröffentlicht. Der Song folgt auf das 2023er-Debütalbum „Your Lie“ und handelt von der schmerzhaften Erkenntnis, dass sich eine Situation nicht ändern wird, egal wie sehr man daran festhält. Es geht um die Kraft, die man braucht, um wegzugehen, wenn ein Bleiben nur noch mehr Schaden verursacht.

THE FIXER Line-Up:
Vic Sin (Guitar)
Null (Drums)
Busuzu (Bass)
Melladonna (Vocals)

THE FIXER „It Will End Tonight“ (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

Die Death Metal-Band THAUMATURGY hat nach dem Opener „Neuroticism Triumphant“ mit „Plague Ritual“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Pestilential Hymns“ veröffentlicht. Es ist nach „Tenebrous Oblations“ (2023) das zweite Album der US-Amerikaner aus Kansas und wird am 20. Oktober 2025 via Memento Mori erscheinen.

THAUMATURGY „Pestilential Hymns“ Tracklist
1. Neuroticism Triumphant (Audio bei YouTube)
2. The Oncologist’s Hymn
3. The Shadow Approaches
4. Plague Ritual (Audio bei YouTube)
5. Awaken Ares
6. Entropic Hegemony
7. An Ignominious End
8. Forced March

Source: Vampster

Die Heavy / Doom Metal-Band WOLFTOOTH hat einen Labeldeal bei Ripple Music unterschrieben. Im Zuge dessen werden die US-Amerikaner aus Maryland ihr neues Album „Wizard’s Light“ veröffentlichen. Es ist das vierte Album des Quintetts.

„Wizard’s Light“ wird am 21. November 2025 erscheinen. Vorab gibt es ein Lyric-Video zum Titeltrack.

„Ich habe mich schon immer für Filme und Bücher über Mythologie interessiert. Zauberer, Drachen und Ritter haben mich schon immer fasziniert, weil sie in dieser Zeit gelebt haben. Es schien, als hätten sich damals alle an den Zauberer gewandt, um Rat zu erhalten. Darum geht es in diesem Lied“, sagt Gitarrist und Sänger Chris Sullivan.

WOLFTOOTH Line-Up:
Chris Sullivan – Vocals, Guitar
Jeff Cole – Guitar
Jeremy Lovins – Guitar
Terry McDaniel – Bass
Shane Shook – Drums

WOLFTOOTH „Wizard’s Light“ Tracklist
1. Hymn of Belgrarath (Intro)
2. Sightless Archer
3. Darkened Path
4. Wizard’s Light (Lyric-Video bei YouTube)
5. Sands of Redemption
6. Eternal Hunt
7. Armor of Steel
8. War Brigade
9. Bloodline
10. All Father

Source: Vampster

Die Melodic Power Metal-Band TERRA ATLANTICA hat nach dem Lyric-Video zu „Caribbean Shores“ mit „Hoist The Sail“ einen Video-Clip von ihrem kommenden Album „Oceans“ veröffentlicht.

Es ist das vierte Album der Deutschen aus Hamburg und behandelt Themen wie Entdeckung, Verrat, Hoffnung und den unzerbrechlichen menschlichen Geist. Das Album erzähle eine Geschichte über Entdecker, verlorene Zivilisationen und die ewige Suche nach der Wahrheit, die unter den Wellen verborgen liegt.

„Oceans“ wurde von Eike Freese (DARK AGE) gemixt und gemastert und mit einem Cover-Artwork von Dusan Marcovic ausgestattet. Release-Termin ist der 26. September 2025 via Scarlet Records. Vorab gibt es zu „Land Of Submarines“ ebenfalls einen Video-Clip.

TERRA ATLANTICA Line-Up
Tristan Harders – vocals, guitar
Nico Hauschildt – drums, backing vocals
Dawid Wieczorek – guitar, backing vocals
Julian Prüfer – bass

TERRA ATLANTICA „Oceans“ Tracklist
01 Ocean Fever
02 Back To The Sea
03 Hoist The Sail (Video bei YouTube)
04 Caribbean Shores (Lyric-Video bei YouTube)
05 Turn Of The Tide
06 Through The Water And The Waves
07 Where My Brothers Await
08 Land Of Submarines (Video bei YouTube)
09 Raven In The Dark
10 To The Realm Of Gods
11 Oceans Of Eternity

Tourdaten VICTORIUS, TERRA ATLANTICA 2026
16.04 Münchenstein (CH) – Rockfact
17.04 Frankfurt A.M. (DE) – Nachtleben
18.04 Munich (DE) – Backstage
19.04 Vienna (AT) – Viper Room
24.04 Bochum (DE) – Rockpalast
25.04 Hamburg (DE) – Logo
30.04 Berlin (DE) – Badehaus
01.05 Dresden (DE) – Puschkin
02.05 Leipzig (DE) – Hellraiser
08.05 Braunschweig (DE) – Rock In Rautheim
15.05 Nürnberg (DE) – Cult
16.05 Annaberg-B. (DE) – Alte Brauerei

Source: Vampster

Mit „Consume Us“ wird am 8. Oktober 2025 via Amor Fati Productions das neue Album der Black Metal-Band ILLUSIVE KEY erscheinen. Es ist der erste Release des internationalen Trios rund um Gitarrist und Sänger MK (HÄXENZIJRKELL) sowie Bassist und Gitarrist DÉHÀ, der das Album in dessen Opus Magnum Studios in Brüssel produziert hat. Das Cover-Artwork stammt von Sophia W.. Vorab gibt es den Track „Ghosts“ zu hören.

ILLUSIVE KEY Line-Up:
MK: Guitars & vocals
Déhà: Bass, Synths & additional guitar
CSQN: Drums

ILLUSIVE KEY „Consume Us“ Tracklist
1. Disseverence (8:38)
2. Ghosts (8:49) (Audio bei YouTube)
3. Yearning (8:35)
4. Consume Us (5:25)

Source: Vampster

Die Electronic / Psychedelic Rock-Band AUA hat den Opener „Ersatz Intercity“ ihrer kommenden EP „Painkiller No. 2“ als Video-Clip veröffentlicht. Die Scheibe folgt auf das 2024er-Album „Painkiller No. 1“, dem dritten Album des Leipziger Duos, welches aus Fabian Bremer und Henrik Eichmann besteht.

„Painkiller No. 2“ wurde mit einem Cover-Artwork von Mihailo KalabiÄ� ausgestattet und wird am 17. Oktober 2025 via Crazysane Records erscheinen.

AUA „Painkiller No. 2“ Tracklist
1. Ersatz Intercity (Video bei YouTube)
2. Painkiller No. 2
3. Return of the Energy Vampire
4. Acid Rain New Solitude

Source: Vampster

Sleeping days away from you
Wondering if I’ll get back the time
Waste the night with claims to you
Pace decides the eyes that I call mine

Boston’s House of Harm steps onto the scene once again, this time like characters caught in a moment of heartfelt longing from an imagined John Hughes film—the kind where the camera lingers on rain-streaked windows, a synth line cuts through the silence, and love is both the cure and the wound. Their latest single, “Away Above,” unfurls as a brooding new-wave ballad, romantic and bruised in equal measure.

Built on deep, bass-driven synths, gauzy pads, and chiming brass-like tones, the track channels the lush melodicism of The Human League and the glossy melancholy of Berlin. It feels like something preserved on celluloid between 1982 and 1987: widescreen, cinematic, and endlessly replayable, as if scored for a love scene where the outcome is uncertain.

The lyrics read like diary entries written in disappearing ink: “You sent me away… what I am now,” or “The longing in my life,” lines that sound less sung than confessed. Elsewhere, there’s a push and pull between concealment and revelation, between promises kept and broken. “Away Above” doesn’t resolve so much as it holds—the musical equivalent of a wave from the window as the train pulls away.

Listen to Away Above below:

Away Above by House of Harm

House of Harm formed in Boston, Massachusetts, and built a reputation for blending post-punk urgency with the melodic shimmer of new wave and synth-pop. Their early EPs carved out a cult following, leading to their 2020 debut album Vicious Pastimes. In 2023, they released Playground, mixed by Chris King with production touches from Chris Coady and mastering by Josh Bonati, expanding their sound into a more widescreen palette while keeping their minimalist edge. Recent singles “Can’t Fight the Feeling,” “Carousel,” and now “Away Above” highlight a band continuing to evolve while staying true to their melancholy and melodic core.

House of Harm will hit North American stages this Autumn for their At Last ’25 + ’26 Tour. The band will be joined by friends Sculpture Club, Past Self, and Stare Away throughout the tour. The itinerary kicks off on September 21st in Montreal with dates across Canada and the Midwest, continues through the South in early October, and resumes on the West Coast in December with stops in Seattle, Portland, San Francisco, Los Angeles, and more. A December 18th show in Boston marks a homecoming before the tour wraps up in January with four nights across Texas.

See full dates below.

House of Harm – At Last ’25 + ’26 Tour

Sep 21 – Montreal, QC
Sep 22 – Toronto, ON
Sep 23 – Cleveland, OH
Sep 24 – Chicago, IL
Sep 25 – Milwaukee, WI
Sep 26 – Minneapolis, MN
Sep 27 – Omaha, NE
Sep 28 – Kansas City, MO
Sep 30 – Indianapolis, IN
Oct 1 – Birmingham, AL
Oct 2 – Tampa, FL
Oct 3 – Atlanta, GA
Oct 6 – Pittsburgh, PA
Oct 7 – Baltimore, MD
Oct 9 – New York, NY
Dec 1 – Seattle, WA
Dec 2 – Portland, OR
Dec 3 – San Francisco, CA
Dec 4 – Los Angeles, CA
Dec 6 – Phoenix, AZ
Dec 7 – Las Vegas, NV
Dec 8 – Salt Lake City, UT
Dec 9 – Denver, CO
Dec 18 – Boston, MA
Jan 15 – Houston, TX
Jan 16 – McAllen, TX
Jan 17 – San Antonio, TX
Jan 18 – Dallas, TX

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Source: Post-Punk.com

Sleeping days away from you
Wondering if I’ll get back the time
Waste the night with claims to you
Pace decides the eyes that I call mine

Boston’s House of Harm steps onto the scene once again, this time like characters caught in a moment of heartfelt longing from an imagined John Hughes film—the kind where the camera lingers on rain-streaked windows, a synth line cuts through the silence, and love is both the cure and the wound. Their latest single, “Away Above,” unfurls as a brooding new-wave ballad, romantic and bruised in equal measure.

Built on deep, bass-driven synths, gauzy pads, and chiming brass-like tones, the track channels the lush melodicism of The Human League and the glossy melancholy of Berlin. It feels like something preserved on celluloid between 1982 and 1987: widescreen, cinematic, and endlessly replayable, as if scored for a love scene where the outcome is uncertain.

The lyrics read like diary entries written in disappearing ink: “You sent me away… what I am now,” or “The longing in my life,” lines that sound less sung than confessed. Elsewhere, there’s a push and pull between concealment and revelation, between promises kept and broken. “Away Above” doesn’t resolve so much as it holds—the musical equivalent of a wave from the window as the train pulls away.

Listen to Away Above below:

Away Above by House of Harm

House of Harm formed in Boston, Massachusetts, and built a reputation for blending post-punk urgency with the melodic shimmer of new wave and synth-pop. Their early EPs carved out a cult following, leading to their 2020 debut album Vicious Pastimes. In 2023, they released Playground, mixed by Chris King with production touches from Chris Coady and mastering by Josh Bonati, expanding their sound into a more widescreen palette while keeping their minimalist edge. Recent singles “Can’t Fight the Feeling,” “Carousel,” and now “Away Above” highlight a band continuing to evolve while staying true to their melancholy and melodic core.

House of Harm will hit North American stages this Autumn for their At Last ’25 + ’26 Tour. The band will be joined by friends Sculpture Club, Past Self, and Stare Away throughout the tour. The itinerary kicks off on September 21st in Montreal with dates across Canada and the Midwest, continues through the South in early October, and resumes on the West Coast in December with stops in Seattle, Portland, San Francisco, Los Angeles, and more. A December 18th show in Boston marks a homecoming before the tour wraps up in January with four nights across Texas.

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House of Harm – At Last ’25 + ’26 Tour

Sep 21 – Montreal, QC
Sep 22 – Toronto, ON
Sep 23 – Cleveland, OH
Sep 24 – Chicago, IL
Sep 25 – Milwaukee, WI
Sep 26 – Minneapolis, MN
Sep 27 – Omaha, NE
Sep 28 – Kansas City, MO
Sep 30 – Indianapolis, IN
Oct 1 – Birmingham, AL
Oct 2 – Tampa, FL
Oct 3 – Atlanta, GA
Oct 6 – Pittsburgh, PA
Oct 7 – Baltimore, MD
Oct 9 – New York, NY
Dec 1 – Seattle, WA
Dec 2 – Portland, OR
Dec 3 – San Francisco, CA
Dec 4 – Los Angeles, CA
Dec 6 – Phoenix, AZ
Dec 7 – Las Vegas, NV
Dec 8 – Salt Lake City, UT
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Source: Post-Punk.com

Collabs 3000 – the collaboration between techno artists Chris Liebing and Speedy J – announce...

Source: Side Line

I couldn’t believe my eyes
How fast you’d change your mind
You never said that any love could ever fade away
In Liverpool, where concrete streets still hum with echoes of Merseybeat and punk squall, So, Reverie rise with their own crooked hymn. Andy Power’s voice moves like a lit match across damp wood, striking sudden light against the ache of memory. Beside him, Cain Garcia hammers both rhythm and melody into form, his guitar and drums speaking with blunt, human conviction. Together, they are less a band than a dialogue: two friends soldering fragments of youth, longing, and discontent into sound.

Their latest offering, Close My Eyes, is built from the marrow of heartbreak. It lives in the ache of rooms haunted by shapes of the departed, the restless loop of nights where silence is filled with remembered voices. There is no soft reconciliation, only the restless push toward release. The track burns with the paradox of grief: the wound of absence and the strange desire to love even from a distance, to cradle what has already slipped into the tide.

Power’s guitar lines tangle like ivy around Garcia’s percussive heartbeat. One moment sharp as glass, the next dissolving into hazy shimmer, they mirror the jagged, restless nature of memory itself. Garcia grounds the piece with drumming that feels less like timekeeping and more like the inexorable ticking of thought. Their playing is intuitive, tethered by a long friendship that turns collaboration into instinct.

The spirit of the song is steeped in history. You can hear the spectral sway of The Cure, the chiming brilliance of RIDE, and the wistful lift of The Ocean Blue. So, Reverie inhabit a liminal space between post-punk’s angular honesty and dreampop’s gauzy drift. They nod to New Order’s machine-lit dance floors, Slowdive’s hazed communion, and Interpol’s urban chill, but lace it with the restless vitality of newer acts: Bleach Lab, NewDad, DIIV.

“Close My Eyes feels like our most defining song to date and to us it’s the song that in many ways started off So, Reverie as we know it. I wrote the guitar riff while catsitting for my cousin who was away on holiday in the summer of 2023. I was alone and isolated in a house for a week in the middle of the countryside and the riff came out as a musical expression reflective of how I felt. The lyrics and chords then came instantly — it was during a period of personal upheaval and the song reflects on the difficulties of sudden heartbreak. The song was a means for me to discuss my state of disbelief at how something can change so quickly, when things are too raw to be seen with a clear perspective and you’re simply left blinded by nostalgia for something that once was,” says Power.

“When the initial idea of the song was born, we hadn’t even started the band. The recording I had of the riff was what made Cain want to join the band and get back into the rehearsal room only a few weeks after the dissolution of our previous band. As soon as he added the dancey beat to the riff and I heard how everything combined, it felt like we had found our direction. Since then we’ve not looked back and we are so excited for people to hear the track as it feels like a huge step up in our progression as songwriters from our early singles,” Power adds.

Directed by Harry Harper, the video, featuring Putpipat Tamtantiwattana, turns the private space of a room into a theatre of disorientation. A lone figure is subtly undone, drifting from the quiet routine of solitude into a breach where reality splinters. The band appears suddenly, uninvited guests of the mind? A coping mechanism? Fingers stretch and warp, a body betrays its own form. An uncanny twin lingers in silence. Each image folds into the next with the logic of dreams, yet carries the menace of a waking hallucination. The sequence feels less like a narrative than a fever, its rhythm unmoored, its imagery unsettling in its precision.

“Working with Harry Harper on the video was an absolute pleasure,” Power explains. “He’s been a long-standing collaborator of the band and he was really able to visually capture the emotion behind the song. The visual aspect of So, Reverie is something we take extremely seriously, which is why we really wanted to make sure we had a video at the same level of quality as the song. I think Harry did a really good job at creating scenes that highlight the feelings of longing, loneliness, and melancholy you hear in the lyrics and the guitars, which is what makes the video so fitting,”

Watch the video for “Close My Eyes” below:

There is a sense that So, Reverie’s Power and Garcia are not chasing a career as much as chasing a sound they would willingly wait in line to hear. They move against the flattening tide of the UK’s current music landscape, where compromise is often the price of visibility. Their refusal of that bargain breathes life into the music, lending it the urgency of a manifesto written in reverb and rhythm.

Close My Eyes is a portrait of rupture and resolve. In it, So, Reverie transmute private ache into communal song. It feels as if they are calling across the rain-wet streets of Liverpool, summoning both ghosts and the living, asking us to remember, to feel, and to wait with them in that suspended space where longing and release meet.

After early singles like Sentimentality and Decaying drew attention through BBC Introducing, Power and Garcia secured support slots with HighSchool, Bleach Lab, GIFT, and Heartworms, and sold out their debut headline show at The Kazimier Stockroom in 2024. Working with producer Rob Whiteley, they’ve since honed their most defining material, beginning with Close My Eyes, the first single from their 2025 EP.

Find Close My Eyes on streaming here.

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Source: Post-Punk.com

Am 18. Oktober 2025 lädt das nähe Frankfurt(M) beheimatete Label Cold Transmission zur vierten Ausgabe seiner Label Night…

Source: monkeypress.de

-> >;"Otra", das siebte Studioalbum der norwegischen Avantgarde-Metaller IN THE WOODS... mag für all jene Hörer überraschend sein, welche die permanente Evolution der Band aus der südnorwegischen Stadt Kristiansand seit den frühen Neunzigern nicht weiter verfolgt haben. Die Songs auf "Otra" sind bemerkenswert eingängig und melodisch, wobei auch im aktuellen Sound von IN THE WOODS... immer wieder progressive Elemente und gelegentlich auch raue Erinnerungen an die harsche Vergangenheit der Norweger aufblitzen. "Otra" hebt sich von der Masse der Heavy-Veröffentlichungen durch seine herausragenden Kompositionen ab, die von jahrelanger musikalischer Erfahrung zeugen und mit einer täuschenden Leichtigkeit daherkommen. Inhaltlich erzählt "Otra" persönliche Geschichten aller beteiligten Musiker, die durch den namensgebenden Fluß verbunden sind, der sich 245 Kilometer lang durch den Süden Norwegens schlängelt und in der Heimatstadt der Band in den Skagerrak mündet. Den Namen IN THE WOODS... braucht man Freunden von Avantgarde und Black Metal kaum vorstellen. Ihre Eckdaten innerhalb der Szene sind wohlbekannt: Die Norweger zählen zu den Bands, die an der Entwicklung des nordischen Black Metal in den frühen Neunzigern beteiligt waren und den Sound eines starken Subgenres maßgeblich mitgeprägt haben. Ihr Erstlingswerk "Heart of the Ages" (1995) gilt zu Recht als einer der frühen Klassiker des Genres. Doch IN THE WOODS... haben sich nie auf ihren Lorbeeren ausgeruht und stießen bereits mit den Nachfolgewerken "Omnio" (1997) sowie "Strange in Stereo" (1999) in neue Klangdimensionen vor. Nach einer langen Unterbrechung zwischen den Jahren 2000 und 2014 kehrten die Norweger mit dem neuen Sänger James Fogarty zurück, der bis zum Dezember 2021 am Mikrofon stand. Mit einer runderneuten Besetzung, unter anderem nun mit dem Sänger Bernt Fjellestad, nahmen IN THE WOODS... mit dem Album "Diversum" (2021) erneut eine Kursänderung vor. Mit "Otra" demonstrieren die mittlerweile aufeinander eingespielten Norweger die volle Stärke und künstlerische Reife von IN THE WOODS... in der dritten Inkarnation. Dieses spannende und packende Album steckt voller glorreicher Details und überraschender Wendungen, die sich nach und nach in vielen Durchläufen erschließen.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. The Things You Shouldn’t Know-> >;
2. A Misrepresentation of I-> >;
3. The Crimson Crown-> >;
4. The Kiss and the Lie-> >;
5. Let Me Sing-> >;
6. Come Ye Sinners-> >;
7. The Wandering Deity-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook):-> >;
1. Disgust And Awe-> >;
2. A Magical Descent-> >;
3. Benevolent-> >;
4. Old And Alone

Source: Prophecy

-> >;Mit ihrem vierten Album "Confessing Darkness" erweitern IMHA TARIKAT erneut alle Grenzen des Black Metal, ohne dabei die enge Verbindung zu dem harschen Stil zu verlieren. Das Genre war von Anfang an deutlich weniger eng definiert, als es eifersüchtige Gatekeeper und juvenile Sittenwächter oftmals unterstellt haben. Die deutschen Black Metal Erneuerer haben von Anfang an zahlreiche der Möglichkeiten genutzt, die das Genre zu bieten hat, und sich doch hörbar ihre eigenen Klangräume erschlossen. Ihr tonales Königreich ruht im Wesentlichen auf zwei Säulen: Musikalisch prägen ein unerbittlicher Vorwärtsdrang und eine unbändige Leidenschaft ihren Sound. "Confessing Darkness" entfesselt sogar noch mehr von dieser rohen Energie als jemals zuvor. Das andere tragende Element besteht aus einer tiefen emotionalen Intelligenz, die das Potential des Black Metal voll ausschöpft, jedes erdenkliche Gefühl auszudrücken – von der reinen Liebe bis zum finstersten Hass, von schweren Depressionen bis zu unbändiger Freude. Auch auf "Confessing Darkness" beruhen diese persönlichen Bekenntnisse auf nichts als der Wahrheit. Dabei hat IMHA TARIKATs lyrischer und musikalischer Kopf, Kerem Yilmaz alias Ruhsuz Cellât, das gesamte Album erstmals komplett im Studio aufgenommen, was dem Sound zugute kommt. Yilmaz hat sich zudem für kürzere, schärfere Attacken entschieden. Die Stücke auf "Confessing Darkness" kommen direkt und zügig auf den Punkt, und lassen sofort wieder los, sobald sich ihre zerstörerische Kraft voll entfaltet hat. IMHA TARIKAT präsentieren sich auf "Confessing Darkness" hörbar gereift. Obwohl ihrer Klanggewalt aufgrund von Erfahrung und hart errungenem musikalischen Wissen etwas von ihrem jugendlichen Ungestüm abgegeben hat, gewinnen die deutschen Black Metal Aufsteiger dadurch erheblich an Durchschlagskraft und Überzeugung. "Confessing Darkness" markiert zweifellos einen musikalischen Meilenstein für IMHA TARIKAT.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
CD Digipak-> >;
1. Intro - Aufbruch-> >;
2. Wicked Shrine-> >;
3. Another Failed Ritual-> >;
4. Voices Of Bitter Epiphany-> >;
5. Excellent Grief-> >;
6. Confessing Darkness-> >;
7. Chamber Of Sin-> >;
8. Horns In The Smoke-> >;
9. Memoria Dei (Profanity And Devil)-> >;
10. Pitch Black Reflection-> >;
11. The Day I Died (Reborn Into Flames)-> >;
12. The Sun Goes Down (A Thin Lizzy Interpretation) (bonus track)-> >;
-> >;
Artbook CD:-> >;
1. Intro - Aufbruch-> >;
2. Wicked Shrine-> >;
3. Another Failed Ritual-> >;
4. Voices Of Bitter Epiphany-> >;
5. Excellent Grief-> >;
6. Confessing Darkness-> >;
7. Chamber Of Sin-> >;
8. Horns In The Smoke-> >;
9. Memoria Dei (Profanity And Devil)-> >;
10. Pitch Black Reflection-> >;
11. The Day I Died (Reborn Into Flames)-> >;
12. The Sun Goes Down (A Thin Lizzy Interpretation) (bonus track)-> >;
13. Schwarzflammensanktum (bonus track)-> >;
14. Architect Of No Hope (bonus track)-> >;
-> >;
Vinyl:-> >;
1. Intro - Aufbruch-> >;
2. Wicked Shrine-> >;
3. Another Failed Ritual-> >;
4. Voices Of Bitter Epiphany-> >;
5. Excellent Grief-> >;
6. Confessing Darkness-> >;
7. Chamber Of Sin-> >;
8. Horns In The Smoke-> >;
9. Memoria Dei (Profanity And Devil)-> >;
10. Pitch Black Reflection-> >;
11. The Day I Died (Reborn Into Flames)

Source: Prophecy

-> >;Mit ihrem elften regulären Studioalbum "Every Rock, Every Half-Truth under Reason" feiern die experimentellen Konzeptkünstler KAYO DOT das 20-jährige Jubiläum von "Choirs of the Eye" mit einer Wiedervereinigung der Originalbesetzung. Dies ist als kühnes Statement des Komponisten und Bandkopfs Toby Driver zu verstehen. Dieser markiert damit sowohl eine Rückkehr, da er jene kompositorischen Praktiken wieder aufgreift, die den Erstling definiert haben, als auch eine Weiterentwicklung, weil Driver gleichzeitig in unbekanntes Terrain vorstößt. Unter Ablehnung traditioneller Rock-Strukturen und der eher vorhersehbaren Konturen des Metal formt "Every Rock, Every Half-Truth under Reason" einen Sound, der sich gleichzeitig vertraut und fremd anfühlt, in dem eigens entworfenen mikrotonale Orgeln und Gitarren den Versuch unternehmen, die unmögliche Spannung zwischen Vergangenheit und Zukunft aufzulösen. Das Werk entfernt sich von der typischen Betonung der tiefen Frequenzen und schwebt stattdessen im oberen Spektrum, wo die Texturen zerbrechlicher und intimer, aber auch rauer und erschreckender werden. Auf diesem Album werden KAYO DOT auch von dem Geist einer kommenden Zukunft heimgesucht: dem Gespenst einer KI-generierten Kreativität. Die zunehmende Präsenz von künstlichen Kompositionen, prädiktiver Modellierung und algorithmischer Ästhetik wirft bereits einen langen Schatten auf die künstlerische Kreativarbeit. Dies veranlasste Driver dazu, auf eine Art und Weise zu komponieren, die sich Vorhersagen widersetzt, und eine Musik zu erschaffen, die sich der Mustererkennung entzieht. Ein großer Teil von "Every Rock, Every Half-Truth under Reason" ist dem Versuch geschuldet, gegen den Strich der Lesbarkeit zu bürsten und etwas zu erschaffen, das sich dem Zugriff von Vorhersagesystemen entzieht. Nach der Auflösung der beliebten Band MAUDLIN OF THE WELL gründete Toby Driver im Jahr 2003 das Avantgarde-Musikprojekt KAYO DOT als neues Vehikel für seine sprudelnde Kreativität. In den folgenden 20 Jahren veröffentlichten KAYO DOT eine beeindruckende Anzahl von Alben, EPs, Split-Werken und Live-Aufnahmen, die sich allesamt durch beträchtliche stilistische Unterschiede und eine breite Palette von Instrumenten auszeichnen, darunter Gitarren, Bass, Schlagzeug, Vibraphon, Violine, Synthesizer, Flöten, Klarinetten und Saxophon.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Mental Shed -> >;
2. Oracle By Severed Head -> >;
3. Closet Door in the Room Where She Died -> >;
4. Automatic Writing -> >;
5. Blind Creature of Slime -> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook)-> >;
1. Mental Shed (instrumental)-> >;
2. Automatic Writing (instrumental)-> >;
3. Closet Door in the Room Where She Died (instrumental)-> >;
4. Augoeides

Source: Prophecy

-> >;Novembers Doom "The Pale Haunt Departure"-> >;
20th Anniversary Edition – Vinyl lt; Artbook Release-> >;
Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint das Kult-Album von Novembers Doom "The Pale Haunt Departure" erstmalig auf Vinyl! Dieses Death Doom Meisterwerk markierte im Jahr 2005 den endgültigen Durchbruch der Band und gilt bis heute zurecht als Meilenstein des Genres.-> >;
Zum Jubiläum erscheint außerdem ein aufwendig gestaltetes Artbook inklusive 7 exklusiver Bonustracks, rarem Bildmaterial und Liner-Notes – ein Leckerbissen für Sammler und Fans.-> >;
Ein dunkles musikalisches Monument – zeitlos und intensiv!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
Vinyl-> >;
1. The Pale Haunt Departure-> >;
2. Swallowed by the Moon-> >;
3. Autumn Reflection-> >;
4. Dark World Burden-> >;
5. In the Absence of Grace-> >;
6. The Dead Leaf Echo-> >;
7. Through a Childs Eyes-> >;
8. Collapse of the Fallen Throe-> >;
Bonustracks-> >;
9. Through a Childs Eyes (Live Unplugged)-> >;
10. The Dead Leaf Echo (Live Unplugged)-> >;
11. Autumn Reflection (Live Unplugged)-> >;
-> >;
2CD book:-> >;
CD1-> >;
1. The Pale Haunt Departure-> >;
2. Swallowed by the Moon-> >;
3. Autumn Reflection-> >;
4. Dark World Burden-> >;
5. In the Absence of Grace-> >;
6. The Dead Leaf Echo-> >;
7. Through a Childs Eyes-> >;
8. Collapse of the Fallen Throe-> >;
-> >;
CD2-> >;
1. Through a Childs Eyes (Live Unplugged)-> >;
2. The Dead Leaf Echo (Live Unplugged)-> >;
3. Autumn Reflection (Live Unplugged)-> >;
4.In The Absence Of Grace (Demo)-> >;
5. Swallowed by the Moon (Demo)-> >;
6. Dead Leaf Echo (Demo)-> >;
7. Dark World Burden (Demo)

Source: Prophecy

-> >;NOVEMBERS DOOM kehren mit ihrem zwölften Album "Major Arcana" triumphal zurück. Sechs lange Jahre nach ihrem gefeierten Werk "Nephilim Grove" (2019) haben sich die amerikanischen Dark-Metaller ihre musikalische Messlatte noch etwas höher aufgelegt und ein stimmiges, von Tarotkarten und der Wahrsagerei inspiriertes Konzeptalbum geschaffen. Dieses Thema spiegelt sich sowohl im Artwork und Design von "Major Arcana" als auch in den Texten des Albums wider. Die im Jahr 1989 in Chicago, Illinois, von Sänger Paul Kuhr gegründete Band hat sich über mehr als drei Jahrzehnte kontinuierlich weiterentwickelt. Mit ihrem Debütalbum "Amid Its Hallowed Mirth" positionierten sichNOVEMBERS DOOM Anfang 1995 mit ihrem dunklen musikalischen Kurs als eine der führenden Vertreter des amerikanischen Death Doom. In den folgenden Jahren verfeinerten und erweiterten die Amerikaner ihren markanten Stil kontinuierlich weiter, den sie selbst als "Dark Metal" bezeichnen. NOVEMBERS DOOM verstehen es meisterhaft, ihre Wurzeln im Death und Doom Metal mit Einflüssen aus Folk, Prog und klassischem Rock zu verbinden, und sich dadurch stets auf neue und überraschende Weise weiterzuentwickeln – ohne dabei jemals ihre charakteristische Handschrift und den atmosphärischen Sound zu verlieren. Von dem eindringlichen, ätherischen Gefühl des Eröffnungsstücks 'June', über brutal zertrümmernde Songs wie 'Ravenous' sowie der epischen Traurigkeit und Sehnsucht in Stücken wie 'Mercy' und 'Bleed Static', bis hin zu den frenetischen Hooks von 'The Fool' und 'Dusking Day' decken NOVEMBERS DOOM die gesamte, weit gespannte Bandbreite ihrer Sounds und Emotionen ab. Macht euch bereit für die dunklen Prophezeiungen von "Major Arcana"!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. June-> >;
02. Major Arcana-> >;
03. Ravenous-> >;
04. Mercy-> >;
05. The Dance-> >;
06. The Fool-> >;
07. Bleed Static-> >;
08. Chatter-> >;
09. Dusiking Day-> >;
10. XXII

Source: Prophecy

-> >;"Ochre lt; Ash" lautet der Titel des vierten Albums der kaskadischen Black Metal Schamanen FAUNA. Ocker und Asche sind auch zwei Hauptzutaten, die von der noch jungen Menschheit verwendet wurden, um Höhlenmalereien zu erschaffen. Das Coverartwork vereint beide Aspekte, indem es eine Wandmalerei aus der Cueva de las Manos ("Höhle der Hände") in Argentinien verwendet, deren älteste Darstellungen auf Stein gesprühter Hände um 7.300 vor Beginn der Zeitrechnung entstanden sind. FAUNA sind animistische Geistliche, die Zuhörer und Teilnehmer ihrer Live-Rituale zurück zu den Ursprüngen unserer Spezies führen – in das Zeitalter archaischer menschlicher Spiritualität der Jäger und Sammler. "Ochre lt; Ash" ist als schamanische Unterweltreise konzipiert, als ein Prozess des rituellen Todes, eine von Schrecken erfüllte Passage durch unbekannte Gefilde sowie der Wiedergeburt in neuer Form. Obwohl "Ochre lt; Ash" auf den ersten Blick wie ein reguläres Album mit sechs Tracks erscheint, ist es als ein zusammenhängendes Werk gedacht; unterteilt in drei "Songs", die durch Ambient-Zwischenspiele verbunden sind. Das Konzept von "Ochre lt; Ash" reicht bis zur Gründung von FAUNA zurück. Dieses musikalische Wesen entstand im Jahr 2004 in Olympia, Washington in einem Ausbruch von rasender Black Metal Wut. Darin drückte sich auch der spirituelle Drang der Künstler aus, Schamanismus und Atavismus zu erforschen, d.h. das Wiederauftauchen von Eigenschaften, die in der menschlichen Biologie und Kultur als verloren galten. FAUNA entwickelten sich bald zu einem integralen und inspirierenden Teil jener Klangrevolution, die heute als Cascadian Black Metal bekannt ist – gemeinsam und im kreativen Austausch mit Szenelegenden wie AGALLOCH und WOLVES IN THE THRONE ROOM. Mit "Ochre lt; Ash" begleiten FAUNA ihre Hörer mit einem Black Metal Ritual auf einer schamanischen Reise weit zurück in jene Zeit, als frühmenschliche Jäger und Sammler sich bei Fackelschein in dunklen Höhlen versammelten, um in einem Akt der Magie Hände, Tiere und Werkzeuge durch hohle Knochenröhrchen mit Ocker und Asche auf die nackten Knochen der Erde zu sprühen.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. A Conjuring -> >;
2. Nature lt; Madness -> >;
3. Femoral Sun-> >;
4. Labyrinths -> >;
5. Mockery-> >;
6. Eternal Return

Source: Prophecy

The Valkyries march gloriously into battle in “Valkyrensturm”. With its rousing folk metal, the quartet dedicates this single to the strong women. Sagenbringer explain: “A song that became so powerful in the studio that it served as a template for the mix of almost all the other songs.” “Valkyrensturm” is the first herald of the […]

Source: Orkus

-> >;HEXVESSEL erkunden auf ihrem epischen siebten Album "Nocturne" liminale Räume, z.B. zwischen Licht und Dunkelheit sowie Natur und Einsamkeit. Die sich kontinuierlich wandelnde finnische Band besinnt sich wieder auf ihre Wurzeln im Folk und im psychedelischen Rock, indem sie akustische Zwischenspiele, kosmische Synthesizer und geisterhafte Pianoklänge kunstvoll mit den frostgesponnenen Fäden ihres Black Metal Geflechts verwebt. "Nocturne" klingt sowohl vertraut als auch unverhohlen progressiv, da HEXVESSEL ihre eigene Tradition mit einer frischen Neuerfindung ihres charakteristischen Sounds vermischen. Der Keim für dieses Meisterwerk wurde durch die Aufführung eines Auftragswerks beim Roadburn Festival 2024 gesetzt, das ursprünglich den Titel "Music for Gloaming: A Nocturne" trug. Mit diesem Album nimmt das Projekt eine ausgearbeitete physische Gestalt an. Dieses opus magnum verbindet den rauen Geist von Quorthons Black Metal mit dem komplexen Minimalismus zeitgenössischer Komponisten wie Philip Glass, György Ligeti und Avro Pärt. Den eklektischen Charakter von "Nocturne" unterstreichen ausgewählte Gastauftritte wie der ätherische Gesang von Saara Nevalainen oder die harschen Stimmen der Avantgarde Black Metal Vorreiter Yusaf Vicotnik Parvez (DHG/DØDHEIMSGARD) und ORANSSI PAZUZUs Juho Vanhanen. HEXVESSEL stammen zwar aus dem finnischen Tampere, die Band wurde aber vom englischen Sänger und Songwriter Kvohst alias Mat McNerney gegründet, nachdem er im Jahr 2009 in das nordische Land gezogen war. In vielerlei Hinsicht spiegeln HEXVESSEL die Natur ihres Gründers wider. Der Sänger und Songwriter war schon in vielen erfolgreichen Gruppen und Projekten aktiv, deren Spektrum von der britischen Black Metal Band CODE über einen Abstecher bei den norwegischen Legenden DHG bis hin zu den Rock-Shootingstars BEASTMILK reicht, die er später mit GRAVE PLEASURES fortsetzte. Mit "Nocturne" laden HEXVESSEL alle dunklen Seelen der Erde zu einem transzendentalen Nachtritual ein, das unter anderem die Klangvisionen von DARKTHRONE, TANGERINE DREAM und Philip Glass aus der toten Vergangenheit erweckt und mit neuem Leben erfüllt.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Opening-> >;
02. Sapphire Zephyrs -> >;
03. Inward Landscapes-> >;
04. A Dark lt; Graceful Wilderness -> >;
05. Spirit Masked Wolf -> >;
06. Nights Tender Reckoning -> >;
07. Mother Destroyer -> >;
08. Concealed Descent-> >;
09. Unworld-> >;
10. Phoebus-> >;
-> >;
Bonustracks (nur Artbook und Bundle)-> >;
"Music For Gloaming, A Nocturne By The Hexvessel Folk Assembly (Live At Roadburn Festival 2024)"-> >;
-> >;
01. Sapphire Zephyrs -> >;
02. Inward Landscapes-> >;
03. A Dark lt; Graceful Wilderness -> >;
04. Spirit Masked Wolf -> >;
05. Nights Tender Reckoning -> >;
06. Concealed Descent-> >;
07. Unworld-> >;
08. Phoebus-> >;
-> >;
-> >;
Bonus Tracks (nur Bundle)-> >;
-> >;
01. Under the Lake-> >;
02. Horse Tears (Goldfrapp-Cover)

Source: Prophecy

-> >;Mit ihrem zweiten Album "Lupus Viridis" ("Der grüne Wolf") entführen VRÎMUOT ihre Zuhörer in eine Anderswelt, die von Fabelwesen aus Volksmärchen, Überlieferungen und Legenden bevölkert wird. In ihren poetischen Texten aber auch durch das musikalische Ambiente erweisen sich die deutschen Dark Folk Pioniere als herausragende Geschichtenerzähler. Bandkopf T.S. alias Lupus Viridis hat seit der Veröffentlichung von VRÎMUOTs Debütalbum "O Tempora, O Mores!" im Jahr 2020 sehr große Schritte in seiner musikalischen Entwicklung gemacht. Durch die Verbindung seiner Reifung als Künstler aber auch als Mensch mit der aus Live-Auftritten gewonnenen Erfahrung hat das Dark Folk Projekt sowohl seine Ambitionen als auch sein Spektrum erweitert. Mit "Lupus Viridis" fordern VRÎMUOT erneut die imaginären Grenzen ihres Genres heraus. Der Eröffnungstrack 'Die Mær vom steinernen Mann' scheint beispielsweise sogar organisch und sehr subtil rhythmische Einflüsse des Jazz durch eine Prise 'Take Five' aufzunehmen. Während VRÎMUOT die Kernästhetik des Genres beharrlich ausweiten, entfernt sich ihr mythopoetischer Dark Folk nie allzu weit von den klassischen Werten des Neofolk. VRÎMUOT kommen aus dem sagenumwobenen Teutoburger Wald und betrachten ihren Dark Folk als metaphorisches Werkzeug der Wahl mit kathartischer Wirkung und positiver Grundeinstellung. Die Naturerfahrung von Wäldern, Bergen und Flüssen bleibt auch in der magischen Anderswelt ihrer Märchen und Legenden stets eine präsente Kraft. Magie hat auch Meister Markus Stock gewirkt, der das Mastering des Albums zu einem knackig klaren, aber dennoch organischen und warmen Klangerlebnis verwandelt hat – ein Sound, der perfekt zu VRÎMUOTs Geschichten und Stimmungen auf "Lupus Viridis" passt. VRÎMUOT machen mit "Lupus Viridis" sowohl textlich als auch musikalisch sehr große Fortschritte. Da bleibt nur, sich zurückzulehnen und entspannt den Geschichten und Mären des meisterlichen Dark Folk Erzählers zu lauschen.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Die Mær vom steinernen Mann-> >;
2. Holles Rat-> >;
3. Minnesang-> >;
4. Nimm dich in Acht...-> >;
5. ...rauh ist die Nacht!-> >;
6. Lupus Viridis-> >;
7. Dritter Akt - Heldenzeit-> >;
8. Vom Traum zur Pflicht-> >;
9. Toteninsel

Source: Prophecy

Mit kraftvollen Hymnen zwischen Dark Rock, Industrial und Metal sind Erdling seit einem Jahrzehnt ein Fixpunkt der deutschsprachigen…

Source: monkeypress.de

-> >;Nach einem Jahrzehnt der Stille kehren LUX INTERNA mit ihrem fünften Album "New Wilderness Gospel" zurück. Das Album bietet mehr als nur eine Sammlung von Songs, denn es ist das Herzstück einer größeren, immersiven Welt, die aus Klängen, Texten und Bilden gewoben wurde. Mit "New Wilderness Gospel" haben LUX INTERNA eine fragmentierte Erzählung vor dem Hintergrund der trostlosen Highways, schattigen Appalachen und knochenbleichen Wüsten eines Amerikas geschaffen, das zugleich rau und mythisch ist. In Songs finden sich Echos vom statischen Knistern unsichtbarer Stimmen, die das Gewicht der Vergangenheit in die Gegenwart tragen. Prophetisches Geflüster reist durch Stromleitungen, Geister schwärmen durch die Stille der Wüste und in den tiefen Wäldern lauert bei Nacht eine noch sehr viel ältere Dunkelheit. Musikalisch gleicht "New Wilderness Gospel" einem gespenstischen Wandbehang, der aus dem Akzent des Desert Blues, spektralen Echos von Folk und Gospel aus den Appalachen, dem unheimlichen Schimmer von Psychedelia sowie Post-Punk und der rohen Intensität amerikanischer Gothic-Balladen gewebt wurde. Darunter flackern verzerrte Spuren des Girl-Pop der 60er und dem New Wave der 80er wie ferne Radiosignale aus dem Rauschen. Es ist ein Sound, der sowohl von den Erinnerungen vergangener Zeiten gezeichnet wurde als auch, ewig rastlos, weiter in die Zukunft strebt. Im Gefolge ihrer Debüt-EP "Truth, Beauty, and All Their Severity" (2000) haben LUX INTERNA bereits vier Studioalben veröffentlicht – beginnend mit "Absence and Plenum" (2002) und gefolgt von "Ignis Mutat Res" (2004), "God Is Not Dead for the Birds" (2007) sowie zuletzt "There Is Light in the Body, There Is Blood in the Sun" aus dem Jahr 2013. Das Gesamtkunstwerk "New Wilderness Gospel" stellt im Kern die Frage: Was passiert, wenn das Lied der Welt ins Statische abzugleiten droht? Wenn die Straßenkarten versagen und alle vertrauten Pfade verschwinden? Was entsteht dann in der Wildnis jenseits der Horizonte des Imperiums?-> >;
-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Dark Fire/Revelator-> >;
02. Over The Timberlines-> >;
03. Brittle-> >;
04. Like Wolves-> >;
05. Into Night-> >;
06. No Arrow-> >;
07. Old Blood Blues-> >;
08. Her Wilderness -> >;
09. Selva Oscura-> >;
-> >;
CD2 (nur Artbook):-> >;
01. Dogs lt; Wolves-> >;
02. The Messenger -> >;
03. Jacob, Body Seer-> >;
04. Enoch’s Dream-> >;
05. The Stormwatcher’s Tale-> >;
06. Out of this World Alive-> >;
07. A Trap for Time-> >;
08. Radio, Revelator-> >;
09. The Moses Code-> >;
10. A Strange Meeting

Source: Prophecy

-> >;Im klassischen, nicht-popkulturellen Sinne bezieht sich der Begriff "Schamanismus" in erster Linie auf die spirituellen Praktiken der indigenen Völker Sibiriens. Schamanen interagieren als Beschützer ihrer Gemeinschaften über veränderte Bewusstseinszustände mit der Geisterwelt. Auf ihrem Album "Songs of the Shaman" interpretieren NYTT LAND traditionelle schamanische Gesänge und Zaubersprüche der mandschu-tungusischen Sprachgruppen unter Sibiriens Ethnien. Bei diesen Liedern kommen sehr alte musikalische Techniken wie Kehlkopfgesang und Trommeln zum Einsatz. Alle Gesänge wurden in der jeweiligen Originalsprache aufgenommen. Damit will die Band deren ursprüngliche Kraft bewahren, die auch aus der Intonation sowie dem Sprachrhythmus der Worte entsteht. Diese Sammlung alter Magie in Form von Geisterbeschwörungen, Abwehrzaubern und Segensprüchen wurde sorgfältig ausgewählt und schließt Schadflüche bewusst aus. NYTT LAND sind eine rituelle nordische Folk-Band, die das Ehepaar Natalya und Anatoly Pakhalenko im August 2013 in der westsibirischen Stadt Kalachinsk gründete, welche am Ufer des Flusses Om und als Station der Transsibirischen Eisenbahn errichtet wurde. Nach drei in Eigenregie veröffentlichten Alben, "Nytt Land" (2013), "Hávamál" (2015) und "Scopun: Songs from the Elder Edda" (2016), erschien im Jahr 2017 mit "Fimbulvinter" ihr Debüt bei einem Label, auf das kurz darauf das Album "Oðal" (2018) folgte. Während NYTT LAND auch weiterhin Werke in Eigenregie veröffentlichten, traten die sibirischen Elemente in ihrer Musik auf ihrem dritten Label-Album "Ritual" stärker als jemals zuvor in den Vordergrund. Mit "Songs of the Shaman" laden NYTT LAND alle diejenigen, die bereit sind ihnen zuzuhören, auf eine musikalische Traumreise zu einem verborgenen Ort in Zeit und Raum ein, an dem noch die Geister herrschen und den selbst die Götter fürchten. Sicherheitshinweis: NYTT LAND empfehlen allgemeine Vorsicht beim Hören von alter Magie.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Eikule Yekule (The Ritual of Divination)-> >;
02. Cingelji Ingelji (The Song of the Shaman's Assistant)-> >;
03. Eikuli Yekuli (Summoning the Spirit of the River - The Borders of the Land of the Dead)-> >;
04. Kerani Kerani (The Ritual of Returning the Soul From the Land of the Dead)-> >;
05. Hoge Yage (The Ritual of the Beginning of the Path)-> >;
06. Ara Koro (Oldman's Song)-> >;
07. Hogi Yagi (Summoning the Spirit - Stealer of Souls)-> >;
08. Hailambi Xulembi (The Ritual of Exorcising an Evil Dead Spirit)-> >;
09. Demon Slayer-> >;
10. Hobage Yebage (Summoning the Spirit to Cross the River)-> >;
-> >;
CD2 (nur in Buch-Edition):-> >;
01. Long Time Ago-> >;
02. Hope-> >;
03. Shaman-> >;
04. Opening the Way-> >;
05. Two Rivers-> >;
06. The One Who Stole The Soul-> >;
07. Ilmun-Khan-> >;
08. Exorcism-> >;
09. Omosi-Mama-> >;
10. Returning Home

Source: Prophecy

-> >;Neuauflage des bahnbrechenden Debütalbums-> >;
-> >;
Mit ihrem bahnbrechenden Debütalbum von 1994 gaben Bethlehem einem kompletten Genre seinen Namen: "Dark Metal". Zum 20-jährigen Jubiläum dieses Klassikers erscheint nun eine Neuauflage im Digipak-Format mit Bonus-DVD. Diese enthält den Videomitschnitt eines kompletten Bethlehem-Konzerts in Polen aus dem Jahr 1994 und ist somit ein hochinteressantes historisches Dokument der Frühphase einer der einflussreichsten Metal-Bands Deutschlands.-> >;
-> >;
Titelliste:-> >;
CD-> >;
1. The 11th commandment-> >;
2. Apocalyptic Dance-> >;
3. Second coming-> >;
4. Vargtimmen-> >;
5. 3rd Nocturnal prayer-> >;
6. Funereal owlblood-> >;
7. Veiled irreligion-> >;
8. Gepriesen sei der Untergang-> >;
DVD-> >;
Live in Poland 1994-> >;
1. The 11th Commandment-> >;
2. Apocalyptic Dance-> >;
3. Second Coming-> >;
4. Vargtimmen-> >;
5. Supplementary Exegesis-> >;
-> >;
Gatefold-LP (kristallklares Vinyl) inkl. gefütterter Innenhülle und Schutzhülle (500 Stück erhältlich)

Source: Prophecy

-> >;Alles fließt, nichts bleibt wie es ist. Diese philosophische Erkenntnis gilt auch für das dritte Studioalbum der aufstrebenden niederländischen Rockband DOOL. Der treffende Titel "The Shape of Fluidity" zielt keineswegs nur auf die musikalische Innovation. Sondern das Album dreht sich um Themen wie persönlicher Wandel, physische Veränderung, psychologische Weiterentwicklung und die sich erneuernde Welt um uns herum. DOOL und insbesondere Raven van Dorst (Gesang, Gitarre) stellen Fragen: Wie wirkt sich der Wandel auf uns aus? Wie bleiben wir uns selbst in einer Welt treu, die so unglaublich herausfordernd und aggressiv gegenüber dem Individuum ist? Wir müssen so fließend wie Wasser sein, um in diesem Ozean von Möglichkeiten und Ungewissheiten erfolgreich zu navigieren – und Frieden mit Chaos und Unbeständigkeit zu schließen. Musikalisch setzen DOOL den auf den beiden vorangegangenen Studioalben eingeschlagenen Weg fort, der emotionale Rockmusik mit Elementen aus dem Metal kombiniert. Dabei demonstrieren die Niederländer eine auffällige Reife und Kontrolle im Songwriting, die aus Jahren der Erfahrung gewachsen sind. "The Shape of Fluidity" zeigt eine eklektische, aber nahtlose Verschmelzung von Progressive und Post-Rock sowie Doom und Heavy Metal, die mit einer stets präsenten Eingängigkeit und hintergründigen Dynamik kombiniert sind. Es ist offenkundig, dass sich das Album thematisch mit dem Konzept der Identität vor dem Hintergrund einer sich ständig verändernden Welt befasst. Die Texte des Albums sind eng mit der Biografie von Leadsänger/in Raven verknüpft. Von Geburt an intersexuell, entschieden die Ärzte chirurgisch, dass der Säugling als Mädchen durchs Leben gehen solle. Dies führte zu einer Existenz auf der Suche nach der eigenen Seele, dem Kampf gegen Tabus und die Überschreitung von Grenzen, bis Raven vor kurzem beschloss, das zurückzufordern, was andere versuchten hatten, ihnen wegzunehmen – und ihre hermaphroditische Natur zu akzeptieren. Der Bandname DOOL leitet sich vom niederländischen Wort für "Wandern" ab. Bereits das im Jahr 2017 erschienene Debütalbum "Here Now, There Then" landete einen sofortigen Volltreffer. Der frisch-wilde Rock- und Metalsound aus den Niederlanden wurde von den renommierten deutschen Magazinen Metal Hammer und Rock Hard zum "Album des Monats" gekürt. Auch Vice (US), Aardschok (NL) und De Volkskrant (NL) überschütteten die junge Band mit Lob. Mit ihrem zweiten Album "Summerland", das 2020 erschien, übertrafen DOOL die ohnehin schon hochgesteckten Erwartungen. Es gab weitere "Album des Monats"-Auszeichnungen in den deutschen Magazinen Rock Hard (10/10) und Sonic Seducer sowie eine #2 Soundcheck-Position in Metal Hammer (DE) und Metal.de, und eine weitere #1 im polnischen Metal Hammer - mit einem Berg herausragender Kritiken auf beiden Seiten des Atlantiks. Mit "The Shape of Fluidity" bieten DOOL sehr viel mehr als nur verdammt coole Musik. Die zusätzlichen Dimensionen von Tiefe und Bedeutung sind Teil ihres einzigartigen Reizes und kommen auf dem neuen Album deutlich zum Vorschein. Mögen sich alle, die wandern, unter der fluiden Flagge von DOOL versammeln!-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Venus in Flames-> >;
2. Self-Dissect-> >;
3. The Shape of Fluidity-> >;
4. Currents-> >;
5. Evil in You-> >;
6. House of a Thousand Dreams-> >;
7. Hermagorgon-> >;
8. Hymn for a Memory Lost-> >;
9. The Hand of Creation-> >;
-> >;
Gatefold-LP (lim. Arctic Pearl Vinyl) mit gefütterter Innenhülle und Schutzhülle

Source: Prophecy

-> >;Mit ihrem fünften Album "The Stillness of Dissolution" begeben sich AUSTERE auf eine dunkle Reise, die durch die Abgründe der Zeit, die unausweichliche Rückkehr jeglicher Ordnung in den Zustand des Chaos und in die schwarze Leere führt. Oder in den Worten des Dichters: "… alles, was entsteht, ist wert, dass es zugrunde geht…". Dieses Album bringt wieder mehr Schwärze in den Sound der Australier, die damit eine leichte Kursänderung härter am Wind vornehmen; ohne sich der Nostalgie "alter Tage" hinzugeben. AUSTERE bleiben im selbstgesteckten Rahmen der reiferen und definierten Version ihres besonderen depressiven Black Metal Stils, der ihre Erfahrung und künstlerische Entwicklung widerspiegelt. AUSTERE entstanden aus einem Soloprojekt des Multi-Instrumentalisten und Sängers Desolate alias Mitchell Keepin, der sich im Jahr 2005 mit dem Schlagzeuger, Keyboarder und Sänger Sorrow aka Tim Yatras zusammenschloss. Mit frostigen Gitarren, spitzen Schreien und Wehklagen als Markenzeichen offenbarte AUSTEREs Debütalbum "Withering Illusions and Desolation" (2007) noch einen starken nordischen Einfluss. Das Zweitwerk "To Lay like Old Ashes" folgte im Jahr 2009 ebenfalls mit einem rohen Sound, überzeugte aber auch durch eine verfeinerte Produktion. Danach konzentrierten sich beide Musiker auf andere Projekte und AUSTERE ging in den Winterschlaf. Erst im Jahr 2021 fand das Duo erneut zusammen. Die Zahl der Anhänger war in den Jahren ihrer Abwesenheit dennoch rein durch Mundpropaganda stark angewachsen. AUSTERE sind zurück und tragen auf "The Stillness of Dissolution" schwarze Trauer. Doch darunter kleiden sich die Australier auch in all die subtilen Grautöne, die aus der kontinuierlichen Entwicklung ihrer Musik gewebt wurden, und aus dunkler Materie spannende neue Klangräume erschaffen.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Dissolved Exile-> >;
2. Time Awry-> >;
3. Redolent Foulness-> >;
4. The Downfall-> >;
5. Rusted Veins-> >;
6. Storm Within My Heart

Source: Prophecy

-> >;Bs Vermächtnis und der extremste Schwanengesang des Jahres 2011-> >;
-> >;
Lifelovers viertes und letztes Album "Sjukdom" (deutsch: Krankheit) ist ein düsteres und herausforderndes Album. Nach ihrem gefeierten Werk von 2008, dem kathartischen "Konkurs", schlagen die schwer fassbaren und geheimnisvollen Misanthropen mit "Sjukdom" einen noch gewagteren Pfad ein, auf dem die Extreme des typisch eigenwilligen Stils der Gruppe bis an die äußersten Grenzen ausgereizt werden: Die bittersüßen Melodien klingen noch schöner, die pulsierende, pechschwarze Härte tönt noch hässlicher. Nach dem tragischen Tod von B im September 2011 wird dies das letzte Studioalbum Lifelovers bleiben.-> >;
-> >;
Gatefold-LP (silber-schwarzes Marble-Vinyl) in gefütterter Innenhülle und Schutzhülle (500 Einheiten)

Source: Prophecy

-> >;Der Inbegriff des Narcotic Metal-> >;
-> >;
Diese Neuauflage von Lifelovers drittem Album "Konkurs" ist die erste Veröffentlichung der Band auf Prophecy. Mit Elementen von Black Metal, Indie Pop, Post Punk und Shoegaze zeichnet "Konkurs" eine trostlose und dystopische Vision der modernen, urbanen Verzweiflung. Ob man es nun hasst oder liebt: "Konkurs" verändert dauerhaft die Wahrnehmung dessen, was man mit Black oder sogenanntem Extreme Metal machen kann.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
01. Shallow-> >;
02. Mental Central Dialog-> >;
03. Brand-> >;
04. Cancertid-> >;
05. Konvulsion-> >;
06. Twitch-> >;
07. Narcotic Devotion-> >;
08. Alltid - Aldrig-> >;
09. Stängt P.G.A Semester-> >;
10. Original-> >;
11. Bitter Reflektion-> >;
12. Mitt Annexia-> >;
13. Spiken I Kistan-> >;
14. En Tyst Minut-> >;
-> >;
Bonus-Tracks (nur 2-CD-Digipak)-> >;
01. I-> >;
02. II-> >;
-> >;
Gatefold-2LP (transparent-schwarzes Smoke-Vinyl) in gefütterten Innenhüllen und Schutzhülle (500 Einheiten)

Source: Prophecy

-> >;THURNINs drittes Album "Harmr" wurde aus jenem tiefen Gefühl der Trauer geboren, welches nur aus Liebe entstehen kann. Der Titel ist ein altisländisches Wort, das sich gut mit "Kummer" übersetzen lässt. Der Verlust eines geliebten Lebensbegleiters ist für jeden Menschen schwer zu ertragen, und umso schwerer wiegt es, wenn es sich um eine Mehrzahl handelt. Dies erklärt, warum Molltöne und ein reduziertes Tempo in den meisten Songs von "Harmr" überwiegen – gerade auch im Vergleich zum Vorgängeralbum "Útiseta" (2023). Auf Letzterem interpretierte THURNIN-Mastermind Jurre Timmer den numinosen Akt des "Draußensitzens", eine isländische Tradition, als einen Weg zur Gemeinschaft mit der Natur. Doch während sich die magische Traumwelt auf dem dritten Langspieler von THURNIN in eine dunklere, melancholischere Richtung entwickelt hat, gibt es auch die Gefühle der Hoffnung auf Erlösung, liebevolle Erinnerungen und Momente der Schönheit. Diesen musikalischen Kontext erschuf Timmer bereits auf seinem Debütalbum "Menhir" (2021). Als „Menhir“ seinen Weg aus Timmers damaligem Heimstudio in der Stadt Soest bei der niederländischen Stadt Amersfoort fand, wurde das Album auf Anhieb zum YouTube-Hit, der längst die Millionenmarke bei den Aufrufen überschritten hat. Am Rande des Winters, wenn der Frühling sich anschickt, die nördliche Hemisphäre mit Licht und Wärme zu beglücken, öffnen THURNIN ein neues Portal zu ihrer Traumwelt. "Harmr" wurde zwar aus Trauer geboren, doch seine sanften musikalischen Visionen heilen mit Trost und Zuwendung.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Mana-> >;
2. Gefera-> >;
3. Arcturus-> >;
4. Heortece-> >;
5. Eitr-> >;
6. Fygja-> >;
7. Folkvangr

Source: Prophecy

-> >;Vier ehemalige Mitglieder der heiß geliebten, aber leider aufgelösten finnischen Band GHOST BRIGADE kamen Ende 2020 in ihrer Heimatstadt Jyväskylä zu einem Gespräch zusammen. Das Gespräch entwickelte sich bald in eine unerwartete Richtung, die am Ende zur Geburt von CERESIAN VALOT führte. Mit mehreren Songwritern und zwei Sängern, die auf Finnisch singen, war Gitarrist und Hauptsongwriter Wille Naukkarinen voller Zuversicht, dass sich der Musikstil der neuen Band von ganz allein in eine neue Richtung entwickeln würde. Die Zeit gab ihm Recht. Der Sound des Debütalbums "Uumen" ("Tiefen") entpuppt sich als sehr dynamisch, vielschichtig und mit einer breiten Palette von Klängen und Ideen. Stilistisch verschmilzt das Album unter anderem Alternative, Rock, Progressive und verschiedene Metal-Genres. Die in finnischer Sprache geschriebenen Texte auf "Uumen" kreisen um das Thema "Unsicherheit". Obwohl das Album oft düster und melancholisch wirkt, sind die Texte keineswegs apokalyptisch, sondern sie bieten auch Hoffnung und ein Licht am Ende des Tunnels an – auch wenn das nicht unbedingt hell erstrahlt. Da die Finnen in ihren Reihen Songwriter, Grafiker, Produzenten, Mixing lt; Recording Engineers und sogar einen Mastering Engineer haben, ist es kaum verwunderlich, dass die Band einen ausgeprägten DIY-Ethos pflegt. Mit "Uumen" brechen CERESIAN VALOT zu einer aufregend neuen musikalischen Reise auf, die etwas Altes, etwas Neues, etwas Geborgtes, etwas Dunkles und ein goldenes Talent für Songwriting mit sich führt: Wer "Uumen" mit offenen Ohren hört, wird mit subtiler Schönheit belohnt.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. Ajattomuus / Rajattomuus-> >;
2. Taivaankatsoja-> >;
3. Uumen-> >;
4. Pohjavirtauksia-> >;
5. Karavaaniseralji-> >;
6. Hyöky-> >;
7. Valojuovat

Source: Prophecy

-> >;FALKENBACH waren ursprünglich ein von Vratyas Vakyas konzipiertes Soloprojekt und wurden offiziell erstmals im Jahr 1995 mit dem Demo "Læknishendr" aktiv. Sein im Jahr 1998 erschienenes zweites Album " ...Magni blandinn ok megintíri..." lässt sich als eine gereifte, melodischere Fortsetzung des Debüts " ...En their medh riki fara..." (1996) einordnen. Dessen angeschwärzter Pagan Metal Stil mit Einflüsse sowohl von Bathory als auch der zweiten nordischen Black Metal Welle blieb der Multiinstrumentalist erfolgreich treu. "...Magni blandinn ok megintíri..." gilt zu Recht weiterhin als ein wichtiger Meilenstein des Genres.-> >;
-> >;
Tracklist:-> >;
1. ...When Gjallarhorn Will Sound-> >;
2. ...Where Blood Will Soon Be Shed-> >;
3. Towards The Hall Of Bronzen Shields-> >;
4. The Heathenish Foray-> >;
5. Walhall-> >;
6. Baldurs Tod-> >;
-> >;
Gatefold-LP (gelb/schwarzes marble Vinyl) incl. gefütterter Innenhülle und Schutzhülle

Source: Prophecy

-> >;Ein Meisterwerk des monumentalen bombastischen Dark Romantic Metal-> >;
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Mit "Songs Of Moors And Misty Fields" perfektionierte Schwadorf 1997 seinen düsteren Metal voll klassischer Romantik und traditioneller Folklore. Das Album verweist noch auf das Debüt "A Wintersunset..." liefert aber bereits die Blaupause für die folgende Entwicklung in ruhigere Folk-Gefilde.-> >;
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Edition:-> >;
- Gatefold-LP (gold/oxblood-marmoriertes Vinyl) inkl. gefütterte Innenhüllen und Schutzhülle

Source: Prophecy

Als 2015 Max Richter das Album „From Sleep“ bzw. die 8CD-Box „Sleep“ veröffentlicht, hat er so etwas wie seinen Magnum Opus erschaffen. Das ambitionierte Projekt war als Soundtrack für die komplette Nachtruhe (empfohlen werden ja 8 Stunden) konzipiert und komponiert. Mittels gedämpfter, wie herrlich warmer Moll-Klänge, die in Zeitlupe variieren, kreierte Max Richter ein melancholisch einlullendes Werk, welches mich seit dem beim Mittagsschlaf oder bei der Regeneration vom Sport begleitet. „Sleep“ ist funktionaler Ambient im Geiste eines Brian Eno und es ist immer wieder faszinierend zu hören, wie Max Richter mit wenigen Tönen und minimalen Akkordfolgen eine wohlig-hypnagoge Atmosphäre projizieren kann. Dadurch ist „Sleep“ zu der am meisten gestreamten Klassik-Komposition geworden und bringt Millionen Menschen weltweit in den Schlaf! Über die Jahre hat Max Richter „Sleep“ noch mehrmals angefasst und sei es nun als Remix-Projekt, Piano-Edition oder Tranquility Base. Nie wurde dabei das hypnotische Grundthema irgendwie langweilig oder verlor er seine eigentliche Intension aus dem Auge! Auch Live funktionierte „Sleep“ hervorragend als „Schlaf-Konzert“ und bescherte den Besuchern insbesondere in der 8 Stunden-Variante ein unvergessliches Erlebnis. Im Zuge dieser besonderen Konzerte und zum 10jährigen Jubiläum hat sich Max Richter nun ein weiteres Mal an das Werk gewagt und es auf 90 Minuten (welche der perfekte REM-Zyklus sind) kondensiert, aber auch dezent hörbar verdichtet und weitergesponnen! Einfach nur wunderschön, wunderbar und traumhaft und mehr gibt es dazu eigentlich nicht mehr zu sagen, außer Augen zu und einfach nur wirken lassen! (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Immer wieder schön anzuhören sind die orientalischen und symphonischen Melodiebögen der tunesischen Progressiv Heavy Metal Band MYRATH und nun wurde eine monumentale „Best Of“ aus 24 Jahren Bandgeschichte in Form von einer CD und sogar auch im 2er CD Pack veröffentlicht, auf der Doppel CD sind noch mal knackige Karaoke Versionen der Best of Tracks mit eingespielt, irgendwie hat sich die Band musikalisch, generell von der kulturellen Vielfalt des Mittelmeerraumes inspirieren lassen. Die 14 Songs aus den Alben „Legacy“, „Tales of the Sands“ und „Shehili“ sowie „Karma“ werden alle Headbanger und Metallfetischisten dieses Planeten sicherlich begeistern, vorallem da solch großartige Titel wie „Believer“, „Dance“, „Get yout Freedom Back“ und Merciless Times“ sowie „Into the Light“ auf der Platte verewigt sind, echte „Gassenhauer“ also von einer Gruppe, die bereits 2001 gegründet wurde. Auch der letzte Song „Madness“ in der bisher unveröffentlichten Liveversion gefällt mir außerordentlich gut, zudem ist er mit 6 Min und 30 Sek auch der Längste auf der Platte. Und selbst ich, der eher im 80s Classicrock beheimatet ist, gefällt dieser unverwechselbare, einzigartige und kräftige Mix aus Oriental Flair und dynamischen Prog Metalsound das aber auch deswegen, weil mich die tragende und großartige „Metalvoice“ vom charismatischen Frontmann ZAHER ZORGATI begeistert. Zudem besitzt die Band mit dem kongenialen Gitarristen MALEK BEN ARBIA ein Alleinstellungsmerkmal, so wie das bei vielen Metal Gruppen der Fall ist und auch die opulenten Keybordpassagen von KEVIN CODFERT tun ihr übriges zum Soundbild der Truppe, das noch abgerundet wird durch ANIS JOUINI am Bass und MORGAN BERTHET an den Drums. Die Texte ranken sich übrigens meistens um gesellschaftspolitische Themen. Zudem ist so eine „Best of“ ja immer die optimale Möglichkeit, einmal die Geschichte von MYRATH rückblickend zu erforschen, also für alle die noch nicht mit der Band in Berührung gekommen sind und z.B. auf DREAM THEATER stehen. Die modernen Metal Songs marschieren und präsenteren sich voller Energie und begeistern mit den Heavy Riffs und klassischen Melodien und kommen frisch überarbeitet daher, so macht eine „Best of“ wahrlich Spaß, solch Klanglandschaften müßte man sich eigentlich mal Live anhören, da die Gruppe auch Live ein Erlebniss sein soll, denn die bombastischen MYRATH Konzerte werden in meistens traumhaften Szenerien umgesetzt, da sprechen wir also auch von großem Kino.Toptip für alle Metalnerds und solchen die es werden wollen.

(S.Erichsen)

Source: BLACK Onlinemagazin

Die 2023 bei Raubbau veröffentlichte Single + Artbook „Beyond The Pale“ des SANCTUM-Nebenprojektes PALE machte damals sofort Lust auf mehr und zack, ein Jahr später folgte wirklich gleich das Album dazu, welches allerdings erst jetzt seine verdiente Würdigung durch mich erfährt. Asche auf mein Haupt, aber „Where The Silence Speaks“ ist auch ein Jahr später noch gut abgehangen im schwedischen Schlachtkühlhaus genießbar! 6 große, fein marmorierte Filetstücke bietet das Album in bewährt-beliebter Death Doom Industrial-Manier, die eigentlich jeden Genussfreund des legendären Cold Meat Industry-Labels feinste Gaumenfreude bereiten sollte. Behäbig, aber unerbittlich hämmernde Rhythmen werden hier von verzerrt-überrissenen Noise überlagert und mit kehlig-rostigen Grunz-Gesang garniert. Hin und wieder schleichen sich sich jedoch sogar kleine Melodien in das kratzbürstige Gesamtbild ein, die ungemein wirkungsvoll die düstere Atmosphäre auflockern. Ebenso ein Hingucker wieder das morbide Artwork von Salt, welches das Album gelungen abrundet. Das Vinyl ist auf nur 150 Exemplare limitiert und enthält zusätzlich auch den digitalen Download dazu. Holt Euch eine der letzten Platten und sie wird herzhaft-deftig munden – versprochen! (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Höre ich Bands dieses Spektrum, geht wie automatisch die Nostalgie-Spur an, der Film läuft und ich denke mit Verzückung an die schöne Zeit Mitte der 90s, als Bands wie LOVE SPIRALS DOWNWARDS, CRANES, STOA, CHANDEEN oder THIS ASCENSION mit romantischen Gitarren, Wave und himmlischen Frauengesang die Sinne benetzten. Die Amis von AUTUMN’S GREY SOLACE gehörten da schon ähnlich wie vorher Mira zu den Verwaltern dieses Sounds, die qualitativ hochwertig, aber nicht mehr ganz an die großen Acts heranreichten, was in keinster Weise die veröffentlichte Qualität ihrer Releases schmälern soll an dieser Stelle. Im Gegenteil, anno 2025 freu ich mich jedes Mal wie ein Schneekönig, wenn diese Art ätherischer Wave meinen Weg, meine Synapsen-Laufbahn kreuzt. „The Dark Space“ ist relativ übersichtlich gestaltet mit knapp 35 Minuten, hält die vernebelten Sounds im Zaum, hat eher was klares, kontemplatives, verstehendes, erzählerisches. Die Songs spazieren langsam, melancholisch und auf eine Weise tiefenentspannt durch die Ohren. Sängerin Erin passt mit ihren betörend fragilen Vocals genau in die oben benannte Welt, liegt mit ihren wunderschönen Melodien zwischen all den genannten Hochkarätern. Die Songs brauchen nicht die große hymnische Melodie, nein es fließt liebevoll verklärt, angenehm dunkel romantisch durch die Boxen. Kleine, stets wohlpassend langgezogene Gitarren-Effekte (Love Spirals lassen grüßen) erzeugen diesen lieben gelernten Weltschmerz, diese spezielle Wehmut und Sehnsucht. Alles schön sanft, mit genau so viel Hall auf den Instrumenten, dass es im Vergleich zu manch Projekt-Records Act aus den 90s alles hier doch eher aufgeräumt und klar erscheint – ohne den Hörer mit dieser Art sphärischen Klang wie damals LSD oder LYCIA komplett zu vernebeln (Wer hat das nicht geliebt damals, ganz ehrlich?).  Jedes der 8 Stücke von Scott Ferrell und Erin Welton ist Gitarren-Wave auf bittersüße Weise, langsam, verwunschen und schwer verträumt. Mit dem Hit ‚Darkens The Soul‘ finde ich meine melancholische DNA auf sowas von 100 Prozent in Resonanz – da sag ich mal danke für den wunderschön atmosphärischen Tune. Ich bin immer wieder froh, wenn Klänge dieser Art anno 2025 noch auf den Plattengabentisch kommen. Es sind keine Klassiker, aber ein liebevolles Echo an die gute alte Zeit des Heavenly Voices/Wave. Freunde der Materie dürfen hier zugreifen, unbesehen!

(R.Bärs)

Source: BLACK Onlinemagazin

Wow, was hier an musikalischer Gäste-Liste in die Beteiligung an diesen knapp 34 Minuten involviert wurde! Musiker u.a von Bands wie The Afghan Whigs, Calexico, CocoRosie oder dem Black Rebel Motorcycle Club dürften dabei unterstützen, diesen doch sehr unterhaltsamen Mix aus Indie Folk, Americana, Goth und Dream Pop ins rechte Licht zu rücken. „Hymns And Fiery Dances“ klingt nach Wüste, Sonnenuntergängen und dem Abschied der großen Liebe. Wer vor einigen Jahren das wundervolle Dream Pop-Projekt ON DEAD WAVES so wie ich mit seinen bittersüßen Late-Night Pop gefeiert hat, bekommt eine ungefähre Vorstellung, womit er es beim Sundown Pop des Projektes aus El Paso musikalisch zu tun bekommt. Ein bisschen filmische Extravaganz schwingt mit, der Desert Pop, die schmachtenden Melodien haben was von den speziellen Momenten einer Band wie Calexico, nur Nuancen melancholischer und mehr Late Night. Songs wie das treibende Folk-Stück ‚The Night Calls‘ haben eine provozierende Lässigkeit, ordentlich Twang und Charme und kommen in knapp 3 Minuten voll auf den Punkt. ‚The Undertow‘ oder das dunkle ‚Dead Moon‘ sind bittersüß, opulent inszeniert – wie generell das komplette Album mit Details und Charme nur so um sich schmeißt. Flamenco-Akkorde, tanzbare Mariachi-Elemente und immer wieder etwas Goth-affine Tragik sind keine Seltenheit in den angemollten Akkorden. Der abschliessende Schlenker, die richtig schön im Mazzy Star-Stil verwehte Ballade ‚Leonora‘ sollte man einfach nur über 6 Minuten genießen – Road Movie Atmosphäre pur. Am Ende ist diese orchestrale Platte „Pop“ durch und durch, kommt mit dem besten aus Morricone, Desert-Dream Pop und wehmütig schmachtenden Film-Momenten voll auf den Punkt.

(R.Bärs)

Source: BLACK Onlinemagazin

In den letzten Jahren hat sich das slowenische Künstler-Kollektiv LAIBACH vermehrt der Aufarbeitung ihrer Diskografie gewidmet („Revisited“), wie Theater-Musik („Also sprach Zarathustra“) komponiert, Musical geschrieben („The Sound Of Musik“, „Wir sind das Volk“) und Soundtracks („Iron Sky I & II“) produziert. Das letzte reguläre Studio-Album „Spectre“ liegt seit dem schon 11 Jahre zurück und in der Zwischenzeit ist leider auch der Jungbrunnen Mina Spiler bei LAIBACH von Bord gegangen. Das aktuelle Werk „Alamut“ ist jetzt auch kein neues Album, sondern eine richtige Symphonie geworden, welche mit ganz großen „Besteck“ aufgeführt wurde. Das setzt sich aus dem RTV Slovenia Symphonic Orchestra, dem Human-Voice Ensemble, der Gallina Vocal Group und AccordiOna zusammen und natürlich den Musikern von LAIBACH. Federführend waren hier allerdings die beiden iranischen Komponisten Idin Samimi Mofakham und Nima A. Rowshan, die zusammen mit LAIBACH und den oben aufgeführten Ensembles eine persische Erzählung aus dem 11. Jahrhundert vertonen. Ursprünglich geht es dort um einen heiligen Krieg eines religiösen Führers, der auf der Burg Alamut seine Basis hatte und LAIBACH verknüpfen dieses Thema aus der Vergangenheit mit dem Heute. Man spannt dabei den Bogen von Mussolini bis Putin (oder eventuell auch Selenskyj) , die mit Hilfe von Propaganda ihre Ziele durchgesetzt haben. Ein wahrlich schweres Thema, das musikalisch eine monumentale Kakophonie mit zum Teil rituellen, klassischen, dissonanten und atonalen Zügen geworden ist. LAIBACH-Front-Mann Milan Fras kommt hier nur bei den beiden „Meditation I & II“-Parts mit seinem markant-brummenden Organ zum Zuge, denn ansonsten dominieren meist die grollenden Streicher, schrille Fanfaren, wuchtigen Perkussion, dissonante Akkordeons und Irrlichtern gleich flackernden Chorstimmen. „Alamut“ ist schon ein mächtig herausfordernder Brocken von Symphonie, der erst mal erarbeitet sein will, aber letztendlich in seiner brachialen Dynamik berauschende Facetten und packende Tiefen offenbart! Nicht von ungefähr erinnert das mächtige Werk an ihre legendäre „Klangniederschrift einer Taufe“ bzw. „Krst Pod Triglavom – Baptism“ aus dem Jahre 1988, weshalb LAIBACH mit „Alamut“ sinnbildlich über den Umweg Persien an den Fuß des Triglov nach Slowenien zurück kehren. LAIBACH bleiben seit über vier Jahrzehnten unberechenbar und es ist weiterhin spannend, was als nächstes kommen wird. (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

Diese Band hatte ich bisher auch nicht so unbedingt auf dem Schirm, dabei wurden sie schon 1981 im englischen Leeds gegründet und gelten in der Szene als kraftvollste und kompromissloseste Band ihres Genres und natürlich auch ihrer Generation. Und wenn ich diese Veröffentlichung so höre, muß ich gesanglich irgendwie an IGGY POP und musikalisch teils an SMASHING PUMPKINS, THE WHITE STRIPES, PIXIES, JESUS AND MARY CHAIN, PLACEBO denken, denn diese Fusion aus hämmernden Schlagzeug, krachenden, schneidenen Gitarrenriffs und CHRIS REEDS tragende, prägnante, mitreißende „Voice“ erinnert an die Coolness, Düsternheit sowie Distanziertheit besagter Groups. Hier kommt Post Punk zu Industrial Rock, die Tracks zeigen eine kompromisslose und gleichzeitig eine emotionale Intensität, die auch heutzutage ihres gleichen sucht und die nie irgendwelchen kommerziellen Tendenzen nachgelaufen ist.  Schon die EP „Driving Black“ von einigen Monaten war ein Erfolg, so das nun die Fulltime präsentiert wird. Vorbilder der Band waren übrigens LED ZEPPLIN, BOWIE, ZZ TOP, AEX HARVEY BAND, auch das hört man ab und zu raus. Die 10 Tracks ihrer wohl letzten Platte, so wurde das jeden falls im Vorfeld angekündigt, die nach geschlagenen 20 Jahren nun das Licht der Musikwelt erblickte, wird wohl alle Gitarren Nerds begeistern, selbst ihre ersten Alben vom Anfang der 80ziger wie „Talk about the Weather“ oder „Paint your Wagon“ gelten heut noch als große Underground Klassiker des Post Punk, Gitarrenrock und erstaunlicherweise sogar des Goth Rock. Das Schlusskapitel nun umspannt noch einmal die gesamte Karriere der Truppe und deckt einen breiten Rahmen an, von rauen, aber melodischen Tracks wie „Walking On Air“, „Killing Time“ oder „Worlds Collide“ bis hin zu astreinen Post Punk Stücken wie „Shooting Stars“ und „The Only Language“ ist vieles enthalten, was die Gruppe unvergeßlich macht. Die hohe Intensität ist es, die die Gruppe so fesselnd macht und die Themen der Songs drehen sich um das Chaos des modernen Lebens, Beziehungen, der Desillusionierung, des Überlebens und um flüchtiger Transzendenzen. Hier kann man wohl nur einfach sagen, vielen Dank für die vielen schöne Platten und macht es gut.

(S.Erichsen)

Source: BLACK Onlinemagazin

Nachdem diverse digitale Singles und die „Weimarer Trilogie“ als Dreifach-Vinyl-Single-Pack für das kommende neue Werk von TYSKE LUDDER den Boden bereitet hatten, liegt jenes jetzt mit „Weltenbühne“ endlich vor. Das Album setzt den Weg des Vorab-Materials konsequent fort und so stammen alle Texte von Kurt Tucholsky, dem berühmten deutschen Autor, Journalisten und Satiriker, der in der Zeit der Weimarer Republik ein stetiger Mahner vor dem aufkeimenden Faschismus war. Seine Artikel in der WELTBÜHNE waren witzig und treffend, konnten jedoch die Machtergreifung der Nazis 1933 nicht verhindern, weshalb er nach Schweden ins Exil ging und dort 1935 völlig desillusioniert Selbstmord begangen. Heutzutage scheinen seine Texte wieder relevant und allein nur am Beispiel von „Europa“ ist es wirklich verblüffend, wie brandaktuell dieser ist, obwohl er ja eigentlich aus dem Jahre 1932 stammt! Es wäre ebenso interessant, welche Position der Pazifist Kurt Tucholsky beim aktuellen Ukraine-Thema beziehen würde. TYSKE LUDDER kleiden seine Zeilen jetzt auf „Weltenbühne“ in ein brachial-derbes Electro-Gewand der alten Schule. Die Friesen, welche ja schon immer für ihre linke politische Haltung bekannt sind, machen dabei keine Gefangenen und beziehen auch hier wieder klare Stellung. Die insgesamt 10 Tracks hämmern gnadenlos und wuchtig im meist Mid-Tempo-Dark Electro-Modus vorwärts, wobei allerdings 4 davon schon durch die Vorabsingles bekannt sein dürften. Leider musste bei der Platten-Ausgabe auf den Titel „Der Graben“ verzichtet werden, welcher dafür aber zumindest bei der „Weimarer Trilogie“ auf Vinyl verfügbar ist. Wie bei Emmo.biz üblich, gibt es diesmal auch wieder diverse Sonder-Ausgaben des Albums. Zum einen wäre das die auf 77 Exemplare limitierte Doppel-CD im A5-Digipack + T-Shirt in einer Blechbox, welche auf der Bonus-Disc alle digitalen Vorab-Singles vereint. Jene CD liegt auch der ebenfalls auf nur 77 Stück begrenzten Vinyl-Box bei, die zusätzlich noch eine Slipmat, ein T-Shirt, Comic etc. enthält. Diese üppigen Fan-Artikel haben natürlich ihren Preis und wem das zu teuer ist, kann ja auf Standard-Ausgaben von „Weltenbühne“ im Vinyl- oder CD-Format zurück greifen, die direkt beim Label zu einem wirklich humanen Kurs zu haben sind! Mit „Weltenbühne“ haben TYSKE LUDDER dem inzwischen etwas in Vergessenheit geratenen Kurt Tucholsky ein musikalisches Denkmal gesetzt und das gerade in Zeiten, wo die Zukunft seines Museums in Rheinsberg auf Grund der allgemeinen Kulturkürzungen ungewiss ist! (Marco Fiebag)

Source: BLACK Onlinemagazin

-> >;Gildan Softstyle. 100% Baumwolle.

Source: Prophecy