The video call with Rupert Keplinger and Gunnar Schroeder from Universum25 for the new album “Die Maschinen wollen leben” takes place on a late afternoon in January. Rupert is there at the minute. After a brief small talk about where we are at the moment, he grabs his cell phone. Gunnar is slightly late, the […]

Source: Orkus

Orkus! newcomer of the monthFar East meets industrial & gothicDEATÄ� B¥ LØVE“444“Album (Distortion Productions) Playful, Far Eastern sounds meet hard industrial and dark gothic sounds. Seductive and sexy, singer Inga Habiba lures you into the sound universe of DEATÄ� B¥ LØVE, for which producer Peter Guellard (Blitzkrieg) is responsible as an additional part of the […]

Source: Orkus

The In Flame album“The Jester Race” was released on February 20, 1996 – 30 years ago. Did you already know these facts? ★ In Flames ‘ second album was also the first to feature Anders Fridén on vocals and Björn Gelotte on drums. ★ This album was another milestone in that their mascot Jester Head […]

Source: Orkus

Die Heavy Metal / Hard Rock-Band THUNDEROR hat mit „Bleed For It“ ein neues Album angekündigt. Es ist nach „Fire It Up“ (2022) das zweite Album der Kanadier aus Toronto und wird am 17. April 2026 via Boonsdale Records erscheinen. Vorab gibt es zu „One Chance“ einen Video-Clip.

THUNDEROR Line-Up:
JJ Tartaglia (vocals, drums, keys)
Jonny Nesta (guitar)
Brycen Gunn (bass)

THUNDEROR „Bleed For It“ Tracklist
01 – Pump Up The Volume
02 – Bleed For It
03 – Take Me To The Show
04 – Get ‚Em Counted
05 – Cape Breton Home
06 – Streets Of Fire
07 – One Chance (Video bei YouTube)
08 – DreamQuest
09 – In The Fire O The Heat

Source: Vampster

Die Sludge Metal-Band DESERT STORM hat einen Labeldeal bei Heavy Psych Sounds Records unterschrieben. Im Zuge dessen werden die Briten am 6. März 2026 ihr neues Album „Buried Under the Weight of Reason“ veröffentlichen. Zu „Law Unto Myself“ gibt es nun ein Lyric-Video.

Mit „Woodsman“ gibt es auch einen Video-Clip.

„Textlich entfernt sich der Song von den Fallstricken der Zivilisation und begibt sich in die ursprüngliche Umarmung der Natur“, sagt die Band. „Inspiriert von zurückgezogenen Wildnisbewohnern aus Mythen und Erinnerungen, reflektiert er über Entsagung, Überleben und Wiederentdeckung. Der Wald wird zum Lehrer und Heiler, zu einem Ort, an dem Wut, Instinkt und wilde Energie mit Staunen, Ehrfurcht und der Weisheit der Vorfahren verschmelzen.“

„Buried Under the Weight of Reason“ ist das siebte Album der aus Oxford stammenden Band und wurde von Joe Clayton (PIJN) gemixt und gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Kacper Gilka. Vorab gibt es auch den Track „Shamanic Echoes“ zu hören.

„Der Track ist durchdrungen von ritueller Pflanzenmedizin und Visionen der Vorfahren: Peyote Mescalito und heiliger Rauch öffnen das Tor zu höheren Bewusstseinszuständen. Es ist sowohl eine halluzinogene Reise als auch eine klangliche Initiation“, sagt die Band.

DESERT STORM Line-Up:
Matthew Ryan — Vocals
Ryan Cole — Guitars
Elliot Cole — Drums
Andrew Keyzor — Bass

DESERT STORM „Buried Under the Weight of Reason“ Tracklist
1. Newfound Respect
2. Shamanic Echoes (Audio bei YouTube)
3. Woodsman (Video bei YouTube)
4. Cut Your Teeth
5. Rot To Ruin Side
6. Carry The Weight
7. Dripback
8. Law Unto Myself (Lyric-Video bei YouTube)
9. Twelve Seasons

Source: Vampster

Die Alternative Metal-Band NIGHT THIEVES hat mit „Mycelia“ eine neue Single mitsamt Video-Clip von ihrem kommenden Album „Metaxis“ veröffentlicht.

Wenige Monate davor ist mit „Obsidian“ eine weitere Single mitsamt Video-Clip erschienen.

„Dieser Song handelt von einer turbulenten Transformation zwischen verschiedenen Zuständen. Er beschreibt das Bedürfnis nach Offenbarungen, das Erleben des Chaos, das abkühlt, und das Nachdenken über unser rohes und verletzliches Selbst“, erklärt die Band.

„Metaxis“, welches auf die 2024er-EP „Polarity“ folgt, ist das erste Albums der Band aus London. Release-Termin ist der 20. März 2026. Als Produzent stand der Band Romesh Dodangoda (u.a. für NEONFLY tätig) zur Seite.

NIGHT THIEVES Line-Up:
Jess Moyle: Vocals
Paul Andrew: Guitar and synths
Rick Hunter-Burns: Bass
Ryan Delglyn: Drums

NIGHT THIEVES „Metaxis“ Tracklist
01 Obsidian (Video bei YouTube)
02 Mycelia (Video bei YouTube)
03 Home
04 Freer
05 Running (Out of Time)
06 In Between Pt.1
07 In Between Pt.2
08 See You On The Otherside (feat. Jessie Powell)
09 The Game
10 Maritime

Source: Vampster

The things he never told you about

Free floating secrets he couldn’t get out

If you want he can tell you these dreams and what they mean

Some inheritances aren’t objects or stories but patterns: habits absorbed quietly, almost by accident. A child grows up watching a parent move through sorrow with a drink in hand, noticing what is said and, more powerfully, what isn’t. The silence becomes its own language. Questions linger in the corners of rooms; explanations never quite arrive. Over time, the unspoken settles into muscle memory, shaping reactions, fears, even desire. The child doesn’t mean to mirror the father, yet finds familiar impulses rising anyway, as if the past were a current running steadily beneath the present.

Spain-based darkwave/post-punk duo Newborn Ghost have joined forces with producer Nightcrawler for a new collaboration about this particular generational curse, a stomper of a number called Incubator. It feels like a calculated collision – two projects fluent in tension, deciding to test the tensile strength of steel.

Incubator thrives on that shared discipline. Mechanical rhythm locks in, synths sweep wide like a camera pan across concrete, landing somewhere between Siouxsie, Suzi Sabotage, Boan and Front Line Assembly. There’s club energy, but also a chill that lingers at the base of the spine.  Drawing from horror and sci-fi atmospheres, EBM, darkwave, and post-punk minimalism, the collaboration blurs the line between club energy and dystopian soundscapes.

Lyrically, the track circles inherited damage. A father’s alcoholism. Secrets sealed too long. A child watching, absorbing, repeating. The song treats trauma like a living organism fed in silence, passed through blood, reborn in the next generation. The beat becomes the pulse of that repetition, steady and relentless.

You can dance to it. You can dissect it. Either way, Incubator makes its case with cold clarity: history always mutates.

Out now via From Hell to Disco, listen to Incubator below and order the single here.

Incubator by Nightcrawler & Newborn Ghost

Nightcrawler has been building his electronic world since 2011, pulling inspiration from horror reels and sci-fi soundtracks, shaping it into a body of work that stretches from Metropolis and Beware Of The Humans to more recent releases like Dynamics of a Crash. He was even featured in the synthwave documentary The Rise Of The Synths, narrated by John Carpenter – no small badge of credibility. His productions move between industrial drive, EBM severity, and darkwave cool, and his live shows turn venues into fevered film sets.

Newborn Ghost began in Philadelphia in 2017, formed by BelaFern and Everrett Thompson, later relocating to Barcelona and adding bassist Fluggel Josh. Their 2021 release To Make a Flower as Sharp as a Knife earned serious underground praise, and 2024’s DEVASTATION/divinity sharpened their edge further. Along the way they’ve shared stages with Xeno & Oaklander, Suzi Sabotage, and Ductape, building a reputation for precision and pressure rather than spectacle.

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The post Barcelona-based Post-Punk Outfit Newborn Ghost Collaborates with Nightcrawler on New Single “Incubator” appeared first on Post-Punk.com.

Source: Post-Punk.com

Nach ihrer Trennung von Alissa White-Gluz haben Arch Enemy nun ihre Nachfolgerin bekannt gegeben und direkt die erste Single mit ihr am Mikrofon veröffentlicht. Mehr Infos und das Musikvideo zu "To The Last Breath" hier bei uns!

Source: Sonic Seducer

The new Orkus! playlist for the March/April issue! In our “Current Issue” playlist you will find an enormous selection of artists from the current issue directly in the playlist! Have a listen:

Source: Orkus

Die Foo Fighters haben ein neues Album angekündigt - mehr Infos und das Video zur ersten Single "Your Favorite Toy" hier bei uns!

Source: Sonic Seducer

VICIOUS RUMORS werden sich von ihrem Schlagzeuger Larry Howe trennen. Die Band begründet den Schritt mit seinen politischen Ansichten, die dazu führten, dass Konzerte abgesagt wurden.

Auf Facebook schreibt die Band:

Zur Klarstellung der Erklärung:
Bei VR geht es um Musik, nicht um Politik! Aufgrund von Larrys extremen Ansichten, die nichts mit VR zu tun haben, wurden bisher vier Shows abgesagt. Bei VR geht es nicht darum, Partei zu ergreifen, sondern um Unterhaltung für alle.
Wenn die Band so hart bestraft wird und unsere Konzerte abgesagt werden, muss es wegen seiner offen geäußerten Meinung eine Veränderung geben.

Nach jahrelangen Meinungsverschiedenheiten werden Vicious Rumors nicht mehr mit ihrem langjährigen Schlagzeuger Larry Howe auf Tournee gehen. Als Band haben wir Larrys persönliche politische Ansichten nie geteilt. So schwer es auch ist, ein Gründungsmitglied gehen zu lassen, wir können nicht länger akzeptieren, wegen Larrys persönlicher Meinungen bestraft zu werden. Diese spiegeln nicht die Meinung von Vicious Rumors wider. Unsere Botschaft ist einfach und klar: Einheit! Und gemeinsam Heavy Metal feiern! Diese Botschaft hat sich seit den Anfängen von VR im Jahr 1979 nicht geändert! Wir haben Songs wie „World Church” geschrieben, um Menschen zusammenzubringen. Das ist unsere Botschaft für Vicious Rumors.
Aus Respekt gegenüber VR wird Larry  den US-Teil der „The Devil’s Asylum Tour” vom 25. Februar bis zum 28. März noch mitspielen.
Wir möchten Larry für all die Jahre seines Engagements für die Band und seine unglaubliche Musikalität danken. Wir werden bald einen neuen Tour-Schlagzeuger bekannt geben.
Jetzt lassen wir wieder die Heavy-Metal-Musik sprechen! Wir sehen uns bald auf der Tour in den USA und Europa, VR-Fans. 75 Shows beginnen in einer Woche!
Auf geht’s!

Larry Howe reagierte mit einem eigenen Posting, weiter unten ist der Beitrag eingebettet.

VICIOUS RUMORS live 2026
08.05. Freiburg – Skullcrusher Festival
09.05. Cham – LA
13.05. Selb – Rock Club Nordbayern
14.05. Essen – Don’t Panic
15.05. Lichtenfels – Paunchy Cats
20.05 .München – Backstage
03.06. AT-Velden – Bluesiana
09.06. Stuttgart – Der Schwarze Keiler
10.06. Hamburg – Logo
11.06. Kassel – Goldgrube
14.06. Oldenburg – MTS
18.06. Osnabrück – Bastard Club
19.06. Düsseldorf – The Pitcher

Source: Vampster

Jetzt Sonic Seducer abonnieren und eine von vielen teils limitierten und signierten CD-Prämien sichern! Aktuell im Angebot: Lord Of The Lost, Unheilig, Stahlmann, Mesh, Hell Boulevard, Schattenmann, Versengold, The Damned, Depeche Mode, White Lies, Saltatio Mortis und viele weitere! Wer ein 2-Jahres-Abo abschließt, kann sich außerdem ZUSÄTZLICH ein Gratisticket für das M'era Luna 2026 sichern!

Source: Sonic Seducer

SUN DONT SHINE stellen mit „Power To Live“ einen neuen Song vor. Bislang gibt’s den Track als Stream, ein Videoclip soll am 23. Februar veröffentlicht werden.

Zur Band gehören neben Kenny Hickey und Johnny Kelly (beide waren auch bei TYPE O NEGATIVE aktiv), Kirk Windstein und Todd Strange (beide bei (CROWBAR und DOWN). Im Sommer 2025 veröffentlichte das Quartett die EP „Coming Down“.

Source: Vampster

PARKWAY DRIVE haben ein neues Live-Video gepostet: Aufgezeichnet wurde der Mitschnitt „Wishing Wells“ während der vergangenen Europatournee 2025 in Dortmund.

Unseren Konzertbericht zum Tourstopp in München lest ihr hier:

PARKWAY DRIVE, THY ART IS MURDER, THE AMITY AFFLICTION: Konzertbericht – Olympiahalle, München – 20.09.2025

Fotogalerie: PARKWAY DRIVE – Olympiahalle, München – 20.09.2025

Source: Vampster

Den Nachfolger von „Cure“ (2024) haben ERRA angekündigt: „Silence Outlives The Earth“ erscheint am 6. März 2026 via UNFD. Zum Track „i. The Many Names Of God“ gibt es jetzt einen Visualizer-Clip zu sehen:

Die zuletzt geteilte Single „Further Eden“ ist nicht die erste Hörprobe des Albums. Zuvor teilte die Progressive Metalcore-Band bereits die Stücke „Gore Of Being“ sowie „Echo Sonata„.

ERRA „Silence Outlives The Earth“ Tracklist

Stelliform
Further Eden (Video bei YouTube)
Gore of Being (Video bei YouTube)
Black Cloud
Cicada Siren
Echo Sonata (Audio bei YouTube)
Lucid Threshold
Spiral (of Liminal Infinity)
i: The Many Names of God (Visualizer bei YouTube)
ii: In the Gut of the Wolf
iii: Twilight in the Reflection of Dreams

Source: Vampster

Am 16. Januar 2026 veröffentlichten THE ETERNAL ihre neue EP „Celestial“. Zum VÖ-Tag hat die Band auch ein Video zu „Celestian Veil“ geteilt. Jetzt folgt einen guten Monat später mit „Bleeding Into Light“ ein weiteres Lyric-Video zur Scheibe.

Auch zum Track “It All Ends“ gibt es ein Video:

Zu Besetzung der australisch-finnischen Dark Progressive Metal Band gehören Sänger und Gitarrist Mark Kelson, Gitarrist Richie Poate sowie Drummer Jan Rechberger (AMORPHIS) und Bassist Niclas Etelävuori (bass, ex‑AMORPHIS/FLAT EARTH).

THE ETERNAL „Celestial“ Tracklist & Cover
1. Absence Of Light
2. Celestial Veil (Video bei YouTube)
3. It All Ends (Video bei YouTube)
4. Bleeding Into Light (Lyric-Vidoe bei YouTube)
5. Casting Down Shadows
6. Everlasting MMXXVI

Source: Vampster

BELPHEGOR haben mit „Scarlet Beast – Leviathan„einen neuen Song veröffentlicht. Das Stück folgt auf „Sanctus Diaboli Confidimus„, das im Sommer 2025 erschien. Bereits damals gab die Extreme Metal-Formation bekannt, dass wohl ein neues Album in Arbeit ist. Es wird via RPM erscheinen, die Österreicher haben 2025 einen Vertrag bei dem Label unterschrieben. Details zur 13. Platte der Black Metal-Band sind noch nicht bekannt.

 

Source: Vampster

Die japanische Power Metal-Band LOVEBITES und Napalm Records arbeiten künftig zusammen. Das neue Album „Outstanding Power“ ist seit 18. Februar 2026 digital verfügbar, die CD- und Vinyl-Fassungen folgen am 8. Mai 2026.

Wer in die fünfte Platte der Gruppe trotzdem zunächst reinhören möchte, kann das mit dem Musikvideo „The Castaway“ tun.

LOVEBITES selbst haben zu ihrem Werk Folgendes zu sagen:

„Im Gegensatz zum festen Boden des Landes bietet das Meer niemals Stabilität. Dennoch schreitet ein Schiff über seine Oberfläche voran und gibt niemals den tosenden Wellen, den tobenden Stürmen oder dem dröhnenden Donner nach. Mit diesem Gefühl überwältigender Kraft haben wir ein wirklich einzigartiges Album geschaffen – etwas, das nur wir in die Welt bringen konnten. Wir hoffen, dass Metalheads überall Kraft aus den Songs von „Outstanding Power“ schöpfen werden, und freuen uns darauf, gemeinsam an Bord des Schiffes namens LOVEBITES in See zu stechen!“

LOVEBITES „Outstanding Power“ Tracklist

The Castaway (Video bei YouTube)
Silence The Void
Forbidden Thirst
Blazing Halo
Dream Of King
Phoenix Rises Again
Out Of Control
Wheels On Fire
The Eve Of Change
Reaper’s Lullaby
Eternally
One Will Remain

LOVEBITES Line-up 2026
Asami – Vocals
Midori – Guitars
Miyako – Guitars & Keyboards
Fami – Bass
Haruna – Drums

Source: Vampster

ROMANO NERVOSO-Frontmann GIAC TAYLOR hat eine neue Single veröffentlicht: Zu „Grim Reaper“ hat der Musiker mit seiner Band auch ein Video produziert:

Da neue Album „Chunk“ soll noch 2026 erscheinen. Weitere Details sind aktuell noch nicht bekannt.

Source: Vampster

Diorama melden sich mit ihrem elften Studioalbum zurück - alle Infos zu "A Substitute For Light" hier bei uns!

Source: Sonic Seducer

Winterliche Temperaturen, frostige Windböen und eisiger Regen: Es sind die idealen Voraussetzungen, den heutigen Valentinstag in trauter Zweisamkeit im schimmernden Kerzenschein zu feiern. Ein solider und in der kalten Jahreszeit durchaus verlockender Plan, hätte da nicht eine Sache bereits im Vorhinein der Romantik einen Strich durch die Rechnung gemacht. Tatsächlich sind es JINJER, die am heutigen Abend zu einem Valentinsdate der anderen Art laden: Statt Rosenblüten und Dinner gibt es Riffs und Moshpits; statt Harmonie die Konfrontation im „Duél“. Wie können wir da also Nein sagen, zumal die letzte Headline-Tournee der Ukrainer:innen nunmehr knapp fünfeinhalb Jahre zurückliegt?

TEXTURES

Zunächst jedoch steht in nahezu ausverkauften Münchner TonHalle das Vorprogramm an, dem die Niederländer TEXTURES zum Auftakt ein wenig ihrer Magie schenken wollen. Dementsprechend motiviert betritt das Gespann die Bühne, obwohl vor allem Daniël de Jongh heute den Widrigkeiten trotzen muss. Er sei furchtbar krank, lässt uns der Sänger nach einer Weile wissen, nachdem wir Ähnliches während des ruhigen Intros von „New Horizons“ bereits vermuteten.

Gerade in den gefühlvolleren Passagen will die Singstimme heute nicht mitspielen, wobei zumindest die kraftvollen bis harschen Vocals weiterhin sitzen. Zwar können sich TEXTURES aufgrund dessen kaum von ihrer Sahneseite präsentieren, doch die Bühne selbst beherrschen die sechs Musiker dennoch wie die Routiniers, die sie sind. Das Energielevel halten die Musiker hoch und nutzen dabei jeden Zentimeter der Bretter für sich, wo sie sichtlich Spaß haben: Den Zuschauern präsentiert Bassist Remko Tielemans während des Gitarrensolos in „Timeless“ gar die berühmten „Spirit Fingers“.

TEXTURES sind motiviert, können heute aber ihre Bestform nicht abrufen

Die Show des Sextetts kommt in der bayerischen Landeshauptstadt entsprechend gut an, obwohl es Keyboarder Uri Dijk nicht leicht hat, gegen den dominanten Bass im Soundmix anzukämpfen. Glück im Unglück: Auch ohne die feineren Details des Progressive Metals können die Fans zielsicher im Takt klatschen oder sich im rabiaten Abschluss „Laments Of An Icarus“ in den Pit stürzen. Eigentlich schade also, dass TEXTURES heute aus gesundheitlichen Gründen nicht ihre Bestform abrufen können.

TEXTURES Setlist – ca. 40 Min.
1. Closer To The Unknown2. New Horizons3. Singularity4. Timeless5. Measuring The Heavens6. Awake7. Laments Of An Icarus

Fotogalerie: TEXTURES

UNPROCESSED

Kaum aufzuhalten scheinen hingegen UNPROCESSED, die ominös mit dröhnendem Bass und viel Nebel in ihr Set starten, um dann binnen kürzester Zeit die TonHalle hinter sich zu versammeln. Das liegt sicherlich auch am cleveren Stilmix des Quartetts, der anspruchsvolle Prog-Riffs mit Djent-Einflüssen sowie zuckersüßen Gesangslinien paart, nur um neuerdings mit massiven Breakdowns gezielt einen Keil ins Getriebe zu rammen.

Wie explosiv diese Mischung im Live-Setting wirken kann, demonstriert der Opener „111“, der wie ein Großteil des Sets dem aktuellen Werk „Angel“ (2025) entnommen ist. Selbiges entfaltet erst im heutigen Rahmen sein komplettes Potenzial, möchten wir meinen, zumal UNPROCESSED auf Abwechslung bedacht sind: Das groovige „Snowlover“ lädt zum Springen ein, den ungewöhnlichen Rap-Part von „Solara“ übernimmt heute kein Gast, sondern der unermüdlich über die Bretter stürmende Bassist David John Levy, und das eingängige „Beyond Heaven’s Gate“ addiert noch ein paar anschmiegsame Synth-Spuren hinzu.

Die Chemie zwischen UNPROCESSED und dem Müncher Publikum stimmt

Die größeren Reaktionen ernten UNPROCESSED hingegen für das etwas ältere Liedgut, als „Thrash“ einen stattlichen Circle Pit losbricht und die Ballade „Glass“ aus dem Publikum mit einem Lichtermeer begleitet wird. Ehrensache, dass Frontmann Manuel Gardner Fernandez im Anschluss aus beiden Händen ein Herz formt: Die Chemie stimmt eben, obwohl die vier Musiker für den Großteil der Anwesenden nicht einmal der Hauptgrund der Zusammenkunft sein dürften.

An der Wall of Death in “Lore” beteiligen sich die Münchner:innen dennoch gerne und bereitwillig, nicht nur weil Gitarrist Christoph Schultz die Stimmung mit einem kleinen SLAYER-Zitat zusätzlich anheizt. So stürmisch das Set begonnen hat, so kompromisslos endet es nach einer knapp Dreiviertelstunde mit „Terrestrial“. Viel zu kurz? So könnte man durchaus argumentieren, hätten wir doch gegen ein spontanes Headline-Set zu diesem Zeitpunkt rein gar nichts einzuwenden gehabt.

UNPROCESSED Setlist – ca. 45 Min.
1. 1112. Sleeping With Ghosts3. Beyond Heaven’s Gate4. Thrash5. Glass6. Sacrifice Me7. Snowlover8. Lore9. Solara10. Terrestrial

Fotogalerie: UNPROCESSED

JINJER

Die Alternative wiederum heißen wir selbstverständlich ebenfalls mit offenen Armen willkommen: JINJER haben wir über die Jahre zwar in aller Regelmäßigkeit erleben dürfen, zuletzt jedoch vorwiegend in Kurzform auf Festivals oder als Tour-Support für Bands wie SEPULTURA oder BULLET FOR MY VALENTINE. Folglich war ein Headline-Set mit voller Produktion längst überfällig, wie uns die rund 2000 Fans in der TonHalle lauthals bestätigen, als nach dem Changeover endlich die Lichter erlöschen und das Bandlogo über den massiven LED-Screen im Hintergrund flimmert.

Dort sollen sich im weiteren Verlauf noch allerlei Szenen abspielen, von animierten Schlangen über abstrakte Klassenzimmer bis hin zu begleitenden Textfragmenten. Die Qualität der Visuals ist dabei nicht immer einheitlich: Liebevoll gezeichnete Cartoon-Optik wechselt sich mit qualitativ in die Jahre gekommenen CGI-Clips ab. Stören soll das freilich nicht, denn im Endeffekt konzentriert sich ohnehin alles auf eine Person.

JINJER-Sängerin Tatiana Shmayluk ist über die Jahre in ihrer Rolle als Frontfrau gereift

Sängerin Tatiana Shmayluk stolziert heute im weißen Kleid samt pinkem Korsett über die Bühne. Dazu kecke Strümpfe und schwarze High Heels: In der Mode versiertere Personen nennen das vermutlich Stil-Ikone, wir konzentrieren uns hingegen lieber auf die Performance. Wie sehr die Frontfrau über die Jahre in ihrer Rolle gereift ist, zeigt sich früh in „The Green Serpent“, wo Shmayluk nicht nur stimmlich die hohen Regionen sicher erreicht, sondern nebenbei mit laszivem Hüftschwung den Takt mitnimmt.

Für selbigen sind selbstverständlich ihre drei Mitstreiter verantwortlich, die sich wie gehabt bewusst in die äußeren Regionen der breiten Bühne zurückziehen, um von da aus wie ein Uhrwerk Riffs und Bass-Lines auf den Punkt zu setzen. Ausnahme ist natürlich Drummer Ivan, der mit seinem Drumkit nicht aus kann und folglich in der zweiten Reihe zentral Platz nimmt. Das instrumentale Fundament ist jedoch ganz entscheidend für den prägnanten Bandsound, der in „Fast Draw“ unnachgiebig und kompromisslos den Pit anheizt, nur um in „Vortex“ anschließend wieder verspielt um Tatianas Melodiebögen zu tänzeln.

Was JINJER live hervorragend gelingt, ist die Balance aus Härte und Exzentrik

Aus welcher Schaffensperiode das Material nun kommt, scheint den Münchner Fans dabei herzlich egal, wobei mit „Teacher, Teacher!“ der erste Evergreen des Abends nicht nur umjubelt aufgenommen, sondern auch mit stimmlicher Unterstützung quittiert wird. Was JINJER grundsätzlich hervorragend gelingt, ist jedoch die Balance aus Härte und Exzentrik, die nicht nur das im Zentrum stehende Album „Duél“ (2025) prägt, sondern auch während des Sets für klug gesetzte Zäsuren sorgt.

„Tantrum“ etwa mischt mit Blastbeats und markanten Bass-Spitzen das Set nach dem ersten Drittel gehörig auf, während die progressiven Strukturen und kraftvollen Gesangslinien im Finale von „I Speak Astronomy“ Ähnliches für den zweiten Abschnitt erreicht. Fast vergessen haben wir zu diesem Zeitpunkt, dass am heutigen Tag eigentlich die Romantik im Vordergrund stehen sollte, als uns plötzlich ein besonders hingebungsvoller Fan an das eigentliche Datum erinnert: Mit Rose in der Hand segelt selbiger während „Perennial“ über die Hände der Zuschauer:innen nach vorne, um die rote Blüte der überraschten Sängerin zu überreichen.

Eine Valentinstags-Rose für JINJER-Sängerin Tatiana Shmayluk

Ganz Showfrau nimmt Tatiana Shmayluk das unerwartete Präsent nicht nur dankbar an, sondern platziert die Blume für den restlichen Song und den nächsten fest in der Mikrofonhand – immerhin ist sie offenbar keine Allergikerin. Nach so viel Valentinstagsflair muss man selbstverständlich etwas entgegensteuern, weshalb JINJER mit dem groovenden „Rogue“ schließlich noch ein wenig MESHUGGAH-Vibes nachlegen, bevor der virale Bandhit „Pisces“ das reguläre Set beschließt.

Nachschlag haben sich die Münchner:innen selbstverständlich verdient und so darf es zur Feier des Tages in der TonHalle noch einmal laut werden: „Sit Stay Roll Over“ zeigt JINJER nochmals von ihrer verbissenen Seite. Als klassisches Dessert wohl gänzlich ungeeignet passt der explosive Schlusstrack allerdings hervorragend zum heutigen Abend, wo wir uns doch ganz bewusst gegen Candlelight Dinner und für den Moshpit entschieden haben. Dass es am Ende in Form einer einzelnen Rose sogar eine winzige Spur Romantik gab, ist schließlich die kuriose wie passende Krönung dieses rundum gelungenen Valentinstagskonzerts.

JINJER Setlist – ca. 77 Min.
1. Duél2. The Green Serpent3. Fast Draw4. Vortex5. Disclosure!6. Tantrum7. Teacher, Teacher!8. Kafka9. Judgement (& Punishment)10. Hedonist11. I Speak Astronomy12. Perennial13. Someone’s Daughter14. Rogue15. Pisces———————–16. Sit Stay Roll Over

Fotogalerie: JINJER

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Source: Vampster

Meanwhile, American artist Joey Gonzalez has been delivering high-quality Electro for over 15 years, seamlessly...

Source: Side Line

INGESTED haben kurz vor dem Start ihrer Tour Sänger Josh Davies rausgeworfen, seinen Part übernimmt Adam Mercer. Zu den Gründen äußert sich die Band nicht, auf Instagram veröffentlichte sie lediglich eine kurze Nachricht:

Josh Davies ist nicht länger ein Mitglied der Band. Adam Mercer wird den Gesang auf der kommenden Tour mit BODYSNATCHER übernehmen.“

Am 8. Mai 2026 bringen INGESTED ihr neues Studioalbum „Denigration“ raus. Reinhören kann man in die neue Single „Merciless Reflection, zu der es hier ein Video gibt:

 

 

Für einige Songs holten sich INGESTED Gastmusiker dazu: „Merciless Reflection“ beinhaltet ein Feature von Damonteal Harris (PEELINGFLESH) bei „Watch You Fold“s ind John Gallagher von DYING FETUS, Skyler Conder von CELL und Kyle Medina von BODYSNATCHER zu hören.

INGESTED „Denigration“ Tracklist
01. Dragged Apart (feat. Skyler Conder of Cell)
02. Merciless Reflection (feat. Damonteal Harris of PeelingFlesh) (Video bei YouTube)
03. Watch You Fold (feat. John Gallagher of Dying Fetus)
04. Stitch by Stitch
05. We Are All Inherently Evil
06. Dredge the Dark (feat. Kyle Medina or Bodysnatcher)
07. Oaths Betrayed
08. Beaten Beyond the Veil
09. Steel Toe Truth
10. Cold Sun

Schon vor der Veröffentlichung von „Denigration“, sind INGESTED zusammen mit BODYSNATCHER, PSYCHO-FRAME und BIG ASS TRUCK auf Europa-Tour.

INGESTED, BODYSNATCHER + PSYCHO-FRAME, BIG ASS TRUCK Tour 2026
3/04/2026 Engine Rooms – Southampton, UK
3/05/2026 The Fleece – Bristol, UK
3/06/2026 Club Academy – Manchester, UK
3/07/2026 Slay – Glasgow, UK
3/09/2026 Limelight 2 – Belfast, UK
3/10/2026 Whelans – Dublin, IE
3/11/2026 The Key Club – Leeds, UK
3/12/2026 Rescue Rooms – Nottingham, UK
3/13/2026 Asylum – Birmingham, UK
3/14/2026 The Depo – Plymouth, UK
3/15/2026 The Garage – London, UK

3/17/2026 Hole44 – Berlin, DE
3/18/2026 Pumpehuset – Copenhagen, DK
3/19/2026 Logo – Hamburg, DE
3/20/2026 Faust – Hannover, DE
3/21/2026 Rock Cafe – Prague, CZ
3/22/2026 Hydrozagadka – Warsaw, PL
3/24/2026 Szene – Vienna, AT
3/25/2026 Backstage – Munich, DE
3/26/2026 KiFF – Aarau, CH
3/27/2026 Dynamo – Eindhoven, NL
3/28/2026 Matrix -Bochum, DE
3/29/2026 Trix Club – Antwerp, BE

INGESTED:
Josh Davies – vocals
Sean Hynes – guitars, backing vocals
Andrew Virrueta – guitar, backing vocals
Thomas O’Malley – bass
Lyn Jeffs – drums

 

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Source: Vampster

Heute startet POWERWOLFs „Wake Up The Wicked“ Tour. Nicht dabei ist Gitarrist Matthew Greywolf, der aus privaten Gründen kurzfristig nicht an der Tour teilnehmen kann. Für ihn kommt Dom R. Crey (ex-EQUILIBRIUM). 

Matthew Greywolf gab dazu bekannt: 

„Ich bin am Boden zerstört und es tut mir schrecklich leid, dass ich dieses Mal nicht dabei sein kann, aber manchmal hat das Leben abseits der Bühne andere Pläne. Ich bin zwar froh und dankbar, dass unser großartiger Freund Dom für mich einspringt, aber vielleicht werde ich bei einigen Shows für einen kurzen Besuch auf der Bühne vorbeischauen, um „Hallo“ zu sagen und ein paar Songs zu spielen – mal sehen. 

Vor dem Konzert in Leipzig am 3. März 2026 gibt die Band eine Autogrammstunde im EMP Store. Datum: 03.03.2026Ort: EMP Store Leipzig, Brühl 10Uhrzeit: 16:15 Uhr – 17:15 Uhr

 

POWERWOLF Tourdaten 2026
Wake Up The Wicked Tour 2026
Support: HAMMERFALL, WIND ROSE

19.02.26 DK – Copenhagen / K.B. Hallen
20.02.26 NO – Oslo / Unity Arena
21.02.26 SE – Stockholm / Hovet
23.02.26 FI – Helsinki / Ice Hall
25.02.26 SE – Gothenburg / Scandinavium
27.02.26 DE – Bremen / ÖVB Arena
28.02.26 DE – Düsseldorf / PSD Bank Dome
01.03.26 DE – Nürnberg / Arena Nürnberger Versicherung
03.03.26 DE – Leipzig / Quarterback Immobilien Arena
04.03.26 DE – Ulm / Ratiopharm Arena
05.03.26 DE – Mannheim / SAP Arena
07.03.26 UK – London / OVO Wembley Arena
 

Alle Videos vom aktuellen POWERWOLF-Livealbum 
„‚Wildlive (Live at Olympiahalle)‘ ist weit mehr als nur ein Live-Release. Es ist ein Vermächtnis. Eine Hommage an all die unvergesslichen Momente, die wir zusammen erschaffen haben.“ Mit diesen Worten kündigten POWERWOLF ihr neues Live-Album an. „Wildlive (Live at Olympiahalle)“ ist seit 13. Februar 2026 auf CD, Vinyl, DVD und Blu-Ray erhältlich, der Mitschnitt der Wolfsnächte Tour 2024 wurde in der ausverkauften Münchener Olympiahalle aufgenommen.

Mit dem Livealbum wollen POWERWOLF bleibende Erinnerungen schaffen: 

„Uns war von Anfang an klar: Keine Worte und keine Videoausschnitte könnten je vollständig einfangen, was wir gemeinsam auf der Wolfsnächte 2024-Tour erlebt haben. Jeder Abend hatte seine ganz eigene Magie! Und doch wollten wir einen Weg finden, diese Erinnerungen festzuhalten und mit euch zu teilen. Deshalb haben wir uns entschieden, das komplette, ausverkaufte Konzert in der Münchner Olympiahalle aufzuzeichnen.“

Als vierte Video-Single teilten POWERWOLF nun dem Mitschnitt von „1589“: 

Seit Dezember kann man sich auch den Mitschnitt von „Alive Or Undead“ ansehen: 

„Armata Strigoi“ haben POWERWOLF im November als zweite Single geteilt: 

Als erste Track haben POWERWOLF  den Mitschnitt von „Stoßgebet“ bei YouTube vorgestellt: 

„Wildlive (Live at Olympiahalle“ erscheint zwar erst am 6. März 2026 via Napalm Records, wer das Earbook oder die Vinylbox-Edition aber schon jetzt im Shop von Napalm Records vorbestellt, kann seinen Namen bzw. max. 20 Zeichen im Booklet beider Editionen verewigen lassen.

 

 

Anfang 2026 folgt dann auch eine Europatourne mit Konzerten in Bremen, Düsseldorf, Nürnberg, Leipzig, Ulm und Mannheim (Termine s. unten). Im Vorprogramm treten HAMMERFALL und WIND ROSE auf.

POWERWOLF „Wildlive (Live at Olympiahalle)“ Cover & Tracklist 

Intro – Monumental Mass Theme (Live At Olympiahalle)Bless´em With the Blade (Live At Olympiahalle)Incense & Iron (Live At Olympiahalle)Army of the Night (Live At Olympiahalle)Sinners of the Seven Seas (Live At Olympiahalle)Amen & Attack (Live At Olympiahalle)Dancing With the Dead (Live At Olympiahalle)Armata Strigoi (Live At Olympiahalle) (Video bei YouTube)1589 (Live At Olympiahalle) (Video bei YouTube)Demons Are A Girl’s Best Friend (Live At Olympiahalle)Stossgebet (Live At Olympiahalle) 04:05 (Video bei YouTube)Fire & Forgive (Live At Olympiahalle)We Don’t Wanna Be No Saints (Live At Olympiahalle)Alive or Undead (Live At Olympiahalle) (Video bei YouTube)Heretic Hunters (Live At Olympiahalle)Sainted by the Storm (Live At Olympiahalle)Blood for Blood (Faoladh) (Live At Olympiahalle)Sanctified With Dynamite (Live At Olympiahalle)We Drink Your Blood (Live At Olympiahalle)Werewolves of Armenia (Live At Olympiahalle)

 

POWERWOLF Line-up 2025
Attila Dorn – VocalsFalk Maria Schlegel – OrganCharles Greywolf – GuitarMatthew Greywolf – GuitarRoel van Helden – Drums

POWERWOLF – Summer Breeze 2023 – 18.08.2023 – Konzertfotos

Source: Vampster

Mit „Forever Damned“ stellen RESURRECTED einen weiteren Song ihres kommenden Albums „Perpetual“ vor. Das achte Album der deutschen Death Metal Band erscheint am 10. April 2026.

Als erste Single teilten RESURRECTED im KJanuar ein Video zu „Sanity Is Lost“:

 

„‚Sanity Is Lost‘ ist eine vernichtende Midtempo-Nummer, der tief imOld-School-Death-Metal verwurzelt ist“, beschreibt Schlagzeuger Dennis Thiele. „Er wird von dreckigen Grooves, dichten Riffs und unerbittlicher Härte angetrieben. Wir kanalisieren die rohe Brutalität des klassischen Death Metal der CANNIBAL CORPSE-Ära. In der Mitte des Songs beschleunigt sich das Tempo zu einem gewalttätigen Ausbruch, der die Intensität bis zum Zerreißen steigert. Es ist eine gnadenlose Erinnerung daran, dass, sobald die Wucht zuschlägt, die Vernunft wirklich verloren ist.“

Das Video ist inspiriert von Deutschlands schwerstem Bergbauunglück: Am 20. Februar 1946 kamen bei einer Explosion in der Zeche Monopol Schacht Grimberg mehr als 400 Menschen ums Leben.

RESURRECTED „Perpetual“ Tracklist & Cover
1. Unholy Intercession
2. Human Wrath
3. Forever Damned (Video bei YouTube)
4. Into Mighty Death
5. Sanity Is Lost (Video bei YouTube)
6. Decomposed
7. Immaculate Deception
8. Echoes of Creation
9. Perpetual
10. Infernal Desire (MALEVOLENT CREATION Cover)

Source: Vampster

TABERNIS veröffentlichen am 14. April 2026 ihr Debütalbum „Seasons Of The Dark Hive“ via Napalm Records. Nun hat das Folk-Duo die erste Single geteilt:

Ihr Debüt beschreiben die beiden Musiker so:

„ Wir schöpfen mit diesem Werk aus Kulturen und Musikstilen aller Epochen, aus allem, was uns im Laufe der Zeit inspiriert hat, und haben dabei unsere Grundlage behalten: Trommel und Dudelsack. Dies ist nur der Anfang der Geschichte. Die Energien der Jahreszeiten leiten unser Leben und unsere Kraft, genau wie auf diesem Album.“

TABERNIS „Seasons Of The Dark Hive“ Tracklist

Sanctus
Tenebrae (Video bei YouTube)
Noctilis
Mel Obscurum (Palästinalied)
Sylvanot
Verbah Oblitah
Aurora
Florenscentia
Apem Vidi (Ai Vist Lo Lop)
Lupanar Apum
Apiare
Hive Dance (Bransle du maître de la maison)
Meliferum
Calcinae
Apes Saltis

TABERNIS Line-up 2026
Noxifer (Beekeeper) – Dudelsack
Umbrae (Beekeeper) – Davul

Source: Vampster

EXODUS kündigen 12. Studioalbum an:

„Ob wir uns auf diesen Release freuen? Das ist eine Untertreibung. Wir haben alles in dieses Werk (sowie seinen bereits zu 80 Prozent fertigen Nachfolger, doch das ist eine Geschichte für ein andermal) gesteckt und wird sind sehr stolz darauf: Für ‚Goliath‘ haben wie so eng wie nie zuvor als Band zusammengearbeitet: Vier Songs kommen von Lee, die Lyrics von Gary, Rob, Lee und Tom, und es ist insgesamt einfach grandios. Es ist Zeit, das Biest von der Leine zu lassen – verneigt euch!“

Mit einem Clip zum Titeltrack teilten EXODUS nun die zweite Single aus „Goliath“.  Der Song unterscheidet sich vom restlichen Material, wie die Band berichtet:

„‚Goliath‘ ist wahrscheinlich das Härteste, was wir je gemacht haben, und sicherlich der langsamste Song in unserem Repertoire, so nah an Doom Metal, wie EXODUS nur kommen kann – das ist pure, finstere Bösartigkeit. Unsere Freundin Katie Jacoby verwandelt mit ihren 18 Streicherspuren in der mittleren Harmoniepartie den Song von purem Horror in etwas Schönes.“

Mit „3111“ präsentiert die Thrash Metal-Band im Januar den ersten Song aus „Goliath“ als Stream, das Video zum Track wurde laut EXODUS von YouTube abgelehnt, da es zu brutal sei. Nun hat die Band das Video auf  ihrer Webseite exodus3111.com/video geteilt.

Das komplette Album „Goliath“ wird am 20. März 2026 veröffentlicht. Direkt nach der Veröffentlichung gehen EXODUS mit KREATOR, CARCASS und NAILS auf Tour.
Peter Tägtgren (HYPOCRISY, PAIN) und die Violinistin Katie Jacoby haben als Gäste an „Goliath“ mitgewirkt. Produziert wurde das Album von EXODUS, gemischt und gemastert von Mark Lewis.

EXODUS „Goliath“  Tracklist & Cover
1             3111 (Stream)
2             Hostis Humani Generis
3             The Changing Me (feat. Peter Tägtgren)
4             Promise You This
5             Goliath (feat. Katie Jacoby) (Video bei YouTube)
6             Beyond The Event Horizon
7             2 Minutes Hate
8             Violence Works
9             Summon Of The God Unknown
10           The Dirtiest Of The Dozen

KREATOR, CARCASS, EXODUS, NAILS EU/UK TOUR  2026
20.03.26 PT – Lissabon / MEO Arena
22.03.26 ES – Madrid / Palacio Vistalegre
24.03.26 FR – Paris / Zenith Paris
25.03.26 BE – Brüssel / Ancienne Belgique
27.03.26 UK – London / O2 Academy Brixton
28.03.26 UK – Manchester / O2 Apollo Manchester
29.03.26 UK – Glasgow / O2 Academy Glasgow
31.03.26 LU – Esch-sur-Alzette / Rockhal
01.04.26 CH – Zürich / Halle 622
03.04.26 NL – ’s-Hertogenbosch (Den Bosch) / Brabanthallen
04.04.26 DE – Essen / Grugahalle
05.04.26 DE – Frankfurt / Jahrhunderthalle
07.04.26 IT – Mailand / Alcatraz
08.04.26 SI – Ljubljana / Media Center
09.04.26 AT – Wien / Gasometer
10.04.26 DE – Ludwigsburg / MHP Arena
11.04.26 DE – München / Zenith
12.04.26 CZ – Prague / Forum Karlín
13.04.26 HU – Budapest / Barba Negra
15.04.26 PL – Warschau / COS Torwar
17.04.26 DE – Hamburg / Inselparkhalle
18.04.26 DE – Berlin / Uber Eats Music Hall
20.04.26 LV – Riga / Palladium
21.04.26 FI – Helsinki / Black Box Finland OY
23.04.26 SE – Stockholm / Annexet
24.04.26 NO – Oslo / Sentrum Scene
25.04.26 DK – Kopenhagen / Poolen

Source: Vampster

Hallo Nathan und Anaïs! DOMHAIN haben sich bereits einen Namen in Irland und darüber hinaus gemacht, aber es gibt euch noch nicht allzu lange – drei, vier Jahre vielleicht? Abgesehen davon seid ihr schon seit einer ganzen Weile in der nordirischen Metal-Szene aktiv.

Nathan: Wir sind alle schon lange in der Szene aktiv. Ich habe im Jahr 2005 angefangen, lokal aufzutreten. Das ist schon eine ganze Weile.

Anaïs: Ich habe Bilder von Nathan mit seinen allerersten Bands gesehen. Er hatte ein echtes Babyface.

Nathan: Ein süßes kleines Gesicht. Gefärbte Haare und so weiter. Ach ja, das waren sehr gute Zeiten.

Anaïs: Ja, wir alle kannten die Bands der anderen, bis wir uns schließlich zusammengetan haben, um DOMHAIN zu gründen. Aber ja, es ist ziemlich lustig. Man weiß es nicht, aber eigentlich kennt man seine zukünftigen Bandkollegen schon.

Nathan: Bryn (Mills – Anm. d. Verf.), eines der Gründungsmitglieder von DOMHAIN, und ich gingen zusammen zur Musikschule. Vor 20 Jahren haben wir uns so kennengelernt.

Anaïs: Ja. Und er war bei OVEROTH, einer Death-Metal-Band, die derzeit inaktiv ist, auch wenn sie sich nicht aufgelöst haben. OVEROTH war zu einer eine der größten Death-Metal-Bands Irlands. Und ja, wir alle kannten ihn.

Und DOMHAIN ist jetzt eure Hauptband? Ihr habt noch andere Projekte, richtig?

Anaïs: Andy hat noch ein anderes Projekt. Andy hat eine weitere aktive Band namens IMPERIAL DEMONIC, die puren, echten Black Metal spielt, so black metal, wie es nur geht. Es ist eine großartige Band. Andy ist also gut beschäftigt.

Im Herbst, wurde eure EP „Nimue“  veröffentlicht. Habt ihr jetzt, da euer erstes Album „In Perfect Stillness“ erscheint, einen gewissen Druck verspürt, in Bezug darauf, dass ihr wirklich gute Kritiken bekommen habt und die Leute vielleicht ziemlich viel von euch erwarten?

Anaïs: Wir spüren wir im Moment keinen Druck, denn wir sind alle zufrieden mit unserem Album. Daher haben wir auch keine Angst, irgendwen zu enttäuschen. Wir sind nicht so eine Band. Selbst wenn die Leute unsere Musik nicht mögen würden, würden wir einfach weitermachen. Wenn man anfängt, sich Gedanken darüber zu machen, was die Leute denken, macht man dann überhaupt noch diese Art von Musik? Nein, ich glaube daher nicht, dass es in diesem Sinne einen Druck gibt.

Nathan: Ich denke, der einzige Druck, den es geben könnte, wäre der, es allen recht machen zu wollen. Wir möchten schon, dass die Leute mit dem, was wir machen, zufrieden sind. Aber wir stellen uns selbst an die erste Stelle. Wir haben Spaß daran. Und wenn die Leute daran mit uns Spaß haben können, umso besser.

Anaïs: Ja, natürlich ist es toll, wenn die Leute das können und ich glaube, das tun sie auch. Ich bin diejenige, die sich bei DOMHAIN Social-Media-Teil kümmert. Deshalb erhalte ich aus erster Hand alle Nachrichten, in denen die Leute sagen, dass ihnen unsere Musik oder unser neues Video gefallen hat und so weiter. Und ich informiere meine Band nicht ständig darüber, dass wir eine Nachricht bekommen haben oder dass sich jemand positiv geäußert hat. Deshalb merken sie wahrscheinlich gar nicht, dass unsere Band wirklich gut ankommt. Tut mir leid, Leute.

Nathan: Alles klar, danke für die Info. (lacht)

Ich möchte noch kurz auf die Texte und Sprachen eingehen, die ich für eure Band sehr interessant finde. Aber wenn ich nach der Bedeutung des Bandnamens DOMHAIN suche, spreche ich das übrigens richtig aus …

Nathan: Das ist umstritten. Uns ist es egal, wie die Leute ihn aussprechen. Ich glaube, wir haben ihn auch lange Zeit falsch ausgesprochen. Aber es scheint irgendwie davon abzuhängen, woher man kommt. „dow-ain“ ist jedoch die richtige Aussprache. Mir ist es egal. Ich weiß nicht, ob es den anderen etwas ausmacht.

Aber es ist Gälisch. Und stimmt es, dass es „tief“ bedeutet?

Nathan: „Tief“ oder „Welt“ oder „Universum“.

Anaïs: Es bedeutet auch „Erde“. Es ist ein Wort mit vielen Bedeutungen.

Als ich gegoogelt und nach der Bedeutung gesucht habe, bin ich auf „tief“ gestoßen. Ich fand das sehr passend. Und dass es verschiedene Bedeutungen hat, wie zum Beispiel Erde, gefällt mir sehr gut. Eure Musik klingt auch ziemlich erdig. Habt ihr diesen Namen also bewusst gewählt?

Anaïs: Ja. Ich glaube, Bryn hat ihn am Anfang ausgesucht, oder?

Nathan: Aber er passt sehr, sehr gut zu dem, was wir versuchen zu tun, finde ich. Auch wenn man sich die Themen der Texte ansieht.

Anaïs: Ja, es dreht sich alles um die Natur, um die Erde. Und ich glaube, unsere erste Übersetzung dafür war eher „Erde“ und „Welt“ als „Tiefe“. Aber „Tiefe“ passt definitiv auch zu unserer Musik, unserem Sound. Also ja, es ist insgesamt ein guter Name für uns.

„Es geht darum, woher wir kommen und wer wir sind. Dabei sind wir alle gleich, wir alle wollen dasselbe sagen. Ich denke, das ist die Botschaft, die wir vermitteln wollen, egal ob wir Französisch, Englisch oder Gälisch sprechen. Wir sind alle Söhne und Töchter der Welt, der Natur, und wir haben diese Verbindung dazu – unabhängig von der Sprache.“ – Anaïs über das verwenden verschiedener Sprachen auf „In Perfect Stillness“.

Großartig. Kommen wir nun zu „In Perfect Stillness“. Zunächst einmal herzlichen Glückwunsch zu diesem Album. Es gefällt mir auch nach weit mehr als zehn Durchläufen immer besser. Was recht schnell auffiel war– und ich möchte hier keine Diskussion über Quantität versus Qualität lostreten – dass eure EP war mit 28 Minuten ziemlich lang ist. Das komplette Album besteht aus einem Song mehr, plus Intro, und ist etwa sieben Minuten länger. Wann ist für euch als Band klar war, dass ein Werk komplett ist und entweder als EP oder als Album bezeichnet werden kann? Ist das eine Bauchentscheidung?

Nathan: Wir haben einen Schreibprozess und dann jammen wir die Songs aus. Die wahre Magie entsteht im Studio. Dort wird alles irgendwie endgültig, dort wird alles entschieden. Du weißt ja, dass die Songs immer fast 10 Minuten lang sind. Wenn es sich für uns richtig anfühlt, dann lassen wir das auch so. Wir müssen nichts kürzen oder uns Gedanken über die Länge machen. Wir haben einfach unsere Methode. Und wenn wir das Gefühl haben, dass ein Song fertig ist, dann ist er fertig.

Anaïs: Ja, genau. Die EP war tatsächlich ziemlich lang für eine EP. Und unser Album ist ziemlich kurz für ein Album. Aber ja, man muss alles irgendwie benennen. Ich finde, diese Veröffentlichung ist zu lang, um sie als EP zu bezeichnen – es ist also ein Album. Aber ja, das waren die Tracks, die wir veröffentlichen wollten. Und was wir als Nächstes schreiben werden, wird anders sein, wird eine neue Seite sein.

Was den Stil angeht, war ich überrascht, als ich die EP zum ersten Mal hörte, dass sie – ohne in Stereotypen zu denken – dieses irische Feeling hatte, das ich kenne. Andererseits hat mir dieser ENSLAVED-Vibe sehr gut gefallen, ohne die progressiven Elemente deren letzten Jahre. Aber all diese Elemente sind immer noch auf dem Album vorhanden. Man kann nur einfach keine Namen mehr nennen, nach dem Motto, dass sich die Musik nicht aus einem PRIMORDIAL-Part oder einem ENSLAVED-Teil zusammensetzt. Kam das vielleicht daher, dass ihr vier oder fünf Jahre lang zusammen gespielt habet und mittlerweile eine eigene musikalische Sprache gefunden habt?

Nathan: Ich denke, wir sind ziemlich frei. Vielleicht irren wir uns, vielleicht hören wir etwas nicht, aber wir glauben zumindest durch nichts eingeschränkt zu sein. Ich denke, wenn man sich die EP und das Album anhört, gibt es dort sehr unterschiedliche Genres, die über das ganze Album verstreut sind. Ich glaube nicht, dass es wirklich festgelegt ist. Wir machen im Wesentlichen das, was wir machen wollen.

Anaïs: Ich freue mich, dass du sagst, du hättest etwas Irisches in unserer Musik gehört, denn wir machen keine irischen Jigs oder Folk-Melodien. Aber was du meinst, ist eher das Gefühl, das man bekommt, wenn man PRIMORDIAL hört, nämlich dass man Irland sieht, die Dunkelheit, das Wetter. Und das wollten wir tatsächlich vermitteln, das ist definitiv da. Und ich bin froh, dass du das sagst und dass du das tatsächlich gehört hast. Aber das ist etwas, das ganz natürlich in unserer Musik vorkommt. Und ich denke, unser Sound wird sich definitiv wieder verändern oder weiterentwickeln, weil wir so viele Ideen haben. Und ich kann es kaum erwarten, wieder mit dem Schreiben anzufangen.

Die Split: DOMHAIN und EPHEMERAL – „Of Pine And Oak“ (2025)
Als ich das Album zum ersten Mal hörte, wurde mir klar, dass ich dringend zurück zum Meer muss, an eine Küste irgendwo, wo ein starker Wind weht. Die Normandie beispielsweise ist 12 Autostunden von mir entfernt. Ich bekam auch Fernweh, als ich es mir angehört habe. DOMHAIN bringt mich an Orte, an denen ich schon einmal war und die ich irgendwie vermisse. Ich habe allerdings Schwierigkeiten, euch als Post-Black-Metal-Band zu bezeichnen, auch wenn das korrekt wäre. Und es ist kein Epic Metal, aber es gibt es episches Element. Ich mag es, wenn Dinge nicht so einfach klassifiziert werden können. Aber wenn es um Klassifizierung oder Einzigartigkeit geht, dann geht das schon bei der EP „Nimue“ los. Die ersten fünf Minuten von „A Pile of Stone Upon My Grave“ bestehen fast nur aus diesem akustischen Teil. Dass eure zweite Veröffentlichung, die Split „Of Pine And Oak“ mit EPHEMERAL, ein akustischer Song war, war keine große Überraschung, da die erste EP bereits den Grundstein dafür gelegt hatte. Ihr seid in beiden extremen zu Hause, sei es nun Metal oder ruhige akustische Dark-Folk-Musik. Aber ist es schwieriger, einen 10-minütigen Metal-Song oder einen 10-minütigen Akustik-Song zu schreiben?

Nathan: Ja, wir haben Mühe, die Länge unserer Songs zu begrenzen, sie sind generell recht lang. Bei dem Akustiksong hatten wir zuerst die Metal-Version geschrieben. Es war also zuerst ein Metal-Song, bevor es ein Akustiksong wurde. Ich weiß nicht, ob dir das auf dem Album aufgefallen ist.

Ich dachte, es wäre umgekehrt gewesen.

Nathan: Ja, wir haben das umgekehrt. Wir wussten, dass wir einen Akustik-Track machen wollten, und dieser schien besonders gut zu funktionieren. Also haben wir das eine ganze Weile diskutiert und dann in die Tat umgesetzt. Aber wir hatten diesen Song ursprünglich nicht als Akustik-Song geplant. Vielleicht ist er deshalb so lang.

Der Song „Footprints II“, hat im Grunde genommen nur eine andere Instrumentierung und wie der Track auf der Split.

Anaïs: Ja, wir hätten ihn wahrscheinlich „Footsteps I“ nennen sollen und den akustischen „Footsteps II“, aber das hätte in der Vergangenheit vielleicht Verwirrung gestiftet. Und später hätte es dann Sinn gemacht. Das hätten wir machen können, aber diese Idee hatten wir einfach nicht. Nächstes Mal dann.

Nathan: Ich glaube einfach nicht, dass es die Leute sonderlich stören würde. So wie es ist macht es einfach mehr Sinn. Die Leute wissen ja nicht, dass die Akustikversion nicht zuerst da war.

Okay. Als ich den Album-Track „Footprints II“ hörte, hatte ich einen echten Flashback. Die Art, wie er ruhig beginnt und die gesprochenen Worte auf Französisch darüber gelegt wurden, das hat mich an den Song „Black Light District“ von THE GATHERING erinnert. Das Stück hat ein sehr ähnliches, ruhiges Flair mit den gesprochenen Worten darüber. Hat euch das vielleicht unterbewusst inspiriert?

Anaïs: Nein, mich nicht.

Nathan: Ich kenne mich mit THE GATHERING nicht besonders gut aus, aber das ist das Projekt von Anneke van Giersbergen, oder? Ist das die richtige Band, an die ich da denke?

Ja, Anneke war damals noch in der Band.

Nathan: Ah, okay! Ich bin selbst ein großer DEVIN TOWNSEND-Fan. Ich weiß, dass die beiden viel zusammen gearbeitet haben. Aber das war keine unbewusste Inspiration. Ich glaube nicht, dass wir diesen Song kannten.

Anaïs: Wir mögen alle verschiedene Sachen, in manchen Situationen passen Spoken Word-Elemente sehr gut. Wir alle lieben AMENRA. Ich muss zugeben, ich hasse es wirklich, meine Stimme auf Französisch zu hören. Und ich habe darum gekämpft, dass diese Aufnahme im Mix nicht lauter gemacht würde. Und der Rest der Band hat darum gekämpft, sie lauter zu machen.

Nathan: Das ist sicher eine Frage des Selbstvertrauens. Wir alle lieben es und finden, dass es großartig klingt. Und wir mussten darüber streiten, indem wir die Lautstärke für beide Versionen des Songs ein paar Mal erhöht haben, glaube ich. Wir haben darüber gestritten. Aber das liegt wohl an der Komfortzone. Jedes Mitglied von DOMHAIN macht in diesem Projekt etwas Einzigartiges, was wir zuvor nicht gemacht haben. Wir müssen einfach mehr Selbstvertrauen damit gewinnen, denke ich. Der Song ist jetzt draußen. Und wir werden mehr von so etwas machen.

Anaïs:  Okay. Dann bist du als Nächstes dran.

Ich kann dazu sagen, dass das aus meiner externen Perspektive zu meinen Lieblingsparts des Albums gehört.

Anaïs: Du hilfst mir hier nicht weiter. Aber danke trotzdem.

„Wir jammern viel. Aber wir vertrauen dem Prozess. Wir wissen, dass wir gute Ergebnisse erzielen werden, auch wenn die Idee verrückt ist.“ – Nathan Irvine und der Rest von DOMHAIN gibt sich den visuellen Ideen von Anaïs gerne hin.

Gern! Das ist ein guter Punkt, um auf das Thema Sprachen zu kommen. Hauptsächlich schreibt ihr auf Englisch, aber ihr verwendet neben Französisch auch etwas Gälisch. Das finde ich sehr interessant, weil es eine Brücke zwischen Vergangenheit und der Gegenwart schlägt. Gälisch ist auch der Vergangenheit und Anaïs, du kommst aus Frankreich, das ist also deine persönliche Vergangenheit.

Anaïs: Es geht wahrscheinlich darum, woher wir kommen und wer wir sind. Dabei sind wir alle gleich, wir alle wollen dasselbe sagen. Ich denke, das ist die Botschaft, die wir vermitteln wollen, egal ob wir Französisch, Englisch oder Gälisch sprechen. Wir sind alle Söhne und Töchter der Welt, der Natur, und wir haben diese Verbindung dazu – unabhängig von der Sprache. Und wir drücken uns auf sehr unterschiedliche Weise aus. Ich lebe seit 2008 in Irland, also schon sehr lange. Und es gibt immer noch Dinge, die ich auf Englisch nicht genau ausdrücken kann, aber ich weiß, wie ich sie auf Französisch sagen kann, auf die wirklich poetische Art und Weise, die ich möchte. Es ist ein Sprachniveau, das ich vielleicht nie erreichen werde, tatsächlich schöne Texte auf Englisch schreiben zu können. Ich finde es viel schwieriger als auf Französisch, selbst jetzt noch. Andy ist wirklich gut darin, Texte zu schreiben, und wir arbeiten so zusammen. Und er war glücklich in „Footsteps II“ auf Französisch zu singen . Er hat sich nicht davor gedrückt. Und ich war glücklich, es auf Irisch zu versuchen. Und ja, wenn es einen Deutschen in der Band gäbe, würden wir wohl auch auf Deutsch singen. Es gibt keine Grenzen.

Während ich mir das Album angehört habe, habe ich oft das deutsche Wort „Hingabe“ im Hinterkopf, das im englischen sowohl „devotion“ und „dedication“ als auch „surrender to something bigger“ bedeuten kann. Und ich finde, all diese Bedeutungen passen gut zum Album. Textlich und konzeptionell geht es meiner Meinung nach sehr stark um die Rückkehr zur Natur. Auf der anderen Seite gibt es musikalisch viel Intensität und Leidenschaft. Könnt ihr das nachvollziehen?

Anaïs: Das ist wirklich interessant. Ich glaube nicht, dass es im Französischen oder Englischen ein Wort gibt, das diese Bedeutungen hat. Kannst du uns das Wort schicken?

Ich stelle es in die Chatbox. Das bringt mich auch zum ersten Song, „Talamh Lom“, der sehr episch beginnt, und dann vermittelt der epische Up-Tempo-Teil ein Gefühl des Fliegens. Und mir gefällt, dass das Stück so dynamisch ist. Die Bedeutung des Titels lautet „Unfruchtbare Erde“. Das Video passt da sehr gut dazu: Auf der einen Seite gibt es beeindruckende Naturszenen, dem gegenüber stehen Umweltverschmutzung und hässliche Industrie. Da zu passt, dass ich heute eine Ausstellung von der Fotografin Saskia Groneberg besucht habe. Der Titel lautete „Fragments Of Eden“. Dort gab es ein Zitat des Historikers Hans von Trotha: „Jeder Garten, sei er gebaut, geplant, geträumt, geschrieben, gemalt oder auch nur gedacht, ist ein Echo auf das Paradies, also letztlich die Kompensation eines Verlusts.“ Und ich bekam Gänsehaut, weil diese Fotoausstellung und der Song so gut zusammenpassen. Welches Konzept lag dem Song zugrunde?

Anaïs: Wir haben diskutiert, ob es zu klischeehaft ist, wieder das Thema Natur aufzugreifen, denn es ist etwas, worüber schon viel gesprochen und geschrieben wurde. Aber es ist relevanter denn je und somit immer noch wichtig für uns. Das ist ein Thema, das uns wirklich am Herzen liegt. Wir stehen der Natur nahe, wir hassen es, wenn sie zerstört, verschmutzt, reduziert und ignoriert wird. Das war das Thema der ersten EP, „Nimue“. Die erste EP und das erste Album passen in diesem Kontext wirklich gut zusammen, weshalb ich denke, dass es für mich nicht um eine EP und ein Album geht, sondern um ein Konzept, das wir zusammenbringen. Und ich denke, danach werden wir ein neues Kapitel aufschlagen und uns vielleicht wieder für etwas anderes öffnen.

Nathan: Vielleicht, wenn wir uns davon lösen können.

Anaïs: Vielleicht. Wir haben noch nicht wirklich mit dem Schreiben begonnen. Ich glaube auch nicht, dass wir plötzlich über etwas völlig Anderes reden und nie wieder auf die Natur zurückkommen. Das können wir vermutlich auch gar nicht. Es gibt immer noch einige Künstler, die sich mit den gleichen Themen beschäftigen, aber ich habe den Eindruck, es sind weniger geworden, während das Problem immer noch besteht.

All das hat mich zum Nachdenken gebracht. Menschen sind die einzige Spezies die bewusst das Gesicht des Planeten verändert, weil sie den Planeten an sich anpassen, und nicht wie alle anderen Spezies, sich an den Planeten anpassen. Kann es auf diesem Planeten keine Natur mehr geben, ganz einfach weil der Mensch bereits alles verändert hat? Diese Erkenntnis hat mich etwas runtergezogen.

Anaïs: Es ist deprimierend. Und wir als Band, versuchen uns davon zu lösen. Wir haben diese Figur auf dem Cover. Das Album folgt diesem Bild einer Person, die all das sieht, diesen Schaden an der Umwelt und Natur, und darüber deprimiert ist. Sie sucht nach einem Weg, all dem zu entkommen und einfach wieder ganz zur Natur zurückzukehren. Aber der einzige Weg, den es wirklich gibt, ist der Tod. So düster das auch ist. Wir haben mit der Göttin der Natur, „Nimue“, begonnen, die die Menschheit bestraft. Und die nächste Seite, dieses Album, ist eher die Sichtweise eines Menschen, der zurück zur Natur selbst finden möchte.

Würde es also für „In Perfect Stillness“ zutreffen, die Story in die Kapitel Erkenntnis („Telemh Lom“) über die Entfernung („Footsteps II“) bis hin zur Versöhnung („In Perfect Stillness“) und schließlich Conclusio („My Tomb Beneath the Tide“) aufzuteilen?

Nathan: Ja, wir finden, dass es ganz gut fließt.

Das Debütalbum: DOMHAIN – „In Perfect Stillness“ (2026)
Das gefällt mir. Ich finde, die Split-EP hatte ein wunderschönes Cover. Und ich mag auch das Cover von „In Perfect Stillness“ sehr, aber es ist viel düsterer. Gleichzeitig ist es sehr friedlich. Und trotz all der Morbidität, die in dem Artwork steckt ist es schön, wie der Mensch die in diese Blume hinein zu fließen scheint.

Nathan: Anaïs, hast du es gerade da?

Anaïs: Ja, habe ich. Aber normalerweise ist es schwer zu sehen, wenn es dunkel ist.

Nathan: Es ist beeindruckend und unglaublich.

Ich kann es kaum erwarten, meine LP zu erhalten.

Nathan: Ja, wir können es auch kaum erwarten. Wir sind sehr gespannt darauf, die fertige LP zu erhalten.

Anaïs steht auf und geht zum Zeichentisch im Hintergrund, holt ein Gemälde mit ca. 100 cm Seitenlänge.

Anaïs: Hier ist es. Ich weiß nicht, ob du es hier im Licht sehen kannst. Ich brauche ein helleres Licht – warte mal. Anaïs schaltet eine weitere Lampe ein. Siehst du etwas? Es ist ziemlich dunkel.

Ja, das ist es. Ein wunderschönes Bild. Es sieht auch hier echt beeindruckend aus – und es hat einen friedlichen Charakter. Wirklich so, als würde man zurück zur Natur kehren. Und da bin ich immer noch mit dem Wort „Hingabe“ – Teil von etwas Größerem werden.

Nathan: Das ist cool. Das macht Sinn.

Anaïs: Er lässt mich das Bild während eines Interviews herzeigen, um damit anzugeben.

Nathan: Nicht, um damit anzugeben.

Anaïs: Ich muss es wirklich einrahmen und an die Wand hängen, damit ich es nicht mehr bewegen muss.

Nathan: Das Artwork für die Split-Veröffentlichung war auch schön. Ist das bei Andy zu Hause?

Anaïs: Ich habe es Andy gegeben. Ich glaube, er hat es gerahmt. Ich habe ihn jedenfalls darum gebeten, also sollte es so sein.

Nathan: Es wird irgendwo in einer Ecke stehen.

Anaïs: Und verstaubt. Das Bild für „Of Pine And Oak“ ist viel kleiner. Es misst etwa 30 oder 40 Zentimeter pro Seite. Und es war ein bisschen improvisiert. Ich hatte eine grobe Vorstellung davon, was ich machen wollte und von dem Gefühl, das ich vermitteln wollte. Ich habe Musik gehört und angefangen zu malen und das Bild werden lassen, was es werden wollte. Das funktioniert manchmal, manchmal auch nicht. Ich war mit diesem Bild zufrieden. Für das Album habe ich das Artwork jedoch komplett geplant. Ich habe es zuerst digital gezeichnet und überlegt, wo ich welches Element haben wollte. Ich hatte ein bisschen Freizeit, also habe ich einfach dieses wirklich große Ölgemälde gemalt. Das war eine tolle Zeit, einfach zu Hause und mit viel Musik zu malen. Ölgemälde sind wirklich toll, sie sind weich. Ich finde nur so kann man dieses Gefühl vermitteln. Wenn ich ein anderes Medium verwendet hätte, hätte es nicht so friedlich gewirkt. Die friedliche Seite davon ist das, was ich wollte. Die Figur schläft, es hat etwas wirklich Bequemes. Ich wollte nicht, dass die Leute das Bild betrachten und den Eindruck haben, da sei ein verwesender Körper zu sehen. Es ist jemand, der sich in einem Nest befindet, es wächst Gras um die Person herum. Der gesamte Prozess hat wirklich Spaß gemacht.

Wie lange hat es gedauert, ein Bild wie dieses zu malen?

Anaïs: So circa zwischen einer und zwei Wochen ohne die digitale Skizze. Es gehört viel mehr dazu als nur das Malen. Man muss ewig warten, bis es trocknet. Das dauert bei Ölgemälden ewig. Dann muss man es auf eine bestimmte Art und Weise lackieren und am Ende professionell einscannen lassen – das ist bei dieser Größe erforderlich. Am Ende kommen man ein paar digitale Tricks, das Logo einfügen, und so weiter. Insgesamt war das wahrscheinlich ein Monat Arbeit, ohne die zwei Monate Trocknungszeit mitzurechnen. Da liegt es einfach nur herum und trocknet.

„Wir hätten nie daran gedacht, ein Handy zu benutzen, aber wir waren vor Ort, wir hatten die Schauspielerinnen, die weit gereist waren, wir hatten keinen anderen Tag zur Verfügung, um das Video zu drehen.“ – Nathans iPhone rettete den Videodreh zu „My Tomb Beneath the Tide“.

Hast du eigentlich eine Kunstschule besucht, beziehungsweise Kunst studiert?

Anaïs: Ja, ich habe in Frankreich das Abitur gemacht, danach habe ich studiert. Nicht Kunst, aber Grafikdesign.Ich habe mich schon seit meiner Kindheit mit Kunst beschäftigt. Meine Großmutter Malerin. Sie nichts anderes gemacht, als Ölbilder zu malen. Sie hat mich zu ihrem Lehrer mitgenommen, als ich ein kleines Mädchen war. Und so habe ich auch immer gemalt.

Nathan: Nur um hier etwas beizutragen. Wir sind unglaublich glücklich, Anaïs zu haben. Du kannst rot werden, so viel du willst. Du machst nicht nur das, sondern übernimmst auch die Regie für die Musikvideos, die T-Shirt-Designs, die CD-Layouts. Alles was das Design angeht kommt von dieser Person. Zum allergrößten Teil.

Anaïs: Finanziell ist es praktisch. Ich habe Glück, dass meine Band mich das machen lässt. Ich hätte auch in einer Band sein können, die nicht mag, was ich mache. Dann hätte ich mich nicht auf diese Art und Weise ausdrücken können. Sie vertrauen mir, selbst wenn ich ihnen sage, dass ich die Bilder für das Booklet selbst machen will. Meine geniale Idee ist, ihr steckt eure Köpfe in den Schlamm oder in das eiskalte Meerwasser. Die Band jammert ein bisschen,  aber sie machen es.

Nathan: Wir jammern viel. Aber wir vertrauen dem Prozess. Wir wissen, dass wir gute Ergebnisse erzielen werden, auch wenn die Idee verrückt ist. Wir legen einfach los. Man muss ja auch nur ein paar Stunden in der Sonne sitzen. Warum nicht? Man hat ja nichts anderes zu tun.

Anaïs: Das war sehr grausam.

Ich habe das Video gesehen, in dem ihr dokumentiert, wie die Fotos entstanden sind. Es ist ein wirklich schöner Einblick in den kreativen Prozess.

Nathan: Ich weiß nicht so recht, ob es für uns schön war. Du musstest nur im Gras sitzen. Was habe ich bekommen? (Nathan musste sich am Strand ins eiskalte Meerwasser legen – Anm. d. Verf.)

Anaïs: Ich weiß. Das war nur, weil ich eine vollständige Belichtung wollte. Wir hatten vier verschiedene Hintergründe. Es sei denn, wir hätten Schnee gehabt. Dann hätte ich dich in den Schnee setzen können.

Nathan: Das nächste Mal dann.

Das bringt mich zu einer provokanten Frage. Ich habe eine digitale Version des Booklets mit den Texten erhalten. Die Portraits von denen wir eben sprachen, wären von vielen anderen Bands sie heutzutage in Verbindung mit KI entstanden, aber das ist nicht eure Art. Daher glaube ich nicht, dass wir über generative KI sprechen müssen. Nutzt ihr KI stattdessen in anderer Hinsicht als Werkzeug? 

Nathan: Nein, ich nutze KI nur in der Arbeit. Da ist es ein nützliches Werkzeug. Ich glaube nicht, dass es notwendig ist, um Kunst auszudrücken. Es wertet die Kunst ab. Ich stimme zu, es gibt kein Entkommen, wir sind bereits mittendrin. KI ist nicht nur ein Werkzeug, um an der Musik herumzubasteln. Wir sind nicht dazu da, damit KI Musik für uns erzeugt. Wir sind hier, um Musik zu erschaffen.

Anaïs: Vielleicht ist das der Unterschied. Eine Band, die KI einsetzt, sucht den Erfolg, anstatt für sich selbst Musik zu er schaffen. Jedem das Seine, aber das ist nichts für uns. Ich glaube nicht, dass wir KI jemals für irgendetwas eingesetzt haben.

Nathan: Wenn wir mit etwas zu kämpfen hatten, haben wir herumprobieren, bis es funktioniert hat. Wir haben uns als Band abgesprochen und mussten uns auf nichts und niemand anderes verlassen.

Anaïs: Das war schon immer so.

Fühlt ihr euch als Band und als Künstler von KI bedroht? Oder eher persönlich?

Nathan: Wenn ich die zu meinem Vollzeitberuf machen würde, würde ich mich davon bedroht fühlen. Wenn wir großen Erfolg hätten, dann wäre es so. Derzeit ist es ein Hobby, ein Leidenschaftsprojekt. Wir machen DOMHAIN in erster Linie für uns selbst. Ich glaube, das habe ich schon einmal gesagt. Wir haben Vorrang. Wenn andere mitmachen wollen, dann sei es so. Wir hoffen dabei natürlich, dass wir so vielen Menschen wie möglich mit unserer Kunst eine Freude machen können.

Anaïs: Ich selbst fühle mich bedroht. Nicht wegen DOMHAIN. Ich denke, die Leute, die uns hören, interessieren sich nicht für KI – das hoffe ich zumindest. Aber in meinem Vollzeitjob könnte mich das eines Tages komplett ersetzen. Das ist schon ein bisschen beängstigend.

DOMHAIN (c) These Hand Melt
Lassen wir dieses deprimierende Thema beiseite. Nathan, du hast gesagt, dass die Band ein Leidenschaftsprojekt ist, und Anaïs, du hast gesagt, dass du viel Kreatives im visuellen Bereich machst, was der Band Geld spart. Ich habe mir natürlich auch das Video zu „My Tomb Beneath The Tide“ angesehen, und es hat cineastisches Flair. Ihr habt mit Schauspielern gearbeitet, das Storyboard gestaltet und generell großen Aufwand betrieben.Ich nehme an, wenn ihr einen externen Regisseur bezahlt hättet, wären Unsummen dafür draufgegangen.

Anaïs: Es ist ein 10-minütiger Track, das ist also fast ein Kurzfilm, und ich weiß auch nicht, wie viel so ein Video gekostet hätte; wahrscheinlich ein Vermögen. Wir hatten also eine Kamerafrau mit einer richtigen Kameraausrüstung, die mit uns dieses Musikvideo drehte, und diese Person ist mehrere Tausend pro Tag wert, aber ich wollte eben, dass es wirklich gut gedreht wird. Und was an diesem Tag passiert ist, muss ich jedes Mal erzählen. Es ist nicht überraschend, dass die gesamte Organisation des Drehtages schwierig war, die Suche nach den Darstellerinnen und die Suche nach einem Termin, an dem alle Zeit hatten, zumal wir die Darstellerinnen aus Dublin und aus dem absoluten Nirgendwo in Irland herholen mussten. Und als wir dort waren, konnte der Termin nicht mehr verschoben werden. Es war also soweit, und die Kamerafrau begann mit der ersten Aufnahme, der ersten Einstellung des Videos, in der man die Hauptdarstellerin, die Hauptfigur, vor den Wellen sitzen sieht. Sie macht diese Aufnahme, und ich mir gefiel es wirklich gut. Ich fand es wunderschön und war total begeistert. Dann machten weiter mit der zweiten Szene, und die Kamera ging kaputt. Die Kamera ging tatsächlich kaputt, und Fiona, mit der ich seit Jahren immer wieder zusammenarbeite, kennt ihre Ausrüstung in- und auswendig. Sie holte einen Schraubenzieher, öffnete die Kamera, fand das durchgebrannte Teil und konnte es nicht ersetzen. Wir hatten keine Kamera mehr, und Nathan rettete die Situation, indem er sein iPhone zur Verfügung stellte, um den Rest zu drehen. Also haben wir 90% dieses Musikvideos mit einem iPhone gedreht, und ich bin so froh, dass es so gut geworden ist. Ach ja, und wir hatten auch eine tolle Drohne und einen wirklich guten Drohnenpiloten, der die letzten Szenen gedreht hat, worüber ich sehr glücklich bin. Aber ja, das war wirklich stressig. Ich glaube, ich bin an diesem Tag 10 Jahre gealtert.

Nathan: Es war auch eine Art letzter Ausweg. Wir hätten nie daran gedacht, ein Handy zu benutzen, aber wir waren vor Ort, wir hatten die Schauspielerinnen, die weit gereist waren, wir hatten keinen anderen Tag zur Verfügung, um das Video zu drehen, und ich sagte: Okay, wir machen es jetzt mit meinem Handy. Und das war’s.

Anaïs: Ja, entweder wir ziehen es jetzt durch oder sagen es ab.

Nathan: Aber ich finde, das Video sieht fantastisch aus. Die Qualität ist viel besser geworden, als ich es von einem alten iPhone erwartet hätte. Ich möchte also lieber keine Werbung dafür machen. Ich weiß nicht, ob das die beste Art ist, aber für uns hat es auf jeden Fall funktioniert.

Ja, und ihr dachtet, wenn Danny Boyle „28 Years Later“ mit iPhones drehen kann, dann könnt ihr das auch.

Nathan: Ja, das war zuerst dran.

Anaïs: Ich bin von der Qualität begeistert und habe hier mein eigenes Set.

Die Bilder im Video sind auch besser als Danny Boyles Kameraaufnahmen aus „28 Years Later“.

Anaïs: Das kann ich nicht beurteilen, weil ich mit diesen Film nicht ansehen kann. Ich habe wirklich Angst vor Zombies.

Meine Frau und ich hatten am Samstag unseren 22. Jahrestag. Wir sind zusammen gekommen, während wir „28 Days Later“ gesehen haben, und jetzt stehen wir überhaupt nicht mehr auf Zombies. Wir haben jetzt Kinder, da schauen wir keine blutigen Filme mehr. Aber wir haben gesagt, aber wegen unseres Jahrestages machten wir eine Ausnahme und schauten den Film. Und ja, er war zu blutig und brutal für uns. 

Anaïs: Das glaube ich dir.

„Ich wollte nicht, dass die Leute das Bild betrachten und den Eindruck haben, da sei ein verwesender Körper zu sehen. Es ist jemand, der sich in einem Nest befindet, es wächst Gras um die Person herum.“ – Anaïs über das Artwork zu „In Perfect Stillness“.

Ihr hattet viele Gäste, sowohl auf der EP als auch auf dem Album, mit John Wilson am Klavier, Raul Andueza am Cello und Sarah Fielding am Gesang. Da Anaïs Cello spielt und in allen Tonlagen singen kann und Nathan auf der EP Piano gespielt habt, hättet ihr das Album auch ohne die Gastbeiträge fertigstellen können. Kamen die Gastbeträge zustande, weil sie auch aus der irischen Musikszene kommen und ihr mit Freunden zusammenarbeiten wolltest?

Nathan: Ja, John ist ein Bekannter. Er wohnt nicht weit von uns entfernt. Und er ist ziemlich gut mit Ashley befreundet, unserem anderen Gitarristen. Sie haben in der Vergangenheit schon an diversen Musikprojekten zusammengearbeitet. Wir hatten „Footsteps II“ geschrieben und dachten, dass ein Klavier das Stück bereichern würde. Ich habe in „Nimue“ einen kleinen Teil am Klavier gespielt, aber ich bin nicht auf dem Niveau, das für einen ganzen Song erforderlich wäre. Wir haben einfach John gefragt, und er war gerne bereit, mitzumachen. Wir haben ein paar Entwürfe bekommen, und wir sind einfach überwältigt von der Qualität, die er uns bieten kann. Und um ehrlich zu sein, ich glaube, das hat den Song geprägt. Johns Spiel hat ihn so viel eindrucksvoller, so viel größer und so viel besser klingen lassen. Raul wurde für „Nimue“ engagiert, und  er hat auf dieser EP so beeindruckende Arbeit geleistet, dass wir ihn wieder haben wollten. Wir wollten mehr von seinem Spiel. Zu Sarah… Ich nehme an, du möchtest die Weingeschichte erzählen?

Anaïs: Sarah, die Gastsängerin bei „My Tomb Beneath the Tide“, ist von DARKEST ERA und eine sehr alte Freundin, deren Stimme ich absolut liebe. Wir alle lieben ihren Gesang, und sie ist zufällig die Frau von Chris Fielding, der uns aufgenommen hat. Wir waren im Studio und hatten beiläufig darüber gesprochen, dass Sarah bei einem Track als Gast mitwirken könnte, und eines Abends kam sie nach der Arbeit ins Studio. Sie ist Geschäftsinhaberin einer T-Shirt-Druckerei und druckt die meisten Merchandise-Artikel von Bands in Großbritannien und darüber hinaus. Sie macht die besten T-Shirts. Sie hat also sehr lange, harte Arbeitstage und zwei Kinder. Sie kam im Studio an und war total fertig. Sie hörte sich an, was wir aufgenommen haben. Ich glaube, sie hatte es vorher noch nicht gehört. Sie ging mit einem großen Glas Wein, zum Mikrofon im Aufnahmebereich und improvisierte einfach ein paar Harmonien. Wir waren einfach überwältigt. Alles, ihr Ton, ihre Lautstärke, ihre Ideen, alles war sofort perfekt. Wir lieben einfach, was sie gemacht hat. Sie hat diesem Track eine neue Dimension verliehen. Das ist mein Lieblingsgastbeitrag auf dem Album.

Ihr wart schon zum zweiten Mal in Chris Fieldings Studio in Wales. Ich nehme an, das war eine gute Erfahrung für euch. Hattet ihr auch in früheren Bands mit ihm zusammengearbeitet?

Anaïs: Ja, er hat meine alte Band, CELTACHOR, ein- oder zweimal aufgenommen, ich weiß es nicht mehr genau. Und ich kannte ihn schon vorher, weil er die Band meines Ex-Mannes mehrmals aufgenommen hatte, und er ist einfach dafür bekannt, dass er PRIMORDIAL, WINTERFYLLETH und all die Bands aufgenommen hat, die uns wirklich am Herzen liegen, wie SAOR. Also ja, er ist der richtige Mann für diesen Job.

Nathan: Ich war ziemlich außen vor. Als ich zur Band kam, wurde uns gesagt, dass wir dort aufnehmen würden, und ich habe das in Frage gestellt. Ich dachte mir: Warum machen wir das nicht vor Ort? Warum bleiben wir nicht hier? Wir gingen zu ihm ins Studio und verbrachten dann die Zeit mit Chris, um herauszufinden, dass tatsächlich besser war mit ihm zusammenzusitzen und das zu bekommen, was man bekommt. Er arbeitet sehr, sehr präzise. Er weiß genau, was zu tun ist, und es ist sehr einfach, mit ihm zu arbeiten. Daher war es keine Frage, dass wir wieder zu ihm zurückkehren würden. Ich glaube, wir haben diese Entscheidung direkt nach „Nimue“ getroffen. Wir wussten sofort, dass wir wiederkommen würden.

Schön, wenn man etwas hat, das wirklich funktioniert, und man es nicht ändern muss. Wie lange habt ihr in seinem Studio aufgenommen?

Nathan: Ich glaube, es waren vier Tage.

Anaïs: Plus zwei Tage für das Schlagzeug, also eine Woche.

Das ging schnell. Und das Mastering hat Mike Lamb übernommen.

Anaïs: Ja. Mike Lamb von SOJOURNER und REMINA ist auch ein sehr guter Freund von mir. Das ging sehr schnell. Ich glaube, er hat zwei Versionen des Masterings gemacht, aber wir waren sofort zufrieden. Er ist eine weitere Person, die wir alle kennen, er versteht sein Handwerk. Er spricht unsere Sprache, seine Musik ist der unseren sehr ähnlich. „Nimue“ wurde von DÉHÀ gemastert, der auch ein wirklich sehr guter Freund ist. Wir hatten uns schon bei „Nimue“ gefragt, ob wir es von Mike oder DÉHÀ mastern lassen sollten. Also haben wir DÉHÀ „Nimue“ gegeben und Mike das Album, weil wir einfach mit beiden zusammenarbeiten wollen, aber man muss sich nun mal entscheiden.

Die erste EP: DOMHAIN – „Nimue“ (2023)
Ja, das ist ein schöner Zufall. Ich habe mir gerade einen Hyperfokus auf einige Projekte von Heike Langhans, darunter auch REMINA und LIGHT FIELD REVERIE. Und gerade heute ist mir beim Anhören von REMINA aufgefallen, dass es stilistisch zwar ein ganz anderer Ansatz ist, aber das Sounddesign wirklich nicht weit von „In Perfect Stillness“ entfernt ist.

Anaïs: Ja, sie stehen uns definitiv nahe. Wir haben darüber gesprochen, Heike vielleicht in Zukunft auch als Gast einzuladen.

Okay, jetzt, da das Albumkürze veröffentlicht wird, habt ihr, schon ein oder zwei Festivals angekündigt. Wird es vielleicht auch Tourneen auf dem europäischen Festland geben? Habt ihr da schon etwas in Planung?

Nathan: Ich glaube nicht, dass etwas geplant ist, aber der Wunsch ist da. Wir versuchen, um etwas auf die Beine zu stellen, das ist sicher.

Anaïs: Wir haben einige Termine, die noch nicht bekannt gegeben wurden, aber im Moment ist keine Europatournee geplant. Es ist ziemlich schwierig, eine Tour zu realisieren, wenn wir auf dem Niveau sind, auf dem wir uns befinden. Das weißt du sicher. Das ist also nichts, was wir einfach so machen können. Wir kommen aus Irland, müssen fliegen oder mit dem Schiff kmmen. Das ist sehr teuer. Aber wir werden sehen, wir werden unser Bestes geben.

Vielleicht ein schönes Festival?

Anaïs: Das würde mir gefallen.

Habt ihr einen Booking-Agenten für Europa?

Anaïs: Nein, für Großbritannien und Irland haben wir einen, aber noch nicht für den Rest von Europa. Wenn du jemanden kennst, freuen wir uns über Vorschläge.

Anaïs, Nathan, es war mir ein Vergnügen. Vielen Dank für eure Zeit.

Anaïs: Vielen Dank, dass du mit uns gesprochen und uns deine Eindrücke vom Album vermittelt hast. Das war wirklich interessant.

Nathan: Du hast uns auch Stoff zum Nachdenken gegeben.

Anaïs: Sei nicht überrascht, wenn wir eines Tages ein Album oder einen Track mit dem Titel „Hingabe“ haben.

Ja, das würde mich sehr freuen.

Anaïs: Du bekommst 10 %. Bitte sehr.

Danke! Wenn es noch etwas gibt, dass wir vergessen haben, jetzt ist die Gelegenheit.

Anaïs: Ich denke, es passt.

Nathan: Ich freue mich einfach auf die Veröffentlichung und darauf, die Leute bei einigen Shows zu sehen. Wir hoffen, dass den Leuten das Album gefällt.

Anaïs: Ich auch!

Nochmals vielen Dank. Ich wünsche euch einen schönen Abend. Grüßt bitte den Rest!

Anaïs: Machen wir. Bye Bye.

Nathan: Danke. Bye Bye.

 

Bilder: (c) THESE HANDS MELT

Source: Vampster

Es darf weiter spekuliert werden: Auf YouTube ist eine neue Single von ARCH ENEMY aufgetaucht, wer bei „To The Last Breath“ singt, verrät die Band allerdings nicht.

 

Der Single ist ein tagelanges Verwirrspiel mit Teasern auf Social Media vorausgegangen. Unter anderen wurde über den Wiedereinstieg von ex-ARCH ENEMY-Sängerin Angela Gossow spekuliert, bis sie dementierte.   Angela Gossow hatte 2014 ARCH ENMY verlassen. Danach übernahm Alissa White-Gluz den Posten der Sängerin. Sie verkündetet im November 2025 ihren Ausstieg. 

ARCH ENEMY für einige Festivals und Open Air 2026 bestätigt, unter anderem spielt die Band beim SUMMER BREEZE.

Source: Vampster

FINAL GASP haben den Nachfolger ihres 2023er Albums „Mourning Moonn“ angekündigt: Das neue Album der Bostoner Post Punk-Band heißt „New Day Symptoms“ und erscheint am 27. Februar 2026 via Relapse Records. Als zweite Single stellen FINAL GAST nun „No Hand To Lead“ vor:

Mit “The Apparition” haben FINAL GASP im Januar den ersten Song daraus veröffentlicht, Sänger Jake Murphy fasst die Story zum Song zusammen:

„Diese Geschichte ist viel schrecklicher ist als jede Fiktion: Sie handelt von einem Kapitän und seine Crew auf einem kleinen Boot. Ein Sturm kam auf, das Boot kenterte. Letztendlich überlebte nur der Kapitän und musste mitansehen, wie seine Freunde mitgerissen wurden. Das hätte vermieden werden können. Er wusste, dass ein Sturm bevorsteht, dachte aber, sie würden es schaffen. Es geht um schlechtes Timing und die Konsequenzen, die man daraus ziehen muss.“

 

 

Das neue Album soll vielseitiger sein, verspricht der Frontman:

Wir verlassen wir uns immer noch auf das, was wir können, haben uns aber auch erlaubt, verschiedene Klangfarben auszuprobieren. Wir waren offen und aufgeschlossen für die Ideen der anderen,  das Schreiben und Aufnehmen dieses Albums war ein kollektives Arbeiten. Dass Arthur Rizk dieses Album produziert hat, hat uns noch mehr Ideen eröffnet. Während der Aufnahmen waren wir eine Woche lang rund um die Uhr zusammen und haben im AirBnb und im Studio an den Songs gearbeitet. Es war ein sehr praktischer, intensiver Prozess, an dem wir alle beteiligt waren.“

 

FINAL GASP „New Day Symptoms“ Tracklist & Cover
01 – Eternal Silence
02 – Look Away
03 – The Apparition (Video bei YouTube)
04 – Gifted Shame
05 – No Hand To Lead (Video bei YouTube)
06 – Prediction
07 – Burials Of Birth
08 – Fractures
09 – New Day Symptoms
10 – Pale Sun

Source: Vampster

AT THE GATES geben erste Hinweise auf ihr kommendes Album: Auf Facebook haben die Schweden ihr Titelbild aktualisiert, einen Mini-Teaser veröffentlicht und den Albumtitel „The Ghost of a Future Dead“ verraten – wann das Album erscheint, ist noch nicht bekannt.

Es gibt außerdem Gerüchte um eine erste Single, so listet zum Beispiel bei metal-archives in der Diskografie der Melodic Death Metal-Band eine Single mit dem Titel „The Fever Mask“ mit dem Veröffentlichungsdatum 20. Februar 2026, das Coverartwork ist ebenfalls bereits im Netz veröffentlicht. 

 

„The Ghost Of A Future Death“ ist das letzte Album mit Sänger Tomas Lindberg, er starb im September 2025. Er nahm die Vocals für „The Ghost Of A Future Death“ im Frühjahr 2025 auf, bevor er sich einer schweren Operation unterziehen musste.

Er schrieb dazu im März 2025 eine Nachricht an alle Fans. Darin heißt es unter anderem:

Die letzte Version der Gesangsaufnahmen, die auf dem Album zu hören sein wird, habe ich an EINEM Tag aufgenommen, größtenteils in einem Take, am Tag vor der Operation, nur um sicherzugehen, dass wir das Album sozusagen im Kasten haben. Der Gesang wurde also tatsächlich VOR dem Rest des Albums aufgenommen… etwas ungewöhnlich, aber es war ein gutes Gefühl, es hinter uns zu haben.
Wir haben nun beschlossen, nicht länger mit der Veröffentlichung dieses neuen Albums zu warten. Ursprünglich war der Plan, so lange zu warten, bis wir wissen, ob und wann ich wieder singen kann und ob wir das Album auch mit Konzerten unterstützen können. Jetzt, wo die Zukunft etwas ungewisser ist, fühlt es sich gut an, dieses Album zu veröffentlichen.

 

 

Source: Vampster

February 04, 2026, Hamburg MarkthalleSupport: Isaac Howlett Covenant – 40 years of frequency, 40 years of future Some bands accompany a scene. Others shape it. Covenant belong to precisely that rare category that not only play electronic darkness, but give it meaning. Since the mid-eighties, they have been writing this cold, clear sound that knows […]

Source: Orkus

Stellen wir uns mal folgende Situation vor. Auf einer überfüllten Straße laufen Menschen aneinander vorbei. Jeder trägt etwas mit sich herum: eine gescheiterte Beziehung, eine schlechte Nachricht vom Arzt, die Erschöpfung der letzten Monate. Die Blicke gehen zu Boden, jemand wird angerempelt, niemand bleibt stehen. Dann stockt der Strom für einen Moment. Zwei schauen sich an, halten den Blick – und erkennen sich wieder. Sie treten näher, fallen sich in die Arme, Fremde für alle anderen, aber nicht füreinander. Sie halten einander fest. Voila, welchen Soundtrack haben sie wohl auf den Ohren, während das passiert? Die Antwort ist schnell gegeben: COLD NIGHT FOR ALLIGATORS.

Spielen COLD NIGHT FOR ALLIGATORS „Sensitivity Metal“?
Seit die Dänen 2008 auf der Bildfläche erschienen sind, haben sie sich in den Kreis jener Bands eingereiht, die Progressive Metal nicht als Bühne für ausgestellte Virtuosität oder Themen wie überbordende Sci‑Fi‑Storys nutzen. Der Blick wird nach innen gerichtet – dorthin, wo die zwischenmenschlichen Katastrophen lauern. Und wo Missverstehen auf Selbstzweifel, Ängste und Überforderung trifft. CNFA sind Meister darin, Gefühle zu sezieren und mit dem Skalpell offenzulegen. Eine Operation am offenen Herzen – ganz ohne Narkose. Müsste man hierfür eine Genrebezeichnung etablieren, würde ich „Sensitivity Metal“ vorschlagen. Oder „Hug Metal“ – Ihr wisst schon, wegen der Umarmung.

Bereits der Vorgänger „The Hindsight Notes“, der im Jahr 2022 bei Arising Empire erschienen ist, war ein Geheimtipp für all jene, die es mit Bands wie LEPROUS oder DREDG halten. Doch offenbar hat das nicht ganz funktioniert – die Band hat das Label wieder verlassen und veröffentlicht nun auf Prime Collective. Sie spricht sie von einer Neuerfindung: „Wir haben uns durch Veränderung, Verlust, Vaterschaft und Burnout frontal aufgestellt. Diese Platte wurde zu einer Arche für Überleben und Erneuerung – unser bisher persönlichstes und filmischstes Werk“, heißt es im Promotext.

„With All That’s Left“ ist noch größer und eingängiger als sein Vorgänger
Tatsächlich klingt „With All That’s Left“ noch fokussierter, größer und eingängiger als der Vorgänger. Und ja: auch ein wenig cleaner. Das Album präsentiert Songs, die man nach kurzer Zeit mitsingen kann. Komplexität zeigt sich hier eher in den Details – schroffe, stotternde DJENT-Rhythmen, subtil verschobene Bassläufe und atmosphärische Gitarrenflächen, die sich den Songs unterordnen, statt das Zepter zu übernehmen. Manche Melodien sind fast poppig.

Gleichzeitig liegt in den Songs eine Fragilität, die fast zu bersten droht, besonders in den ruhigeren Passagen. Ihr glaubt, KATATONIA sei die traurigste Band der Welt? Hört Euch den Beginn von „.44 Lifeline“ an. Und sagt mir ehrlich: Was macht das mit Euch? Könnt Ihr die Tränen zurückhalten? Wie stark ist Euer Bedürfnis, auf der Straße wildfremde Menschen zu umarmen? FUCK!

Und dann ist da diese Stimme von Frontmann Johan Jack Pedersen, die das Album prägt und weit in den Vordergrund gemischt ist. Mal kraftvoll und direkt, oft in hohem Falsett zerbrechlich und einfühlsam. Pedersen kann seine Stimme langsam aufbauen, bis sie fast bricht, und dann wieder sanft abfallen lassen. Er spielt gekonnt mit Nuancen: sanftes Legato, punktiertes Staccato, dezentes Vibrato, subtile Rauheit. Oh mein Gott, wie schön kann dieser Mann leiden! Selbst in den aggressiven, lauten Momenten schimmert eine ungewohnte Sensibilität durch, die man aushalten können muss.

Zwischenbilanz eines aus den Fugen geratenen Lebens
Mit sanften, fast tippelnden Orchesterklängen werden wir behutsam in das Album und den Titelsong hineingeführt. Ich höre vielleicht ein Fagott, gezupte Streicher und eine Harfe – das Booklet der eingesetzten Instrumente liegt mir leider nicht vor. Dann übernehmen schwere, groovende Gitarren, der Rhythmus ist synkopiert, bis sich schließlich Pedersens Stimme sanft einschaltet. Schon wechseln wir in den Krisenmodus: Ein sprechendes Ich zieht Zwischenbilanz seines bisherigen Lebens. Selbstreflexion mischt sich mit der Einsicht in begangene Fehler – und dem Wunsch nach Neuanfang:

Ich bewahre meine Lieder für den Fluss auf –
Was ist ein Leben wert, um darüber nachzudenken?
Es ist der Mord an meiner Jugend, und ich habe gelernt:
Zeit ist kein einfaches Spiel.
So viel Wut in mir verschlungen.
Mit dem, was heute noch von mir übrig ist,
Krieche ich, um meinen Fehlern zu begegnen.

Die Krise ist oft die einer mittleren Lebensphase: Erste Träume sind geplatzt, Lebenswege mussten korrigiert werden, erste Beziehungen und Freundschaften sind gescheitert, Verluste wurden erlitten. Wenn der Songtitel „.44 Lifeline“ biografisch gemeint ist, dürfen wir davon ausgehen, dass sich die Band in ihren 40er-Jahren befindet.

COLD NIGHT FOR ALLIGATORS packen diese Motive in eingängige Songs zwischen Prog, Modern Metal und Alternative, die sich nicht scheuen, auch mal die großen Gesten zu versuchen: ausholende Melodien, elegische Schwere. Und doch immer wieder aufgebrochen werden – fragmentierte Emotionen, die sich in nervös kreisenden Mustern, spannungsvollen Motiven und feinen rhythmischen Verschiebungen spiegeln.

Die Hörer werden emotional nicht geschont
Schon die beiden folgenden Titel zeigen die hymnischen Qualitäten der Band: bittersüßestes Ohrenfutter, mitunter sogar dezente Stadionrockqualitäten. „Dance For You“ ist totale Hingabe an eine geliebte Person, intim bis zum Zerbrechen.

Über ein quirlig kreisendes Gitarrenmuster tastet sich Pedersen in den Song hinein, spricht ein „Du“ an, bis der Song in einem eingängigen Refrain explodiert, den jeder nach kurzer Einübung mitsingen und mitleiden kann. Eine Beziehung steht kurz vor dem Scheitern, sie entgleitet, sie verrutscht ins Ungefähre – und so wird das Gegenüber verzweifelt angefleht, obwohl der Bruch bereits offensichtlich ist:

Willst du, dass ich für dich tanze?
Für dich lache?
Für dich schreie?
Alles durchstehe?
Stopp – es ist verloren.

Wiederkehrend gibt es auf der Platte dialogische Momente, in denen ein „Du“ angesprochen wird. Es sind Passagen irgendwo zwischen Beichte und Bitte, zwischen dem Wunsch nach Nähe und der Furcht vor ihr, oft mit offenen Fragen, auf die das sprechende Ich selbst keine Antwort weiß. Genau das erhöht die Eindringlichkeit, es ist ein altbewährter Trick: Auch wir als Hörer fühlen uns direkt angesprochen und werden hineingezogen in das emotionale Zentrum der Songs. Wir werden nicht verschont – das Mitleiden und Mitfühlen ist ausdrücklich erbeten.

Im Mittelteil passiert das Unfassbare: Alle Instrumente verstummen – die stotternden Gitarren, das rhythmisch versetzte Schlagzeug. Ein einsames Piano übernimmt. Die Melodie perlt, und Pedersen singt so eindringlich, dass es mich komplett aufzureißen droht. Es ist eines der schönsten Breaks, das ich kenne. Einsamkeit, Resignation, ein kurzer Moment des Innehaltens – bis sich das furiose Finale aufbaut, die Stimme immer flehender klingt, fast wütend.

Ich verliere dich in diesem Wahnsinn.
Nur in Klang bin ich sicher, im Klang bin ich gerettet.
Ich verliere dich, überwältigt und ertrunken,
während du dich gefunden fühlst, renne ich blind.
Ich verliere dich.
Ich verliere dich.

Das Spiel der Band besitzt eine sinnliche Qualität
Wer glaubt, wir befänden uns hier durchgehend im Schmerz- und Trauerkloßmodus, den muss ich enttäuschen. Das Spiel der Band ist variabel und detailreich, voller Dynamik und Raffinesse. Schwere Riffs treffen auf akustische Passagen, das Schlagzeug agiert nuanciert und wuchtig zugleich. Immer wieder brechen wohl dosierte Aggressionen auf: Die Rhythmen grooven schwer, die Stimme schreit. Dazu gesellen sich geschmackvolle, virtuose Pianopassagen. Und weitere Überraschungen: ein Trompetensolo in „I Am Only Fear“, tranceartige Flächen im Abschlusstrack „Melancholy Waves“.

Die Pointe: Verinnerlichung entsteht gerade durch jene Elemente, die man im Prog gern als „Gegniedel“ abtut. Synkopen, verschobene Akzente und rhythmische Reibung wirken hier nicht demonstrativ, sondern nach innen – als hörbar gemachter Denk- und Gefühlsprozess. Deshalb dominieren Muster, die variiert und verschoben werden, um den Spannungszustand zwischen Bewegung, emotionaler Eskalation und gedanklichem Kreisen einzufangen. Schmerz wird in schroffe Schönheit übersetzt – ein kathartisches Erlebnis.

Zwischen Wave-Noir-Ballade und zupackendem Prog-Metal
So nehmen uns CNFA mit in die dunkle Wave-Noir-Ballade „In the Dark“: ein Song, der fast wie ein Wiegenlied wirkt — geflüstert, zart, beruhigend. Und doch stimmt etwas nicht.
Eine Person weint sich in den Schlaf und wendet sich an eine abwesende Person, bangend, ob es ihr gut geht. Über allem liegt eine leise Bedrohung:

Ein neuer Jäger beobachtet jede deiner Bewegungen,
er nimmt dir deine Leidenschaft.
Ich hoffe, irgendjemand sagt mir, dass es dir gut geht.
Diese Wunden dürfen niemals deine sein.
Kämpf nicht für mich – kämpf nicht dafür, dass sie bleiben.

Der synthetische Rhythmus wirkt fast wie ein langsamer Herzschlag, manchmal dringt ein hallendes Klopfen durch. Gespenstige Geräusche wie aus einem nächtlichen Wald.

Andere Songs sind zupackender und näher an der „klassischen“ Prog-Metal-Idee. Im chaotischen „These Blind Spots“ hüpft die Leadgitarre wie ein Ping-Pong-Ball über treibende und ruckelnde Akkorde. Der Song, eine Art innerer Monolog, beschreibt den Moment, in dem ein „Ich“ sich von seiner Vergangenheit verabschieden will, gar alles bis auf die Wurzeln niederbrennen – entsprechend entfesselt musiziert die Band. Doch da mischen sich Selbstzweifel ein und Ängste, Zorn trifft auf Zurückschrecken und Unsicherheit. Das sprechende Ich gesteht, nicht gut im Abschiednehmen zu sein:

Ich bin nicht gut im Abschiednehmen
Aber ich blicke nicht zurück
Meine Augen flackern hell

„Astonishing“ eröffnet mit betörendem, kunstvollem arabischen Frauengesang à la Ofra Haza und weiträumigen Orchesterklängen, während die Gitarren ornamenthafte Verzierungen streuen. Orientalische Skalen treffen auf die punktierten Rhythmen des Progcore und erzeugen eine entrückte, fast mystische Atmosphäre. Die Stimme übernimmt hier fast eine perkussive Rolle: punktiert, stotternd, in kleinen Impulsen, die die rhythmischen Akzente der Gitarren und Schlagzeugmuster spiegeln. Das erzeugt eine nervöse, drängende Spannung. Transzendenz kontrastiert mit der verletzlichen, zerrissenen Innenwelt des Ichs.

Prog der zwischenmenschlichen Sollbruchstellen
Im Video zu „Am I Only Fear“ rennen zwei Männer mit freiem Oberkörper durch den Wald. Äste schneiden in ihre Haut, sie stolpern, fallen, stehen wieder auf und hetzen weiter durch das Dickicht. Zwei Reiter sind ihnen auf den Fersen. Die Haut ist aufgerissen, blutig. Sie fallen einander weinend in die Arme. Sie prügeln sich. Stoßen die Köpfe aneinander – mal konfrontativ, mal fast zärtlich.

So fühlt sich die Musik von COLD NIGHT FOR ALLIGATORS an: kein Prog der großen Weltentwürfe und Konzeptalben, sondern einer der Schnitte und Narben. Ein Prog der emotionalen Verletzungen und zwischenmenschlichen Bruchlinien. Fragmentierte Blicke, stotternde Rhythmen – Fragilität. Eine fantastische Platte! Und ebenso eine tröstende Umarmung.

Veröffentlichungsdatum: 16.01.2026

Spielzeit: 41:00

Label: Prime Collective

Webseite: https://coldnightforalligators.com/
Bandcamp: https://coldnightforalligators.bandcamp.com/

Line-Up (unter Vorbehalt):

Johan Pedersen – Gesang
Nikolaj Lauszus – Schlagzeug
Eskil Rask – Bass
Max Uldahl – Keys & Orchestrierung
Lui Broch Larsen – Gitarre
Frederik Møller – Gitarre auf „In The Dark“ und „Bittersüße Echos“
Simon Laulund – Leadgitarre auf „These Blind Spots“
Randy Slaugh – Synthesizer auf „Changeling“
Ryan Svendsen – Trompete auf „I Am Only Fear“
Simon Dobson – Trompete auf „Changeling“

COLD NIGHT FOR ALLIGATORS „With All That’s Left“ TRACKLIST
1. With All That’s Left (Video bei Youtube)
2. Dance For You
3. I Am Only Fear (Video bei Youtube)
4. Changeling
5. In The Dark
6. These Blind Spots
7. .44 Lifeline (Video bei Youtube)
8. Bittersweet Echoes
9. Astonishing
10. Melancholy Waves

Source: Vampster

„Ich liebe die Natur“, sagte einst jemand zu mir und meinte damit, die umliegenden Maisfelder, die überdüngten Wiesen, die Ställe mit Anbindehaltung und die Fichtenplantagen, genannt Wälder. Der Mensch liebt nicht die Natur, er liebt sein Abbild dessen, er möchte gerne die Natur beherrschen, sodass sie ihm gefällt und dass sie ihm nicht gefährlich wird. Diese Hybris ist der Samen dessen, was wir „Klimakatastrophe“ nennen. Eins sein mit der Natur, geht das überhaupt? DOMHAIN zufolge ist das erst mit dem Tod möglich. Dann können wir und wieder vollumfänglich mit der Erde verbinden, indem wir ins große Ganze zurückkehren. Ist das nun deprimierend oder tröstlich?

Der Titel „In Perfect Stillness“ suggeriert, dass DOMHAIN den Trost bevorzugen. Immerhin, die Figur, die auf dem wunderschönen Artwork von Drummerin Anaïs Chareyre-Méjan zu sehen ist, sieht friedlich aus in ihrem Nest, das als Ausgangspunkt für das dient, wenn wir den Weg des Fleischlichen gehen. Allein das reicht schon, um „In Perfect Stillness“, das Debütalbum der nordirischen Band ins Herz zu schließen. Aber da ist auch noch die Musik. Mit „Nimue“ hat die vierköpfige Band bereits eine beeindruckend gute EP veröffentlicht, so vielseitig, dass selbst die anderthalb Jahre später erschienene Akustik-Split mit EPHEMERAL wie der nächste logische Schritt erschien. Das Debütalbum setzt nun wieder im Metal an, ist aber trotz aller Schroffheit melancholisch und beinahe – im besten Sinne – weich.

Ein großer Schritt in Richtung Eigenständigkeit: Auf „In Perfect Stillness“ müssen sich DOMHAIN nicht mehr mit anderen Bands vergleichen lassen.
DOMHAIN lassen mit „In Perfect Stillness“ die PRIMORDIALhaftigkeit der EP ebenso hinter sich, wie die epischen ENSLAVED-Momente oder die AGALLOCHsche Introspektion, sie liegen auch abseits der SAORs dieser Welt. Und natürlich passen sie dennoch zu all diesen Bands. „In Perfect Stillness“ ist ein leidenschaftliches Post Black Metal-Album, dem seine irische Herkunft deutlich anzuhören ist. Stürmische Hymnen einerseits, raues Sounddesign andererseits, und fertig ist das Fernweh nach Küsten, in denen der Regen auf die Haut eindrischt wie Geißeln auf Büßer. Das Fernweh speist sich aus Riffs, groß wie Wellen während des Sturms, aus Gesang, der gegen Naturgewalten anschreit oder sie beschwört.

Es ist ein sehr unmittelbares Album, das direkt ins Herz geht, und wie „Talamh Lom“, das nach einem kurzen vom Cello dominierten Intro, schnell ins Ohr, dank der mitreißenden Gesangsharmonien von Andy Ennis und Anaïs Chareyre-Méjan. Die kratzigen Riffs, das akzentuierte Drumming tun ihr übriges, und mit dem leisen von Cellos gesäumten Mittelteil gibt es einen perfekten Absprungspunkt für eine sehr ursprüngliche Wildheit, die alles beinhaltet, was leidenschaftlicher Black Metal braucht, entfesseltem Gesang inklusive. Dieser Start geht unter die Haut, und DOMHAIN schaffen es mit „Footprints II“, der originalen Version des akustischen Splitbeitrages, locker das Niveau oben zu halten. Mehr noch: „Footprints II“ hat so wundervolle Harmonien und balanciert die Dynamik so punktgenau aus, dass sich diese zehn Minuten in eine betörende Erhabenheit steigern und die Zeit mit wundervoller Melancholie wie im Flug vergeht.

Aggression und Melancholie gehen Hand in Hand: DOMHAIN navigieren auf „In Perfect Stillness“ mühelos zwischen den Polen.
Der Titelsong zeigt DOMHAIN von ihrer aggressiven Seite. Hier verliert das Quartett zwischenzeitlich ein wenig den Song aus den Augen. Wenn Geschwindigkeit und Lautstärke zurückgefahren werden, wie in den vielschichtigen semi-Doom-Momenten, packt die Band wieder zu und fesselt bis zum Finale. Auf „My Tomb Beneath The Tide“ zeigen DOMHAIN schließlich das ganz Panorama – und hier wird deutlich, welch exzellente Songwriter sie sind. Ein Aufbau, der zu keiner Sekunde langatmig wirkt, große Harmonien, vielschichtige Gitarren, eruptive Brutalität mit Blast Beats und eine Rückkehr zum ursprünglichen Thema, das komplex, aber jederzeit nachvollziehbar ausgebaut wird, schenkt dem Album einen dramaturgisch perfekten Abschluss.

„In Perfect Stillness“ ist das erste Highlight des Jahres 2026. Ein emotional zutiefst berührendes Album, dessen großes Gefühlsspektrum so direkt ins Herz trifft, wie ein Tag in der stürmischen Natur der Heimat der Band. Nun gut, etwas länger als 35 Minuten hätte das Album schon dauern dürfen. DOMHAIN schaffen aber das Kunststück, gleichzeitig kompakt und ausladend ihre Musik zu spielen, sodass „In Perfect Stillness“ kaum einen schwachen Moment kennt. Hervorragend gespielt, mit großen Gesangsmomenten, einer schön rauen Produktion gesegnet und einem wundervollen Artwork ausgestattet, ist das ein Debütalbum mit Seltenheitswert. Musik wie diese nährt die Seele und stärkt die Verbindung zur echten Natur. Zu derjenigen, vor der die Menschen niederknien und sich ihr hingeben müssen. Wer das begriffen hat – oder begreifen will – wird „In Perfect Stillness“ lieben.

Wertung: 4,5 von 5 Naturgewalten

VÖ: 20. Februar 2026

Spielzeit: 35:19

Line-Up:
Andy Ennis – Vocals & bass guitar
Anaïs Chareyre-Méjan – Drums, vocals & cello
Nathan Irvine – Guitars
Ashley Irwin – Guitars & backing vocals

Label: These Hands Melt

DOMHAIN „In Perfect Stillness“ Tracklist
1. Una Tarra Ci Hé
2. Talamh Lom (Official Video bei Youtube) 
3. Footprints II
4. In Perfect Stillness
5. My Tomb Beneath The Tide (Official Video bei Youtube) 

Mehr im Netz:
https://domhain-band.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/Domhain.band/
https://www.instagram.com/domhain_band/

Source: Vampster

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Source: Orkus

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Source: Orkus

Die Post-Metal / Shoegaze-Band ENDLESS FLOODS hat mit „Passages“ ein neues Album angekündigt. Es ist das fünfte Album der Franzosen aus Bordeaux und wird am 8. Mai 2026 via Permafrost Records, Araki Records und Yoyodyne Records erscheinen. Gemixt wurde das Album von Stéphane Miollan in Bordeaux. Das Mastering erfolgte durch Ben Jones.

ENDLESS FLOODS Line-Up:
Louise Dehaye – vocals, saxophone
Benjamin Sablon – drums, synthesizers, electric guitars, acoustic guitars, vocals, percussion
Stéphane Miollan – bass, electric guitars, acoustic guitars, vocals, synthesizers

ENDLESS FLOODS „Passages“ Tracklist
1. Visions
2. Deuxième monde
3. Liminal
4. Primordial

Source: Vampster

Die Post-Rock / Dreampop-Band WILDERNESSES hat einen Labeldeal bei Floodlit Recordings unterschrieben. Im Zuge dessen werden die Briten am 27. März 2026 ihr  Debütalbum „Growth“ veröffentlichen. Mit „Summertime, 1917“ gibt es nun einen weiteren Video-Clip.

Im Jänner ist mit dem Video-Clip zu „Maintenance“ die dritte Vorab-Single erschienen.

„‚Maintenance‘ lebt von den kleinen, sich wiederholenden Gewohnheiten des Alltags – den seltsamen Dingen, die man tut, um sich wohlzufühlen. Der Text ist ironisch und selbstbewusst, und diese Unbehaglichkeit spiegelt sich auch im Artwork und im Video wider, mit Collagenmasken und ‚augenlosen‘ Gesichtern, die die verzerrte Perspektive des Songs widerspiegeln“, sagt Sänger Phillip Morris.

Bereits im Sommer ist mit „English Darkness“ eine weitere Single vom Album erschienen. Der Song thematisiert die Arbeit von Frontmann Phillip Morris als vom britischen Gesundheitsdienst NHS zugelassener Fachmann für psychische Gesundheit (AMHP), der eine psychiatrische Einweisung aus beiden Perspektiven beobachtet. Der Track stellt die Krise einer jungen Frau den fragwürdigen Bewältigungsstrategien des Erzählers gegenüber.

Einen weiteren Höreindruck kann man sich auch mit dem Video-Clip zur Single „Four Hour Drive“ verschaffen.

WILDERNESSES Line-Up:
Phillip Morris – vocals, guitar
Sam Howe – guitar
Mark Portnoi – bass
Ryan Browne – drums

WILDERNESSES „Growth“ Tracklist
01 Sleepless
02 Happy Hollow
03 [dread.]
04 English Darkness (Video bei YouTube)
05 Terrible Bloom
06 Maintenance (Video bei YouTube)
07 Cassino
08 Four Hour Drive (Video bei YouTube)
09 Summertime, 1917 (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Hyperrock-Band JESUS CRINGE hat mit „Disastrology“ eine neue Single mitsamt Video-Clip veröffentlicht. Das Video handelt von einem einsamen Protagonisten, der Zeuge des ökologischen und sozialen Zusammenbruchs der Erde wird. In einem letzten Akt der Transzendenz flieht die Figur in den Kosmos, wo sich ihre physische Form in Sternenstaub auflöst – eine Metapher für die wiederkehrenden Themen des Projekts: die Verschmelzung des menschlichen Bewusstseins mit dem digitalen und spirituellen Unendlichen.

„Disastrology“ ist die erste Single der Belgier seit dem Debütalbum „Only Dark Matters“.

JESUS CRINGE „Disastrology“ (Video bei YouTube)

Source: Vampster

Die Sludge / Doom Metal-Band RADIAN hat mit „Toothless Wolf“ den Opener ihres kommenden Albums „Subterfuge“ veröffentlicht.

„‚Toothless Wolf‘ markiert den Beginn unserer Geschichte und trägt zur Entwicklung der Figuren William und seiner Frau bei, die beide zentrale Figuren der Revolution sind, die sich unter der Oberfläche einer Gesellschaft zusammenbraut, die unter dem Gewicht von Tyrannei und Zerstörung zusammenbricht“, sagt Sänger Corey Staley.

„Subterfuge“ ist nach „Chapters“ (2019) und „Discordian“ (2022) das dritte Album der US-Amerikaner aus Akron, Ohio, und erzählt eine Geschichte über Widerstand, Überleben und den Erhalt von Kultur.

„“Subterfuge“ ist die Geschichte eines Mannes, der bereit ist, alles zu tun, um sein Zuhause, sein Volk und seine Kultur vor einer Gruppe von Herrschern zu schützen, die entschlossen sind, alles in ihrem Weg zu zerstören, um ihren eigenen Vorteil zu erzielen. Die Handlung spielt im heutigen Ägypten, als wäre es in der Antike nie an die Römer gefallen, und ist voller Parallelen zu der Welt, in der wir heute leben“, sagt Sänger Corey Staley.

Das Album wurde von Gitarrist Mike Burns aufgenommen, von Sanford Parker gemixt und von Collin Jordan gemastert. Release-Termin ist der 20. März 2026 via El Burno Records und Third House Communications. Vorab gibt es auch einen Video-Clip zu „Spiraling Ash„.

„In „Spiraling Ash“ wird die Hauptfigur William auf eine Selbstmordmission geschickt, um ein längst verloren geglaubtes Relikt zurückzuholen und es an seinen rechtmäßigen Platz zurückzubringen. Dabei erwacht in ihm eine überirdische Kraft, die er in vollem Umfang zu entfalten vermag. Eine Reflexion über Furchtlosigkeit und göttliche Intervention“, erklärt Corey Staley.

RADIAN Line-Up:
Corey Staley – vocals
Mike Burns – guitars
Carly Allman – bass
Derek Vaive – drums

RADIAN „Subterfuge“ Tracklist
1. Toothless Wolf (Audio bei Decibel Magazine)
2. Spiraling Ash (Video bei YouTube)
3. Fathom
4. Ethereal Thirst
5. William
6. Subterfuge
7. Fluidity

Source: Vampster

Die Atmospheric Black Metal-Band SOTABOSC hat mit „El Batec dels Maquis“ ein neues Album angekündigt. Es ist das erste Album der aus Barcelona stammenden Band und wird am 17. April 2026 via Dunk!Records erscheinen.

„El Batec dels Maquis“ wurde von Daniel Gil im Siete Barbas Studio in Barcelona produziert. Vorab gibt es den über 17 Minuten langen Track „El batec dels Maquis / Records vius en la foscor“ zu hören, welcher den Maquis (also den republikanischen Guerillakämpfern) und ihrem Widerstand gegen Franco in Katalonien während und nach dem Bürgerkrieg Tribut zollt.

SOTABOSC Line-Up:
Xavi Forné
Òscar Linares
Manel Song
David Rodríguez
Gerard Serrano

SOTABOSC „El Batec dels Maquis“ Tracklist
01. Nerthus
02. Heimdall
03. Freyja
04. El batec dels Maquis / Records vius en la foscor (Audio bei YouTube)

Source: Vampster

Die Stoner Rock-Band MONSTERNAUT hat nach dem Titeltrack mit „Drain“ einen zweiten Track ihres kommenden Albums „Approaching Doom“ veröffentlicht. Es ist nach „Monsternaut“ (2016) und „Enter the Storm“ (2018) das dritte Album der Finnen und wurde von Anssi Kippo produziert. Release-Termin ist der 27. März 2026 via Heavy Psych Sounds.

MONSTERNAUT Line-Up:
Tuomas Heiskanen – Guitars / Vocals
Perttu Härkönen – Bass
Patrik Kuitunen – Drums

MONSTERNAUT „Approaching Doom“ Tracklist
1. Cold
2. Evicted
3. Approaching Doom (Audio bei YouTube)
4. Drain (Audio bei YouTube)
5. Black Blizzard
6. New Order Of Bliss
7. Humana Stew
8. Demon Strikes
9. Heavy Monday
10. Final Pain

Source: Vampster

Die Death-Doom Metal-Band HROB hat mit „Brána Chladu“ ein neues Album angekündigt. Es ist nach einem selbstbetitelten Demo das erste Album der Slowaken aus Bratislava und wurde von Gitarrist und Sänger Michal UharÄ�ek (KRUDUS) gemixt und von James Plotkin gemastert.

„Brána Chladu“, das mit einem Cover-Artwork von Jan Vlášek ausgestattet wurde, wird am 27. April 2026 via Memento Mori (CD) und Night Terror Records (Vinyl, Tape) erscheinen. Vorab gibt es den Track „Tiene Stromov“ zu hören.

HROB Line-Up:
Kiko Kavický – Guitars
Michal UharÄ�ek – Guitars, Vocals
Vrana Rozbora – Bass
Matej Žitňanský – Drums

HROB „Brána Chladu“ Tracklist
1. Intro
2. Chrám Prázdnoty
3. Tiene Stromov (Audio bei YouTube)
4. Genocída Snov
5. Medzihra
6. ZotroÄ�ený Oheň
7. Brána Chladu

Source: Vampster

Die Instrumental Cosmic Black Metal-Band OSMIUM GATE hat mit „Waters Of Natron“ den Opener ihres kommenden Albums „Cannibal Galaxy“ veröffentlicht. Es ist das erste Album des US-amerikanischen Duos aus Salt Lake City, welches aus Gitarrist und Bassist Drew Ehrgott sowie Drummer Rene Gomez besteht.

„Cannibal Galaxy“ wurde von Drew Ehrgott produziert und wird am 13. März 2026 erscheinen. Vorab gibt es auch den Track „Blood Rain“ zu hören.

OSMIUM GATE „Cannibal Galaxy“ Tracklist
1. Waters Of Natron (Audio bei NoCleanSinging)
2. Sailing Stone
3. Booming Dunes
4. Whale Fall
5. Nacreous
6. Blood Rain (Audio bei Bandcamp)
7. Cannibal Galaxy
8. Lights Over Hessdalen

Source: Vampster

Die Hardcore / Crossover-Band SLAAMASKIN hat mit „Endevendt“ eine neue EP angekündigt. Die neue Scheibe der Norweger wurde gemeinsam mit Tom Bruun-Olsen bei TBO Audio aufgenommen, von Dag Erik Nygaard gemixt und von Tom Kvålsvoll gemastert. Release-Termin ist der 11. April 2026.

SLAAMASKIN Line-Up:
Rolf Oldeide – Vocals
Jan-Helge Bergesen – Guitar / Backing Vocals
Kåre Helleve – Guitar / Backing Vocals
Arvid Grov – Bass
Jostein Henanger – Drums

SLAAMASKIN „Endevendt“ Tracklist
1. Stridshaud
2. Hoggspekker
3. Stigma
4. Varde

Source: Vampster

Die Groove Death Metal-Band NOVOMUNDO hat mit „Maitresse La Sirene“ einen weiteren Video-Clip ihres kommenden Albums „The Cursed Cult“ veröffentlicht.

Davor hat die Band nach dem Video zu „Deathless“ und dem Lyric-Video zu „Vodun“ mit dem Video zu „Bokor“ eine dritte Vorab-Single des Albums veröffentlicht.

„Der Song dreht sich um die Figur des Bokor, eines Voodoo-Zauberers, der die Toten aus ihrem ewigen Schlaf erweckt, um sie seinem dunklen Willen zu unterwerfen“, sagt die Band.

Es ist nach zwei EPs das erste Album der Italiener aus Rom und beschäftigt sich mit der Voodoo-Kultur, ihren Symbolen und Bedeutungen. „The Cursed Cult“ wurde von Federico „Fed“ Telesca im West Homesick Recording Studio in Sheffield gemixt und gemastert und wird am 1. März 2026 erscheinen. Vorab gibt es mit „The Coven“ einen Video-Clip.

NOVOMUNDO Line-Up:
Valerio Cristiani – Vocals
Carlo Ridolfi – Guitar
Fabio Ciccone – Guitar
Fausto Idini – Drums

NOVOMUNDO „The Cursed Cult“ Tracklist
01 Son of Mawu
02 Deathless (Video bei YouTube)
03 Erzulie
04 Bokor (Video bei YouTube)
05 The Coven (Video bei YouTube)
06 Mojo
07 Vodun (Lyric-Video bei YouTube)
08 OSFTG
09 Le Marriage de Brigitte
10 Warlord
11 God’s Violence
12 Maitresse La-Sirene (Video bei YouTube)
13 Papa Legba
14 Orishas

Source: Vampster

Die Dark / Epic Black-Band DAEMONIUM REGNI hat mit „Daemonium Regni“ ein neues Album angekündigt. Es ist der erste Release des Solo-Projekts von Mickael Broberg (UNANIMATED) und wurde von Dan Swanö gemastert. Release-Termin ist der 17. April 2026 via Darkness Shall Rise Productions. Vorab gibt es zum Opener „Mater Daemonium“ ein Lyric-Video.

DAEMONIUM REGNI „Daemonium Regni“ Tracklist
1. Mater Daemonium (Lyric-Video bei YouTube)
2. Ascendens Tenebrae
3. Silentium Mors Itinerarum
4. Luna Sanguinea
5. Spiritus In Flammo
6. Sacrificium
7. Magica Cultus
8. Damnationem

Source: Vampster

Die Death / Thrash Metal-Band SHADOWSPAWN hat den Titeltrack ihres kommenden Albums „Cadaver Dogs“ als Video-Clip veröffentlicht.

Es ist das vierte Album der Dänen aus Kopenhagen.

„Wir haben eine Geschichte über die verrückte Welt um uns herum geschrieben, in der machthungrige Diktatoren und Religionen eine Agenda verfolgen, die auf Angst, Mord und Unterdrückung basiert. Mit anderen Worten: menschliche Aasfresser, die alles ausbeuten, was sie nur können“, sagt Sänger Bue Torin Jensen.

„Cadaver Dogs“ wurde von Kelvin Dam gemixt und gemastert und mit einem Cover-Artwork von Henry Pyykkö ausgestattet. Release-Termin ist der 20. Februar 2026 via Via Nocturna. Vorab gibt es mit „He Who Slept in Fire“ einen Video-Clip.

SHADOWSPAWN Line-Up:
Nicolai Cheung – Guitars
Kelvin Dam – Bass
Bue Torin Jensen – Vocals
Lukas Meier – Drums

SHADOWSPAWN „Cadaver Dogs“ Tracklist
01. Spiral of Torment
02. The Apostate
03. Devil’s Breath Retribution
04. Dark Waters
05. Eir to the Profane
06. Cadaver Dogs (Video bei YouTube)
07. Requiem of the Dispossessed
08. He Who Slept in Fire (Video bei YouTube)
09. Hollow Gods
10. Demonized and Blasphemous

Source: Vampster